В 2025 г. отмечается столетие стиля ар-деко. Благодаря стилю и дизайну экстерьера и интерьера чего угодно, от крупных сооружений до небольших предметов, включая то, как выглядят люди (одежда, мода и украшения), ар-деко оказал влияние на здания (от небоскребов до кинотеатров), мосты, корабли, океанские лайнеры, поезда, автомобили, грузовики, автобусы, мебель и предметы повседневного обихода, включая радиоприемники и пылесосы. Жители Нью-Йорка могут видеть этот стиль рядом с собой: Крайслер-билдинг (один из символов Нью-Йорка), Эмпайр-стейт-билдинг на Пятой авеню, Рокфеллер-центр, статуя Атланта перед ним…
Ар-деко, сокращение от французского Arts décoratifs (букв. 'декоративное искусство'), – это стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна товаров, который впервые появился в Париже в 1910-х годах (непосредственно перед Первой мировой войной) и процветал в США и Европе с 1920-х по начало 1930-х годов.
Ар-деко получил свое название после того, как в 1925 г. в Париже состоялась Международная выставка декоративного и промышленного искусства. Ар-деко берет свое начало в смелых геометрических формах венского Сецессиона и кубизма. С самого начала на него повлияли яркие цвета фовизма и Русского балета, а также экзотические стили искусства Китая, Японии, Индии, Персии, Древнего Египта и майя.
Декоративные идеи были заимствованы из искусства американских индейцев, египетского искусства и ранней классики, а также из природы. Характерными мотивами были обнаженные женские фигуры, животные, листва и солнечные лучи – всё в условных формах.
Зародившись в период с 1910 по 1914 г., ар-деко представлял собой взрыв красок, ярких и контрастных оттенков, часто с цветочными узорами, которые использовались в обивке мебели, коврах, ширмах, обоях и тканях.
Отличительными чертами стиля являются простые, четкие формы, часто с «обтекаемым» внешним видом; геометрический орнамент, который является геометрическим или стилизованным под изобразительные формы; а также необычно разнообразные, часто дорогостоящие материалы, которые часто включают в себя искусственные вещества (пластмассы, особенно бакелит, стекло и железобетон) в дополнение к натуральным (нефриту, серебру, слоновой кости, обсидиану, хрому и горному хрусталю). Предметы в стиле ар-деко редко производились массово. Характерные черты этого стиля отражали восхищение современностью машин и присущими им дизайнерскими качествами (например, относительной простотой, плоскостностью, симметрией и неизменным повторением элементов).
В период своего расцвета ар-деко олицетворял роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технологический прогресс. В этом стиле использовались редкие и дорогие материалы, такие как эбеновое дерево и слоновая кость, а также изысканные изделия ручной работы. В изделиях ар-деко также появились новые материалы, такие как хромированное покрытие, нержавеющая сталь и пластик. В Нью-Йорке Эмпайр-стейт-билдинг, Крайслер-билдинг и другие здания 1920-х и 1930-х годов являются памятниками этого стиля. Самая большая концентрация зданий в стиле ар-деко в мире находится в Майами-Бич, Флорида.
В 1930-х годах, во время Великой депрессии, стиль ар-деко постепенно стал более сдержанным.
Впоследствии большинство зданий в стиле ар-деко были построены из железобетона, что обеспечивало большую свободу форм и меньшую потребность в укреплении опор и колонн. Перре также был первопроходцем в покрытии бетона керамической плиткой как для защиты, так и для украшения. Архитектор Ле Корбюзье впервые познакомился с железобетоном, работая чертежником в студии Перре.
Другими новыми технологиями, важными для ар-деко, были новые методы производства листового стекла, которое было дешевле и позволяло делать окна намного больше и прочнее, а также массовое производство алюминия, который использовался для строительства и оконных рам, а позже Корбюзье, Уоррен Макартур и другие – для изготовления легкой мебели.
С появлением крупномасштабного производства художники и дизайнеры стремились улучшить внешний вид функциональных предметов массового производства – от часов и пепельниц до автомобилей и зданий. Стремление к красоте во всех сферах жизни в стиле ар-деко напрямую отражало относительную новизну и массовое использование технологий машинного производства.
Ар-деко был прямым эстетическим и философским ответом на стиль ар-нуво и более широкое культурное явление – модернизм. Ар-нуво начал выходить из моды во время Первой мировой войны: тщательно проработанные детали, изящные узоры, зачастую дорогие материалы и методы производства этого стиля плохо подходят для сложного, нестабильного и всё более механизированного современного мира. В то время как движение «ар-нуво» черпало свои замысловатые, стилизованные формы из природы и превозносило достоинства ручной работы, эстетика ар-деко подчеркивала обтекаемость и гладкую геометрию машинного века.
