Вполне вероятно, что без новаторского подхода этого британского живописца мир мог бы и не узнать о таком направлении в искусстве, как «Братство Прерафаэлитов». Джон-Эверетт Милле (годы жизни 1829-1896) сыграл ключевую роль в основании этого объединения, представив публике пленительные и возвышенные произведения. Отношение к прерафаэлитам может быть разным: от восхищения до неприятия, но равнодушие они точно не вызывают. Будущий художник появился на свет в Саутгемптоне. Его талант проявился рано, и уже в девять лет он начал изучать основы живописи. Заметив выдающиеся способности сына, в 1838 году родители переехали в Лондон, тем самым предоставив ему возможность учиться у лучших художников того времени.
Спустя два года, в возрасте одиннадцати лет, мальчик поступил в Королевскую Академию Художеств, став самым юным студентом за всю её историю. Обучение длилось шесть лет, но ещё до его окончания Джон продемонстрировал свой талант. Через два года после поступления он был награждён серебряной медалью за рисунок, а ещё через четыре года его картина «Писарро, Берущий в Плен Перуанских Инков» была признана лучшей на летней академической выставке. В следующем году его работа «Нападение Колена Вениаминова на Дочерей Силоама» получила золотую медаль. 1848 год стал поворотным в судьбе Милле и в истории искусства. Он познакомился с Данте-Габриэлем Россетти и Уильямом Холманом-Хантом. Так и зародилось «Братство Прерафаэлитов» – одно из самых противоречивых течений в живописи XIX века.
Работы художника отличались от произведений его коллег по братству гиперреализмом и тяготели к реалистичному изображению. Тем не менее, среди его работ есть и картины, являющиеся настоящим манифестом прерафаэлитизма. К ним относится, например, знаменитая «Офелия», изображающая тело утонувшей девушки, плывущее в живописном пруду, окружённом цветами и шиповником, символизирующим невинность. Несмотря на то, что полотна Милле в этом стиле принимались на выставки, новое направление с трудом находило признание и часто подвергалось критике. После женитьбы Милле был вынужден заботиться о содержании семьи, в которой один за другим родились восемь детей. Он поставил свою живопись на поток, отказавшись от техники и стиля прерафаэлитов. К удивлению, это почти сразу принесло ему значительные финансовые плоды.
Чёткий, графичный стиль Милле с тщательной проработкой деталей пришёлся по вкусу богатой публике того времени, и он стал весьма успешным художником. Его доход достигал 30 000 фунтов стерлингов в год, что было огромной суммой по тем временам. Кроме богатства, искусство живописца и портретиста принесло мастеру признание в виде титула баронета, который он получил самым первым из всех художников Великобритании. Это произошло в 1885 году, а на следующий год он стал президентом Королевской Академии Художеств.
Скончался мастер в 1896, ровно через два месяца после своего 67 дня рождения. Вплоть до наших дней он так и остаётся одним из самых почитаемых английских художников всех времён, а его картины постоянно копируются и тиражируются в коммерческих образах.
1 картина. «Мариана»
- Дата создания: 1851 год
- Размеры: 59,7 х 49,5 сантиметров
- Место нахождения: Британская Галерея Тейт (Лондон, Англия)
Для полного понимания картины Джона-Эверетта Милле под названием «Мариана» необходимо учитывать не только её сюжетную основу, но и принадлежность художника к определённому художественному направлению. Милле был одним из прерафаэлитов – движения, выступавшего против слепого копирования классических образцов и жёстких академических канонов. На полотне изображена полумрачная комната. Сквозь стрельчатые окна, украшенные витражами, проникает свет, в котором видна фигура женщины, потягивающейся и разминающей затёкшую спину. Это и есть Мариана – главная героиня пьесы Уильяма Шекспира «Мера за Меру». Отвергнутая своим женихом Анджело из-за потери приданого в результате кораблекрушения, она ведёт уединённый образ жизни, погружённая в тоску по возлюбленному. На картине мы видим её уставшей и глубоко несчастной. Во время первой выставки картины её сопровождала подпись – строка из стихотворения:
«Он не придёт».
