Тим Бёртон — это один из тех режиссёров, стиль которого, узнаётся из тысячи. Создавать мрачные, тёмные, но при этом трогательные, самобытные и захватывающие истории удаётся лишь ему. Он одинаково мастерски может пересказать знакомую всем сказку или затронуть серьёзные темы — и сделать это с такой теплотой и искренностью, что невозможно сдержать слёзы.
В первой части статьи, посвященной Тиму Бёртону и его готическим сказкам, будут рассмотрены пять самых знаковых фильмов этого режиссёра с точки зрения сюжета, визуального стиля и тех чувств, которые они вызывают у зрителя.
«Эдвард руки-ножницы» (Edward Scissorhands), 1990 г.
Жанр: фэнтези, драма, мелодрама
Данное произведение по праву считается визитной карточкой Тима Бёртона и одной из его самых узнаваемых работ — если не самой известной. И неудивительно, ведь в нём сочетаются лучшие режиссёрские приёмы автора. Начиная с родного поместья Эдварда, напоминающего старинный замок, выполненный в лучших традициях готики, и заканчивая образом отчуждённого главного героя, не похожего на других людей.
В фильме рассказывается о необычном юноше, созданном изобретателем, но так и не получившем человеческие руки. Вместо них у него — острые лезвия, напоминающие ножницы. Эта особенность делает его одновременно уникальным и пугающим в глазах окружающих. Долгое время Эдвард живёт в одиночестве в замке, окутанном жуткими слухами, ходящими среди горожан, пока по счастливой случайности не оказывается в небольшом пригороде, где его необычные руки сразу привлекают внимание местных жителей.
Картина повествует о попытках главного героя найти своё место в новом для него мире, о принятии себя, предрассудках и о том, как за пугающей внешностью может скрываться ранимая душа и искренняя доброта.
Говоря о визуальном стиле, прежде всего хочется отметить контраст между пригородом и замком, возвышающимся над ним. Дело не только в различии архитектуры (сложная структура замка символизирует внутренний мир Эдварда, в отличие от однотипных одноэтажных домов горожан), но и в цветовой палитре: замок выдержан в тёмных, преимущественно серых тонах, тогда как в городке преобладают светлые пастельные цвета. Это наглядно показывает, насколько разными являются миры Эдварда и окружающих его людей.
Также невозможно не заметить, как в киноленте обыграны костюмы — особенно то, насколько символично они отражают внутреннее состояние главного героя. Например, живя в одиночестве, Эдвард носит чёрный кожаный костюм с ремнями и металлическими элементами, который заменяет его кожу, а также, подчёркивает отчуждённость от яркого мира за пределами замка. Однако, оказавшись в городе, он «адаптируется» к местным стандартам: его переодевают в белую рубашку и брюки — типичную одежду здешних обывателей. Это символизирует попытку персонажа стать частью общества и жить, как обычный юноша. Но после предательства друзей и разочарования в людях Эдвард срывает с себя эту одежду, и под ней вновь оказывается его прежний костюм — визуальный намёк на возвращение к одиночеству, как в начале истории.
«Эдвард руки-ножницы» — один из тех фильмов, которые трогают до глубины души и по-настоящему сближают зрителя с главным героем. С первых минут появления Джонни Деппа в роли Эдварда завораживает его искренность и детское любопытство.
Через образ главного героя режиссёр обращается к тем зрителям, кто ещё не нашёл своё место в мире или, подобно Эдварду, однажды сбился с пути. Он стремится показать, что жизнь полна неожиданностей и не всегда складывается так, как нам хотелось бы. Главное — оставаться собой, делать то, что приносит радость и получается у тебя лучше всего.
«Чарли и шоколадная фабрика» (Charlie and the Chocolate Factory), 2005 г.