В 1925 г. в стиле ар-деко сосуществовали две конкурирующие школы: традиционалисты, основавшие Общество художников-декораторов, в которое входили дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульман, Жан Дюнан, скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре. Они сочетали современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами. С другой стороны были модернисты, которые всё больше отвергали прошлое и стремились к стилю, основанному на достижениях новых технологий, простоте, отсутствии декора, недорогих материалах и массовом производстве. В 1929 г. модернисты основали собственную организацию «Французский союз современных художников». В нее входили архитекторы Пьер Шаро, Франсис Журден, Робер Малле-Стивенс, Ле Корбюзье, а в СССР – Константин Мельников; ирландский дизайнер Эйлин Грей; французский дизайнер Соня Делоне; ювелиры Жорж Фуке и Жан Пуйфорка. Они яростно критиковали традиционный стиль ар-деко, который, по их словам, был создан только для богатых, и настаивали на том, что хорошо построенные здания должны быть доступны каждому и что форма должна соответствовать функции. Красота предмета или здания заключалась в том, насколько хорошо они выполняли свою функцию. Современные промышленные методы позволяли производить мебель и здания массово, а не вручную.
Дизайнер интерьеров в стиле ар-деко Поль Фоллот так защищал ар-деко: «Мы знаем, что человек никогда не довольствуется необходимым и что лишнее всегда нужно... Иначе нам пришлось бы отказаться от музыки, цветов и парфюмерии!»
Однако Ле Корбюзье был блестящим популяризатором модернистской архитектуры; он утверждал, что дом – это просто «машина для жизни», и неустанно продвигал идею о том, что ар-деко – это прошлое, а модернизм – это будущее. Идеи Ле Корбюзье постепенно перенимались архитектурными школами, а от эстетики ар-деко отказались.
Те же особенности, которые сделали ар-деко популярным в начале, – мастерство исполнения, дорогие материалы и орнаменты – привели к его упадку. Великая депрессия, начавшаяся в США в 1929 г. и вскоре охватившая Европу, значительно сократила число состоятельных клиентов, которые могли позволить себе мебель и предметы искусства. В условиях экономического кризиса немногие компании были готовы строить новые небоскребы. Даже фирма Ruhlmann перешла на серийное производство мебели, а не на изготовление индивидуальных предметов вручную. Последними зданиями, построенными в Париже в новом стиле, были Музей общественных работ Огюста Перре (ныне Французский экономический, социальный и экологический совет), Дворец Шайо Луи-Ипполита Буало, Жака Карлу и Леона Азема и Токийский дворец на Парижской международной выставке 1937 г.; их окна выходили на грандиозный павильон нацистской Германии, спроектированный Альбертом Шпеером, который стоял напротив не менее грандиозного павильона социалистического реализма СССР времен Сталина.
После Второй мировой войны доминирующим архитектурным стилем стал «интернациональный стиль», основоположниками которого были Ле Корбюзье и Мис ван дер Роэ. После войны в Майами-Бич было построено несколько отелей в стиле ар-деко, но в других местах этот стиль практически исчез, за исключением промышленного дизайна, где он продолжал использоваться в оформлении автомобилей и таких изделий, как музыкальные автоматы. В 1960-х годах он пережил скромное академическое возрождение, отчасти благодаря работам историков архитектуры, таких как Бевис Хиллиер. В 1970-х годах в США и Европе были предприняты усилия по сохранению лучших образцов архитектуры ар-деко, и многие здания были отреставрированы и перепрофилированы. Постмодернистская архитектура, которая впервые появилась в 1980-х годах, как и ар-деко, часто включает в себя чисто декоративные элементы.
Ар-деко продолжает вдохновлять дизайнеров и часто используется в современной моде и ювелирных изделиях.
Международная выставка 1925 г.
Стремясь вступить в новый век вместе с инновациями, а «не сдерживать себя ностальгией», группа французских художников-новаторов создала организацию под названием Societé des Artistes Décorateurs («Общество художников-декораторов»). В группу входили как известные деятели, такие как дизайнер и гравёр в стиле ар-нуво Эжен Грассе и архитектор в стиле ар-нуво Эктор Гимар, так и начинающие художники-декораторы и дизайнеры, такие как Пьер Шаро и Франсис Журден. Французское государство поддерживало и поощряло это направление художественной деятельности.
Одной из главных целей новой группы было бросить вызов иерархической структуре изобразительного искусства, которая ставила художников-декораторов в менее выгодное положение по сравнению с более классическими видами живописи и скульптуры. Как известно, Журден сказал: «Таким образом, мы решили вернуть декоративному искусству, с которым неосмотрительно обращались как с Золушкой или бедной родственницей, которая ела вместе со слугами, то важное, почти преобладающее место, которое оно занимало в прошлом, во все времена и во всех странах мира».
План крупной выставки, представляющей новый вид декоративного искусства, изначально был задуман на 1914 г., но его пришлось отложить до окончания Первой мировой войны, а затем по разным причинам перенести на 1925 г.
Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства [Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes] состоялась в Париже с 28 апреля по 25 октября 1925 г. Ее официально спонсировло французское правительство. Она занимала территорию в 55 акров в Париже, простиравшуюся вдоль берегов Сены от Гран-Пале на правом берегу до Дома инвалидов на левом. Гран-Пале, самый большой зал в городе, был заполнен экспонатами декоративно-прикладного искусства из стран-участниц.
В выставке приняли участие 15.000 экспонентов из 20 разных стран, включая Австрию, Бельгию, Чехословакию, Данию, Великобританию, Италию, Японию, Нидерланды, Польшу, Испанию, Швецию и новый Советский Союз. Германия не была приглашена из-за напряженности в отношениях после войны; США, неверно поняв цель выставки, отказались от участия.
За семь месяцев выставку посетили 16 млн человек. Правила выставки требовали, чтобы все работы были выполнены в современном стиле; исторические стили не допускались. Главной целью выставки было продвижение французских производителей элитной мебели, фарфора, стекла, изделий из металла, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продукции все крупные парижские универмаги и ведущие дизайнеры имели собственные павильоны. Выставка также служила для продвижения продукции из французских колоний в Африке и Азии, в том числе слоновой кости и экзотических пород дерева.
Отель «Коллекционер» был популярным местом на выставке; в нем демонстрировалась новая мебель, разработанная Эмилем-Жаком Рульманом, а также ткани в стиле ар-деко, ковры и картина Жана Дюпа «Les Perruches» (Попугайчики). Дизайн интерьера был основан на тех же принципах симметрии и геометрических форм, которые отличали его от стиля модерн, а также на ярких цветах, искусной работе, редких и дорогих материалах, которые отличали его от строгой функциональности стиля модерн. В то время как большинство павильонов были богато украшены и обставлены роскошной мебелью ручной работы, два павильона – павильон СССР и павильон L'Esprit nouveau, построенный одноименным журналом под руководством Ле Корбюзье, – были построены в строгом стиле с простыми белыми стенами и без украшений. Они были одними из первых образцов модернистской архитектуры.
Ле Корбюзье представил свой «План Вуазен» для Парижа. «План Вуазен», названный в честь пионера авиации Габриэля Вуазена, предполагал строительство серии идентичных небоскребов высотой 200 м и более низких прямоугольных квартир, которые должны были заменить исторические здания на правом берегу Сены в Париже. Архитектор не рассчитывал, что центр Парижа будет снесен для реализации его плана; это был просто способ привлечь внимание к его идеям. Идентичные дома машинного производства, по мнению Ле Корбюзье, были будущим современной архитектуры.
В Париже много зданий в стиле ар-деко. Наиболее известны культовые театры Théâtre des Champs-Élysées, Les Folies Bergère и кинотеатр Le Louxor, универмаги La Samaritaine и Le Printemps Haussmann, дворцы Palais de Chaillot, Palais de la Porte Dorée и Palais de Tokyo, жилой дом Pacquebot Пьера Пату 3 boulevard Victor (15-й аррондисман).
***
Термин «декоративно-прикладное искусство» впервые был использован во Франции в 1858 г. в Бюллетене Французского фотографического общества. В 1868 г. газета «Фигаро» использовала термин «objets d'art décoratifs» для обозначения предметов декораций, созданных для Оперного театра. В 1875 г. французское правительство официально присвоило статус художников дизайнерам мебели, текстильщикам, ювелирам, стеклодувам и другим мастерам. В ответ на это, Королевская бесплатная школа дизайна (École royale gratuite de dessin), основанная в 1766 г. при короле Людовике XVI для обучения художников и ремесленников ремеслам, связанным с изобразительным искусством, была переименована в Национальную школу декоративного искусства. В 1920 г. он получил свое нынешнее название ENSAD (Высшая национальная школа декоративного искусства).
Появление ар-деко было тесно связано с повышением статуса художников-декораторов, которые до конца XIX в. считались просто ремесленниками. Термин «декоративное искусство» был придуман в 1875 г., что дало дизайнерам мебели, текстиля и других предметов интерьера официальный статус. Общество художников-декораторов (Société des artistes décorateurs, SAD) было основано в 1901 г., и художники-декораторы получили те же авторские права, что и живописцы и скульпторы.
Сам термин «ар-деко» появился в печати только в 1966 г. в названии первой современной выставки на эту тему, организованной Музеем декоративного искусства в Париже, «Les années ″25″, Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, Collections du Musée des arts décoratifs», которая охватывала различные основные стили 1920-х и 1930-х годов. Затем этот термин был использован в газетной статье 1966 г., написанной Хиллари Гелсон для The Times (Лондон, 12 ноября), в которой описывались различные стили на выставке.
Термин «ар-деко» получил широкое распространение в 1968 г., когда историк Бевис Хиллиер опубликовал первую крупную академическую книгу о нем – «Ар-деко 20-х и 30-х годов».