Хосе (Хусепе) де Рибера (годы жизни 1591-1652) родился в испанском городе Хатива и получил прозвище «спаньолетто» или «маленький испанец». Такое имя он получил из-за своего проживания и работы в Неаполе, Италия. Его относят к караваджистам — художникам, следовавшим принципам изображения, основанным на работах Караваджо и его учеников. В этом направлении живописи характерно использование яркого контраста между светом и тенью: картины обычно имеют тёмный фон с ярко освещёнными фигурами на переднем плане, что придаёт им объёмность и выразительность.
Рибера был не только выдающимся живописцем, но и известным графиком, его считают крупнейшим испанским графиком до Франсиско Гойи. Многие его работы сохранились и сейчас находятся в мадридском Музее Прадо и церквях Неаполя. Информация о ранних годах художника немногочисленна. Известно, что он обучался рисованию у Франсиско Рибальты, а примерно в 1613 год переехал в Италию. В Риме и Парме он, как принято было в то время, изучал мастерство, копируя работы признанных мастеров прошлых эпох. В 1616 году он женился на неаполитанке и навсегда поселился в этом городе, что определило основную часть его творчества, сохранившегося до наших дней. Стоит отметить, что в то время Неаполь фактически находился под испанской властью и входил в состав Сицилийского королевства.
Как и с Караваджо, на де Риберу распространялись множество слухов и легенд. Людей поражала его уникальная способность реалистично передавать страдания. Полотна художника отличались выразительностью и натурализмом. В сочетании с выразительностью караваджистов и тенебризма, это объясняет появление слухов о мастерстве Риберы. Он мастерски использовал игру света и тени, а также много лет провёл в тюрьмах, где наблюдал за допросами и пытками, создавая эскизы. Как и о Микеланджело до него, ходили слухи о том, что он причинял боль своим натурщикам для достижения максимальной достоверности в изображении страданий.
В работах художника можно увидеть привязанность к религиозным, мифологическим и историческим сюжетам. Однако с возрастом его стиль претерпевает заметные изменения. Он начинает по-новому использовать свет и цвет, контрастность становится менее резкой, появляются более мягкие полутона, а также лунные и солнечные оттенки. Работы часто приобретают объёмность благодаря рельефному слою красок. Рибера использовал резкие, выразительные мазки, чтобы добавить экспрессию своим полотнам. Одним из наиболее известных произведений мастера является картина «Святая Инесса и Ангел, Укрывающий Её Покрывалом», написанная в 1641 году, в поздний период его творчества. Это произведение отражает стиль барокко и полностью соответствует подходу Риберы к подобным изображениям. Оно наполнено мягкими золотистыми оттенками, отличается выразительностью и реалистичностью, а также оригинальной композицией с подчеркнутой диагональю, придающей статичному изображению динамичность. Художник скончался в Неаполе в 1652 году в возрасте 61 года.
1 картина. «Сон Иакова»
- Дата создания: 1639 год
- Размеры: 179 х 233 сантиметра
- Место нахождения: Музей Прадо (Мадрид, Испания)
Картина «Сон Иакова» изображает загадочный сон патриарха Иакова, как это описано в Книге Бытия. На полотне он представлен спящим, рядом с ним видно дерево, а с другой стороны — сноп света, спускающегося с серо-голубого неба. Диагональное противопоставление объёмов на переднем плане демонстрирует мастерство художника в передаче света и его умение строить композицию.
В этом произведении автор отходит от традиционной иконографии сна Иакова, в которой обязательно присутствует лестница, явленная ему в видении. Вместо этого роль этой важной детали выполняет золотое сияние, исходящее с небес, в котором едва различимы силуэты ангелов. Игра света на лице пастуха подчеркивает божественность его сна.
2 картина. «Хромоножка»
- Дата создания: 1642 год
- Размеры: 164 х 92 сантиметра
- Место нахождения: Музей Лувр (Париж, Франция)
Испанский художник Хусепе де Рибера, представитель реалистической школы живописи, создавал религиозные картины и портреты простых людей. Одним из таких произведений является полотно «Хромоножка», на котором изображён хромой маленький нищий, имя которого история не сохранила. Рибера использует низкую линию горизонта и перспективу с низкой точки зрения, что позволяет зрителю смотреть на модель снизу вверх. Такой прием часто применяется в портретах знатных особ и придаёт изображаемой фигуре монументальность, подчиняя ей всё пространство картины. Хотя это могло бы подчеркнуть уродство маленького нищего, искренняя улыбка и теплота, читаемые на его лице, преображают восприятие.