Жанр: фэнтези, мюзикл, комедия
«Чарли и шоколадная фабрика» Тима Бёртона — это удачное переосмысление классической сказки Роальда Даля. Сюжет вращается вокруг бедного, но доброго мальчика Чарли, который выигрывает золотой билет и получает шанс попасть на загадочную шоколадную фабрику. Вместе с другими детьми и своим дедушкой он отправляется в путешествие по цехам этого необычного предприятия, которым руководит чудаковатый, но гениальный кондитер Вилли Вонка.
Бёртону удалось передать зрителям ощущение, будто они вместе с героями фильма исследуют волшебную фабрику и поражаются её чудесам. Этот эффект достигается прежде всего благодаря ярким персонажам и тщательно проработанным декорациям, словно сошедшим со страниц книги прямо на экран. Вонка предстаёт таким же чудаковатым, каким его описал автор оригинального произведения, — и это заслуга не только сценария и режиссёрской работы, но и блестящей игры Джонни Деппа. Также, музыкальные номера, в исполнении Умпа-Лумпов, отлично дополняют фильм, и в комедийной манере подают мораль ленты.
Этот фильм идеально подходит для просмотра в кругу семьи. Настолько добрых и по-настоящему уютных произведений сегодня немного, а история эксцентричного кондитера, его отца и бедной, но очень сплочённой семьи Чарли не оставит зрителя равнодушным. Завершение картины вызывает ощущение приятного послевкусия, словно после плитки хорошего шоколада.
«Труп невесты» (Corpse Bride), 2005 г.
Жанр: фэнтези, мюзикл, мелодрама
Этот фильм в первую очередь привлекает завораживающей визуальной составляющей, за которой скрывается проникновенная история о настоящей любви и умении отпустить того, кто тебе действительно дорог. Кроме того, лента наполнена множеством небольших, но очаровательных моментов, способных растрогать любого.
«Труп невесты» является готической анимационной сказкой Тима Бёртона, рассказывающей о застенчивом юноше Викторе, который по случайности оказывается обручён с девушкой из мира мёртвых. Фильм переносит зрителя из маленькой викторианской деревни в потусторонний мир, где главному герою предстоит сделать трудный выбор между долгом и чувствами. Это история о любви, верности и поиске своего пути.
Говорить о том, как снято это произведение, можно очень долго, поэтому хочется выделить несколько основных моментов.
Во-первых, весь фильм создан с помощью кукольной покадровой анимации (stop-motion или «стоп-моушен»). Это техника оживления объектов путём последовательной съёмки: аниматоры поочерёдно перемещают куклы или фигурки на небольшие расстояния, фиксируя каждый шаг на фото. При последующем воспроизведении кадров создаётся иллюзия движения.
Во-вторых — это конечно же визуальные метафоры, которыми, как и все предыдущие фильмы Бёртона, картина переполнена. Одна из наиболее выразительных — контраст между миром живых и мёртвых. С первых минут становится ясно, что мир живых - не самое приятное место. В первую очередь, на это влияют краски наполняющие это место (здесь они холодные, серые, мрачные, город переполнен домами с однообразной архитектурой, и тусклым, практически чёрно-белым, освещением.) Это является метафорой духовной скованности местных жителей, социальной строгости и общей подавленности, викторианской эпохи, показанной в картине.
Мир мёртвых, напротив, пестрит яркими красками, наполнен энергией, музыкой и весельем. Он символизирует свободу, принятие и даже радость. Метафора в том, что в этой, как и в других картинах Бёртона: смерть — это не конец, а лишь половина пройденного пути, и начало чего-то нового.
Также заслуживают внимания сцены с игрой на фортепиано, которые отражают внутренний мир героев и их эмоциональное состояние. Например, в момент, когда Виктор не может подобрать слов, чтобы извиниться перед Эмили, за обман, он начинает играть вместе с ней. Его музыкальная партия выражает раскаяние, тогда как Эмили повторяет один и тот же фрагмент, словно не готова простить. Однако постепенно она начинает подыгрывать Виктору — в этом жесте читается прощение и принятие сложившейся ситуации.