Эта картина Милле – не просто иллюстрация к пьесе; прерафаэлиты всегда стремились вкладывать в свои работы определённую идею. Изначально они выступали за возвращение к искренности и простоте, характерным для раннего Возрождения, но со временем их идеи претерпели изменения. Искренность, которую так ценили представители этого направления, здесь воплощена в особенно откровенной форме: жертва, страдающая не только от разбитой любви, но и от неудовлетворённого чувственного желания. Критик Джон Раскин отмечал, что именно образ Марианы, «уставшей от отсутствия новостей», наиболее ярко отражает дух эпохи прерафаэлитов. Интересно, что в пьесе Шекспира Анджело, вопреки ожиданиям, возвращается к Мариане и женится на ней, преобразившись из отрицательного персонажа в положительного.
2 картина. «Офелия»
- Дата создания: 1851-1852 годы
- Размеры: 76,2 х 111,8 сантиметров
- Место нахождения: Британская Галерея Тейт (Лондон, Англия)
За основу к своей картине «Офелия» Джон-Эверетт Милле взял сюжет из «Гамлета» Уильяма Шекспира: девушка, узнав о гибели отца от рук её возлюбленного, покончила с собой. Здесь она изображена именно в тот момент, когда упала в воды реки. Её рот приоткрыт, девушка исполняет горестные песни. Она раскинула в стороны руки, взгляд упирается в небо – из-за этого многие соотносят её позу с распятым Иисусом Христом. Офелия медленно погружается в пучины вод среди раскинувшейся великолепными красками живой природы. При этом на лице девушки не проявляется страх или беспокойство. Она как будто сама стремится поскорее расстаться с жизнью и уже готова встретить свою смерть.
Известность этому произведению английского художника принесла детальность в изображении природы. Даже нарисованные растения выступают в качестве определённых символов: лютики – это неблагодарность; ива, что склонилась над ликом Офелии – отвергнутая любовь; крапива – боль; ромашка же соотносится с девичьей невинностью. Розы, плывущие по воде, традиционно являют символ любви; таволга, которую художник поместил в угол картины – это бессмысленность всей ситуации в целом – смерти молодой девушки; незабудки, заполонившие собой берега – это верность; алый адонис, проплывающий мимо руки, соотносится с горем; расположенные над платьем утопленницы анютины глазки – это неразделённая любовь.
Тона, использованные Милле в своей картине, насыщенные и очень глубокие. Только река представлена в виде тёмной массы, похожей на болото. Она, как саван, мягко охватывает девушку, погружая в свою пучину. Интересным представляется ещё и то, как художник рисовал своё произведение. Вначале он создал задний фон, сидя на природе, Милле часами рисовал пейзаж. Затем он перенёсся в студию, где специально приглашённая натурщица долгое время лежала в позе Офелии в ванной, стойко перенося холод. По итогам работы девушка подхватила пневмонию.
3 картина. «Изабелла»
- Дата создания: 1849 год
- Размеры: 103 х 142,8 сантиметра
- Место нахождения: Галерея Искусств Уолкера (Ливерпуль, графство Мерсисайд, Англия)
Джон Эверетт Милле решил написать свою историю Изабеллы сразу после того, как вступил в «Братство Прерафаэлитов». Общество вело борьбу против копирования академического стиля – против того, чтобы копировать классические образцы. Повествование Джона Китса рассказывает нам о взаимоотношениях бедняка Лоренцо и Изабеллы. Китса вдохновил «Декамерон» Джованни Боккаччо. Согласно истории, девушка была влюблена в парня, однако её родные братья были против из союза – ведь молодой человек был достаточно беден. Они убили бедного Лоренцо. Изабелла, украла голову обожаемого, решила спрятать её от посторонних глаз в горшочке, где рос базилик. Вскоре родня узнала об этой тайне и украла сосуд с головой. Девушка стала ещё более несчастной от того, что снова лишилась своего возлюбленного.