Образ этого маленького бродяги наполнен обаянием и детской непосредственностью. Хочется верить, что его природная доброта и сила духа, закалённые годами страданий и лишений, не позволят ему опуститься на дно общества и что физическое несовершенство не станет причиной морального уродства. В 1869 году эта картина была передана в дар Музею Лувр.
3 картина. «Святое Семейство со Святой Екатериной»
- Дата создания: 1648 год
- Размеры: 209,6 х 154,3 сантиметра
- Место нахождения: Метрополитен Музей (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
Хусепе де Рибера, родившийся в Испании, провёл большую часть своей жизни в Италии, начиная с работы в Риме и продолжая при дворе неаполитанского короля. Его творчество было глубоко вдохновлено живописью Караваджо, с её яркими контрастами света и тени, а также персонажами, напоминающими людей с улицы, но обладающими величием и естественной красотой.
На картине изображена сцена обручения святой Екатерины с Иисусом Христом, которое представляет собой мистическое событие, в результате которого Екатерина становится «невестой Христовой». Яркий свет освещает главных героев, выделяя их из полумрака. Такой подход, наряду с крупными, свободно лежащими драпировками, придаёт произведению оттенок театрализации, свойственный художникам эпохи барокко. В то же время работа наполнена живыми человеческими эмоциями: Богоматерь с нежным беспокойством склонила голову к Младенцу, а святая Екатерина с волнением целует Его руку. Лица святой Екатерины и Богоматери, а также их движения красивы и нежны, но в то же время сдержанны. Строгость и сентиментальность стали характерными чертами творчества многих испанских художников того времени.
4 картина. «Диоген»
- Дата создания: 1637 год
- Размеры: 76 х 61 сантиметр
- Место нахождения: Галерея Старых Мастеров (Дрезден, Германия)
Хусепе де Рибера — испанский художник, рисовальщик и гравёр, видный представитель эпохи барокко в живописи. Его творчество сосредоточено на изображении суровых и мужественных личностей. Модели, которые он выбирал, отражали его собственные стремления и сущность, при этом стиль его портретов отличался высокой реалистичностью.
В данном произведении представлен древнегреческий философ-киник Диоген Синопский, который жил до нашей эры. О нём, в частности, писал Диоген Лаэртский, оставивший анекдоты о его жизни. Один из самых известных эпизодов рассказывает о том, как «великий Диоген днём на рыночной площади с лампой в руке искал человека». В XVII веке этот сюжет нередко изображался в контексте портрета, как и в работе Риберы, где философ с лампой символизирует поиск истины и добродетели.
5 картина. «Поединок Дам (Женская Дуэль)»
- Дата создания: 1636 год
- Размеры: 235 х 212 сантиметров
- Место нахождения: Музей Прадо (Мадрид, Испания)
Эта картина имеет оригинальную и увлекательную предысторию. Она была создана как часть грандиозного цикла из более чем тридцати произведений, посвящённых истории Рима, выполненного несколькими художниками, среди которых был и Рибера. Полотно основано на действительно произошедшем событии: в 1552 году две знатные дамы из Неаполя устроили настоящую дуэль, причиной которой стала любовь к местному кавалеру. За этим необычным «сражением» наблюдал маркиз Альфонсо д'Авалос, известный аристократ. Хотя сюжет картины основан на реальной истории, его изображение имеет аллегорический смысл. Многие исследователи интерпретируют поединок как борьбу между добродетелью и пороком.
Композиция картины построена в духе сражения двух римских гладиаторов, но в женском обличье. На заднем плане видно высокую деревянную ограду, отделяющую зрителей от арены. За оградой собрана группа мужчин, одетых в античные одежды и доспехи, вооружённых длинными копьями и алебардами. Этот массовый зритель изображен в тёмных коричневых тонах, что позволяет выделить фигуры на переднем плане. Фон картины представляет собой слегка размытый пейзаж с горой Везувий и архитектурными элементами; оба объекта затянуты лёгкой голубовато-серой дымкой, а небо вдалеке золотится от солнечного света.