Поскольку данное произведение является мюзиклом, то нельзя не упомянуть его музыкальную составляющую. Песни отлично разбавляют повествование, и дополняют игру на контрасте между мирами. Даже без визуального ряда легко определить, где находится герой и какие эмоции переживают персонажи. Сами музыкальные композиции звучат гармонично и прекрасно воспринимаются даже вне контекста фильма. Видно, сколько сил и времени композитор Дэнни Эльфман вложил в их создание.
Фильм «Труп невесты», через цепляющую глаз кукольную анимацию затрагивает те проблемы, с которыми люди сталкиваются повсеместно , а именно, личной свободы и переосмысление смерти. Один из ключевых посылов картины — это право быть собой, несмотря на общественные ожидания и осуждение. Виктор и Виктория, на протяжении всей киноленты сталкиваются с давлением традиций, навязанных ролей и внутренними сомнениями, но именно верность собственным чувствам и убеждениям позволяет им обрести настоящие счастье. Ещё одна важная идея — это представление смерти не как трагического конца, а как нового этапа пути. Бёртон переосмысливает привычные образы, создавая мир, где загробная жизнь оказывается ярче и насыщеннее, чем существование, зажатое рамками условностей и лишённое настоящих чувств.
«Битлджус» (Beetlejuice), 1988 г.
Жанр: фэнтези, комедия
«Битлджус» — довольно нестандартная для своего времени чёрная комедия. В центре сюжета стоит супружеская пара, погибшая в автокатастрофе и впоследствии ставшая призраками в собственном доме. Когда туда въезжает новая семья, духи пытаются изгнать её с помощью демона-«био-экзорциста» по имени Битлджус, чьи методы оказываются куда опаснее, чем они могли предположить.
Юмор в фильме строится на сочетании чёрной комедии, гротеска и сатиры. Смерть и загробный мир представлены не мрачно, а напротив, с иронией: бюрократические очереди для призраков, абсурдные правила посмертного существования и нелепые попытки героев разобраться во всём этом «аду». Из всех действующих лиц особенно выделяется демон Битлджус — в блестящем исполнении Майкла Китона — отвратительный, но невероятно харизматичный герой, чьи «услуги» зачастую лишь усугубляют происходящее. Его энергия буквально чувствуется через экраны, захватывая внимание зрителя с первых минут появления. Фильм также высмеивает общественные нормы, чрезмерное стремление к материальному и поверхностность живых — особенно на примере семьи снобов, прибывшей из Нью-Йорка. На их фоне пара призраков, недавно владевших домом, порой выглядит куда более человечно.
И это был бы не фильм Тима Бёртона, если бы в центре повествования не оказался персонаж, резко отличающийся от остальных. В этой ленте — это девочка Лидия Диц. Она представляет собой подростка гота, обладающего глубоким внутренним миром и стремлением к самовыражению (подобный образ Бёртон будет неоднократно использовать в своих последующих работах).
Несмотря на свою юность, Лидия проявляет зрелость и здравомыслие, часто превосходя в этом взрослых персонажей фильма. Её уникальная способность видеть призраков позволяет ей установить связь с умершими владельцами дома, Адамом и Барбарой Мейтлендами, и стать своего рода посредником между мирами живых и мёртвых.
В целом, Лидия символизирует принятие своей индивидуальности и стремление к пониманию в мире, полном предрассудков. Её образ остаётся актуальным и вдохновляющим для зрителей всех возрастов, но особенно для подростков.
Говоря о декорациях фильма, как и всегда у Бёртона, они вызывают неподдельный восторг. Уже одна мысль о том, что в картине практически не использована компьютерная графика, а всё окружение, вычурные персонажи и монстры созданы вручную, поражает воображение.
Особенно запоминается сцена трансформации лиц Адама и Барбары, когда они пытаются напугать новых жильцов дома. Этот эпизод — один из самых ярких в фильме и прекрасно демонстрирует мастерство практических спецэффектов, созданных задолго до эпохи цифровой анимации.