На полотне «Изабелла» художник изобразил семью, сидящую за столом. Мы видим лицо одного из братьев, который недовольно пинает собаку Изабеллы своей ногой. Милле считал, что пёс олицетворяет собой верность, таким образом, изобразив, как брат пинает собаку, мастер пытается передать нам, что брат не считается с чувствами сестры, он их попросту не уважает. Согласно версии некоторых исследователей, в прямой ноге брата художник видел некий сексуальный подтекст. Они расшифровывают это так: брат был влюблён в свою родственницу, и, пиная собаку, он хочет утаить внезапно возникшую эрекцию. Не понимает зритель и тень совершенно не похожую на тень от руки. Что же это на самом деле?
На полотне автор изобразил реальных людей. Например, отец художника – это седой мужчина, который вытирает губы платком. Писатель и художник Данте-Габриэль Россетти показан на картине в роли Лоренцо. В роли Изабеллы оказалась жена сводного брата автора. В роли братьев и героев, которые изображены на заднем плане творения, выступили близкие друзья художника. Если всмотреться в полотно, мы сможем заметить три буквы P.R.B., которыми в то время обозначали прерафаэлитское сообщество – «Pre-Raphaelite Brotherhood».
4 картина. «Осенние Листья»
- Дата создания: 1856 год
- Размеры: 104,3 х 74 сантиметра
- Место нахождения: Манчестерская Художественная Галерея (Манчестер, графство Большой Манчестер, Англия)
Сгущаются краски вечера, солнце уже скрылось за линией горизонта. Осенний ландшафт, лишённый чётких очертаний, постепенно погружается в сумрак. Четыре молодые особы, с видимым воодушевлением, складывают высокую груду опавших листьев, готовясь развести костёр. Кто-то уже попытался поджечь эту лиственную пирамиду, но пламя ещё не разгорелось в полную силу. Лишь тонкая струйка сероватого дыма неспешно поднимается от сухой листвы к темнеющему небу.
Картина «Осенние Листья» по праву считается наиболее значимым произведением в творчестве прерафаэлита Джона-Эверетта Милле. «Братство Прерафаэлитов», отвергавшее академические условности, провозглашало принцип написания с натуры и выбор в качестве моделей друзей и близких. Английский художник Милле в качестве натуры выбрал свой сад, окружавший его дом в шотландском местечке Аннет-Лодж. Прототипы для картины были найдены рядом – на полотне изображены близкие художнику люди. В центре композиции Эффи Чалмерс-Грей – супруга Милле, которую он увёл у своего критика Джона Раскина. Слева от неё Элис – родная сестра Эффи, с которой у неё очевидное сходство. Остальные персонажи картины – это подруги сестёр Чалмерс-Грей. Милле не раз говорил, что эти девушки были самыми покорными моделями, с которыми ему когда-либо приходилось работать.
Этот, казалось бы, обычный сюжет, в исполнении Милле обретает черты возвышенности и душевности. Исследователи полагают, что это связано с увлечением художника поэмой Альфреда Теннисона под названием «Принцесса», содержащей в себе трогательное описание осенних полей, вызывающих у лирического героя (и у самого Милле) щемящую ностальгию о прошлом. Будучи прерафаэлитом, художник не мог не наделить свою работу символическим смыслом. В данном случае, ключевым элементом является разгорающийся костёр, который не только объединяет композицию, но и создаёт атмосферу созерцательности и возвышенности. По словам самого автора, костёр символизирует религиозное благоговение.