На переднем плане мы видим двух женщин, сражающихся в сложных и манерных позах, что характерно для барочной живописи. Здесь использованы насыщенные цвета и эффектные драпировки с выразительными складками. Одна из женщин, столкнувшись с противницей, упала, прикрываясь небольшим щитом, в то время как в её другой руке находится длинный и тонкий меч, напоминающий рапиру — это явное заимствование из эпохи художника, поскольку в древнеримские времена использовался короткий широкий меч — гладиус. Эта фигура символизирует поражённый порок, тогда как другая женщина словно исполняет роль добродетели, занося меч над головой поверженного порока. У неё круглый щит защищает тело, а золотисто-жёлтый хитон красиво драпируется, контрастируя с сдержанными и тёмными цветами фигуры упавшей женщины. Полотно впечатляет своей экспрессией, оригинальным сюжетом и высоким мастерством художника.
6 картина. «Святой Себастьян и Святая Ирина»
- Дата создания: 1628 год
- Размеры: 180,3 х 231,6 сантиметра
- Место нахождения: Музей Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
В большинстве картин о святом Себастьяне изображён момент его мучений, конкретно — расстрел римскими лучниками. Однако Хосе де Рибера выбрал менее распространённый сюжет — спасение и исцеление святого от его ран. Это произошло благодаря святой Ирине, которая развязала и извлекла стрелы из тела мученика, промывая и исцеляя его раны. Себастьян, будучи римским военачальником и тайным христианином, когда-то выступил в защиту своих друзей-христиан во время их казни. Ангел благословил его, и толпа уверовала в запретную веру, что вызвало гнев императора, который приказал его казнить. Святого привязали к дереву и расстреляли, однако ни одна стрела не повредила жизненно важные органы, что может свидетельствовать о наличии у него поддержки среди солдат.
Ночью Ирина, местная христианка, пришла похоронить Себастьяна. Сняв его с дерева, она обнаружила, что он сильно ранен, но еще жив. Именно этот момент создал художник. Святой по-прежнему частично привязан — его правая рука протянута вверх, а тело уже лежит на земле. Вторая рука безвольно свисает, голова откинута — он потерял сознание от боли. Святая Ирина извлекает стрелу, вонзившуюся в его тело, в то время как другая женщина на коленях держит большой стеклянный флакон с жидкостью, вероятно, водой или лекарством.
Это произведение было написано в ранние годы творчества Риберы и значительно подвержено влиянию школы Караваджо. Это ярко проявляется в цветовом решении и особенно в игре света и тени. Фон картины и большая часть сценического окружения погружены в темноту, даже фигура служанки едва видна, намеченная сдержанными и приглушёнными оттенками. На этом мрачном фоне целиком ликвидируется фигура почти обнажённого святого, который светится в лунном свете. Лицо святой Ирины также ярко выделено светом. В момент, когда она извлекает стрелу, она поворачивается к служанке, произнося что-то. Лунный свет освещает её лицо и руку, вытаскивающую стрелу.
Несмотря на то что на полотне всего три фигуры, композиция оказывается достаточно сложной и даже замысловатой, что характерно для эпохи барокко. Две коленопреклонённые женские фигуры, почти диагонально расположенное тело святого мученика и его вытянутая рука создают динамику, которая раскрывает замысел художника. Хотя цветовая гамма сдержанная, а художественное решение скромно, картина впечатляет своей экспрессией и выразительностью.
7 картина. «Святая Инесса и Ангел, Укрывающий Её Покрывалом»
- Дата создания: 1641 год
- Размеры: 202 х 152 сантиметра
- Место нахождения: Галерея Старых Мастеров (Дрезден, Германия)
«Святая Инесса и Ангел, Укрывающий Её Покрывалом» – одна из самых известных картин испанского художника, созданная в зрелый период его творчества. В это время в работах мастера начали появляться оригинальные золотые и серебряные оттенки, отличающие их от тёмных и глубоких красок его ранних произведений, находившихся под влиянием караваджистов.
На картине изображена святая Инесса – юная девушка, которую жестокие язычники выставили на всеобщее обозрение в обнажённом виде за отказ отречься от христианской веры. Однако насмешкам не суждено было продлиться долго: её волосы начали разгибаться в буйную волну и вскоре закрыли её тело, скрыв его от непристойных взглядов. В довершение чудес, с неба спустился ангел, который накрыл её покрывалом.
Рибера запечатлел этот кульминационный момент, изображая святую Инессу не как жертву жестокости, а как совершенно невинное и чистое существо, верящее в свою защиту. Она представлена как хрупкий подросток с изящными руками и ногами, нежной кожей и ангельским выражением лица. Несмотря на ужас окружающей ситуации, Инесса не выглядит испуганной; она молится, её вера так сильна, что она уверена в своём спасении. Существует мнение, что художник, возможно, писал образ святой мученицы, опираясь на черты своей дочери. В любом случае, ему удалось великолепно изобразить юную, непорочную деву с нежной белой кожей, румянцем на щеках и большими выразительными глазами.