5 картина. «Приказ об Освобождении»
- Дата создания: 1852-1853 годы
- Размеры: 102,9 х 73,7 сантиметра
- Место нахождения: Британская Галерея Тейт (Лондон, Англия)
Восстание якобитов – одно из самых драматических событий в истории Англии и Шотландии. Приверженцы Якова II – шотландцы – пытались восстановить династию Стюартов, сместив с трона действующего правителя Георга I. Одержав сокрушительное поражение и понеся большие потери, якобиты были разбиты. Хотя и сегодня, без предъявления претензий, шотландская династия Стюартов существует и ведёт альтернативную линию престолонаследия. Не кровавую бойню под Эссексом, не какое-либо другое ратное событие решил изобразить Джон-Эверетт Милле, вспоминая дела столетней давности, а интимную историю – воссоединение семьи заключённого якобита. Но сцена эта не менее эмоциональна, чем какое-либо военно-драматическое повествование.
Верная женщина, ждущая своего мужа, является главным действующим лицом картины. Взгляд её упрям, а на лице читается чуть заметная улыбка. На руках женщина держит малыша. Она – оплот семьи – верно ждала своего супруга из заключения. Бывший заключённый одет в традиционную одежду – клетчатый килт. Он ранен, сломанная рука висит на перевязи. Измученный солдат приник к плечу хрупкой, но сильной женщины. Его радостно встречают: жена ободряюще держит за больную руку, а вокруг радостно суетится собака. Рыжий мальчишка мирно спит на плече у матери – он ещё не знает о воссоединении семьи. Картина вызывает положительные эмоции, как финальная сцена большой мелодрамы, которая закончилась счастливым разрешением. Моделью для картины Милле выбрал супругу своего главного приверженца – знаменитого критика Джона Раскина – Эффи. Именно в период работы над полотном, между привлекательной Эффи и художником вспыхнула любовь. Эффи оставила Раскина, с которым за пять лет брака у неё ни разу не было интимной близости, и ушла к Милле. Позже, Уильям Милбурн-Джеймс напишет книгу об этом необычном любовном треугольнике, назвав её в честь картины, которая стала точкой отсчёта для новых отношений – «Приказ об Освобождении».
6 картина. «Слепая»
- Дата создания: 1854-1856 годы
- Размеры: 80,8 х 53,4 сантиметра
- Место нахождения: Бирмингемский Музей и Художественная Галерея (Бирмингем, графство Уэст-Мидлендс, Англия)
В 1854 году происходит знаковое событие: Джон-Эверетт Милле – один из основателей «Братства Прерафаэлитов» – отправляется в графство Суссекс. Именно здесь зарождается замысел его, пожалуй, наиболее эмоциональной и трогательной работы, известной как «Слепая», над которой он трудился целых два года. Изначально вдохновением для Милле послужили пейзажи Суссекса, где он запечатлел залитые зеленью поля, рассечённые неглубоким каналом, великолепное небо после дождя и двойную радугу.
Позже, уже в Шотландии, на полотне появились две детские фигуры. Это необычный подход, поскольку обычно в центре внимания оказываются персонажи, а затем уже создаётся фон, пейзаж. Милле же, как правило, начинал с пейзажа. Он неизменно писал с натуры, будь то природа или люди. В качестве моделей он привлёк свою жену Эффи и её сестру Изабеллу. Впоследствии Эффи была заменена на Матильду Праудфут.
Сюжет картины достаточно мрачен. Зритель видит слепую девушку с младшей сестрой, зарабатывающей себе на жизнь единственным доступным способом – игрой на маленькой гармошке. Их одежда очень скромна и бедна. Но трагизм произведения не только в этой вопиющей нищете и залатанных юбках. Именно пейзаж становится «говорящим» элементом. Великолепная природа, наполненная цветами, недоступна для слепых глаз девушки. Яркость и насыщенность против вечной темноты. Девушка может только чувствовать – вот она подставляет лицо солнцу, чтобы ощутить тепло, а её рука тянется к траве. Картина Милле – это яркое выражение социального протеста против весьма распространённых проблем Англии XIX столетия: нищеты, бродяжничества и отсутствия помощи инвалидам. В то время как английские полицейские задерживали бродяг и попрошаек, художник предлагает взглянуть на них как на жертв. Милле испытывал к ним жалость и сострадание, и эти же чувства охватывают зрителя, смотрящего на его пронзительное полотно.
7 картина. «Чёрный Брауншвейгский Гусар»
- Дата создания: 1860 год
- Размеры: 104 х 68,5 сантиметров
- Место нахождения: Художественная Галерея Леди Левер (Ливерпуль, графство Мерсисайд, Англия)
Нередко содержание картин кисти прерафаэлита Джона-Эверетта Милле основывались на каких-либо литературных текстах или исторических сюжетах. Полотно «Чёрный Брауншвейгский Гусар», рассказывает нам о печальных событиях 1815 года (Наполеоновские войны). Молодой, бравый солдат, офицер Брауншвейгского корпуса, нежно обнимая любимую, шепчет ей прощальные слова перед разлукой – его ждёт сражение при Катр-Бра. Он ещё не знает, что не вернётся с этой битвы. 16 июня при небольшом местечке Бельгии – Катр-Бра – сошлись голландские и французские войска. Кровопролитное столкновение закончилось неоднозначно. Каждый из воюющих сторон присвоил победу себе, но какая это победа, если обе стороны потеряли по 4 000 солдат.
А пока гусар гуляет на балу у герцогини Ричмонд, где прощается со своей любимой. Фигура солдата мужественна, но очень трогательна – он ещё совсем молодой юноша, пылкий и полный надежд на счастье. Девушка в белоснежном платье хрупка и трогательна. Не придерживаясь никаких норм приличий, она несмело прильнула к груди любимого, печально опустив глаза. Цвета картины насыщены и ярки. Особенно притягивает белый блестящий цвет платья – символ чистоты и невинности. Это трогательная история несчастной любви разыгрывается, казалось бы, на обычном фоне. Если бы не знаменитая картина с изображением Наполеона – это «Бонапарт на Перевале Сен-Бернар» от Жака-Луи Давида. Живописец подчёркивает, что амбиции сильных мира сего не щадят никого. В борьбе за безграничную власть страдают благородные люди, готовые грудью защищать интересы родины. Вот и эта молодая парочка – бравый гусар и юная прекрасная девушка – попали под молох политических интриг. Их истории любви не суждено будет сбыться. Их искренние чувства, тревожный момент прощания, смятение, проблески надежды, так и останутся лишь на полотне Милле.
8 картина. «Христос в Родительском Доме»
- Дата создания: 1850 год
- Размеры: 86,3 х 139,7 сантиметров
- Место нахождения: Британская Галерея Тейт (Лондон, Англия)
Впервые представленное публике в Лондоне, это произведение искусства вызвало настоящую волну всеобщего отторжения. В лондонской газете «Time» картину охарактеризовали как «отвратительную». Художник, являясь одним из ключевых членов «Братства Прерафаэлитов», воплотил прерафаэлитские идеалы неукоснительного реализма и живой эмоциональной выразительности, изобразив Святое Семейство в виде обычной семьи английских рабочих, занятых в мастерской плотника Иосифа. Однако наибольшее негодование вызвал истощённый вид Девы Марии, чей образ традиционно представлялся как привлекательная светловолосая девушка. Младенец Иисус Христос случайно поранил руку о гвоздь, а его кузен – будущий Иоанн Креститель – подносит воду, чтобы промыть ему рану. Кровь, стекающая из раны на ногу Христа, а также лестница, изображённая на заднем плане полотна, служат символическим предзнаменованием грядущего Распятия.
В эпоху Ренессанса традиционное изображение Святой Девы с Младенцем эволюционировало в образы Марии, Иосифа и маленького Христа, занятых повседневными делами. В большом тондо «Святое Семейство (Мадонна Дони)» кисти Микеланджело акцент делается на человеческой составляющей Божественного воплощения: Святое Семейство представлено в обыденных занятиях. На полотне Антонио да Корреджо под названием «Мадонна с Корзинкой» возле Святой Девы лежит её рукоделие, а Иосиф занят своим ремеслом.