На полотне отсутствуют посторонние детали, отвлекающие зрителя от основного сюжета. Работа выполнена в сдержанных золотисто-коричневых тонах, фон словно растворяется в свете, исходящем от фигуры святой. Инесса стоит на коленях на голом, грубом полу из каменной плитки — это всё, что видно из окружения. Диагональная композиция, придающая полотну динамичность, подчёркнута расположением фигуры ангела и его покрывала, которое он укрывает святую Инессу. Сам плащ исполнен в золотистых оттенках, что придаёт ему сияние и подчёркивает его небесное происхождение. Светлая кожа Инессы сверкает на фоне её тёмных волос, которые полностью окутывают её фигуру, создавая защитный барьер от всего негативного, что окружает её в этом мире. Девушка выглядит защищённой не только ангельским покрывалом — её невинность недоступна для грязных взглядов, а укрытие даруется ей самим Богом.
8 картина. «Святой Онуфрий»
- Дата создания: 1637 год
- Размеры: 130 х 104 сантиметра
- Место нахождения: Музей Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия)
Святой Онуфрий – это одна из ключевых фигур раннехристианских пустынников, который провёл более шестидесяти лет в уединении в египетской пустыне. Его почитают многие христианские деноминации, включая католическую, православную и восточные древнехристианские церкви, такие как сирийская и армянская апостольская. На полотне Риберы святой изображён обнажённым по пояс. Он выглядит как сухой, жилистый старик с седой бородой, не измождённый временем. Онуфрий молится у своего самодельного алтаря, с ладонями, сложенными в молитве, на которых лежат длинные чётки из тёмных плодов.
На алтаре святые символы бренности земной жизни – человеческий череп, золотая корона и скипетр, напоминающие о том, что все эти вещи ничто по сравнению с божественной силой. Оформление картины строго соответствует стилю художника и практически сводится к минимуму. Мимо алтаря можно заметить лишь «одежду» пустынника, сделанную из собранных в природе листьев. Задний фон представляет собой пещеру, погружённую в полумрак, где лишь слегка освещена часть стены, а за спиной святого царит глубокая тьма.
Работа написана в характерном для Риберы манере, с акцентом на световые контрасты, что придаёт картины скульптурность и объём. Цветовая палитра сдержанная и строгая, но благодаря тёплым оттенкам она не выглядит мрачной. Основной цвет – золотистый, что соответствует солнечным лучам, проникающим в пещеру и заливающим фигуру святого. Этот свет придаёт ему особую жизненность и реалистичность.
Отсутствие множества мелких деталей сосредотачивает внимание зрителей на лице святого, которое не выражает ни религиозного экстаза, ни следов мучений. Хотя Онуфрий провёл свою жизнь в полном одиночестве, его лицо олицетворяет глубокую, непоколебимую веру в силу Бога. Он устремляет взор вверх и молится не ради себя, а за благополучие всего человечества, что делает его образ особенно популярным и почитаемым. Картина Риберы, несмотря на свою простоту, оставляет глубокое впечатление благодаря высокому мастерству художника.
9 картина. «Магдалена Вентура с Мужем и Сыном»
- Дата создания: 1631 год
- Размеры: 212 х 144 сантиметра
- Место нахождения: Музей Прадо (Мадрид, Испания)
Это полотно изображает собой не совсем традиционную женщину по имени Магдалена Вентура, страдавшую гормональным расстройством. На групповом портрете Вентура кормит ребёнка грудью, а её муж скрывается в тени за ними. Справа от композиции расположены две стелы, подробно описывающие историю семьи, они написаны на латыни и известны как «Чудо Природы». К слову сказать, на второй стеле имеется и описание «необычной» внешности Вентуры. Согласно отчётам, на тот момент женщине было уже 52 года, а в 37 лет у неё начался усиленный рост волос на лице. Помимо нетрадиционной для своего времени внешности, на картине также изображается непосредственно её героиня – послушная и гордая своим видом, вне зависимости от того, что в ту пору общество думало о ней.
Создатель этого знаменитого полотна Хосе де Рибера также изобразил Вентуру в нетрадиционной для той поры позе, которая была более связана с отображением африканских женщин, кормящих своих детей подобным образом. Хотя картина и подчёркивает мужественность Вентуры, она также изображает и аспект её характера – женщина преисполнена силой и гордится своей уникальной внешностью.