Чтобы воплотить в жизнь эти необычные превращения, команда гримёров и художников по спецэффектам использовала сложные латексные маски, механические элементы и аниматронику. Например, лицо Адама растягивается, словно резиновое, а лицо Барбары превращается в нечто, напоминающее раскрытую пасть крокодила с глазами на языке. Все эти эффекты были созданы вручную с помощью резины, поролона, тросиков и других инженерных решений, обеспечивающих ощущение настоящего преображения.
Грим обитателей загробного мира — ещё одно впечатляющее достижение команды художников и специалистов по практическим эффектам. Каждый персонаж обладает уникальным и запоминающимся обликом: от мужчины с миниатюрной головой до обугленного курящего трупа. Все образы были созданы вручную — с использованием силикона, латекса, пластика и тщательной работы с красками, что позволило добиться реалистичного эффекта разложения, травм и посмертных искажений.
«Битлджус» является фильмом на все времена, благодаря своей уникальности и юмору (шутки до сих пор звучат свежо и уместно). Он отлично передаёт дух эпохи, в которую был снят. Кроме того, картина заслуживает внимания благодаря обильному использованию практических эффектов, которым современные режиссёры уделяют всё меньше внимания из-за их трудоёмкости и высокой стоимости. Всё это делает фильм не просто комедией на вечер, а настоящим произведением искусства.
«Крупная рыба» (Big Fish), 2003 г.
Жанр: фэнтези, приключение, драма
Слоган фильма — «Приключение длиною в жизнь» — как нельзя лучше отражает его суть, ведь в центре сюжета лежит история непростых отношений между отцом и сыном. Главный герой, Эдвард Блум, — человек, всю жизнь рассказывающий фантастические истории о своём прошлом: о великане, одноглазой ведьме, цирковых приключениях и настоящей любви, способной остановить время. Его сын Уилл, устав от этих, как ему кажется, вымышленных рассказов, стремится узнать правду о жизни отца. Когда Эдвард заболевает, Уилл возвращается домой со своей супругой, чтобы разобраться, где заканчивается вымысел и начинается реальность.
Фильм Тима Бёртона изящно балансирует между фэнтези и драмой, превращая каждое воспоминание в поэтичную аллегорию о мечтах, принятии и силе воображения.
Эта кинолента через историю двух персонажей — Эдварда и Уилла Блумов — рассказывает о разных взглядах на жизнь. Для одного героя, Уилла, важнее всего правда и сухие факты, без лишних приукрашиваний. Не случайно он работает журналистом. Его отец, напротив, всегда стремился превратить рассказ в увлекательную историю, приукрашенную фантастическими событиями, чтобы не просто передать суть пережитого, но и развлечь слушателя.
Именно это различие становится причиной конфликта между ними. Уилл хочет услышать от отца правду о его жизни — изложенную просто и без лишнего гротеска. Но для Эдварда такой способ рассказа невозможен: без вымысла его история кажется ему обыденной, ничем не отличающейся от жизни миллионов других людей. А это и есть его главный страх — быть посредственным человеком с ничем не примечательной судьбой.
На протяжении всего фильма Уилл не может понять, почему отец рассказывает истории именно так. Он не принимает его манеру повествования, считая, что за яркими рассказами скрывается лишь ложь. И только ближе к финалу, после разговора с доктором в больнице, Уилл осознаёт: вымышленные истории были для отца способом наполнить свою жизнь смыслом и сделать её по-настоящему особенной — как для себя, так и для окружающих.
Обращаясь к визуальным приёмам, использованным в фильме, стоит отметить излюбленный приём Тима Бёртона — контраст между мирами.
Во время рассказа Эдвардом своих историй картинка в фильме приобретает насыщенные, яркие цвета. Всё выглядит словно театральные декорации: зловещий лес и скрытый за ним городок, огромное поле нарциссов под окном Сандры, преувеличенные образы людей (если человек высокий — то это непременно пятнадцатифутовый великан живущий в пещере; если девушки — актрисы-близняшки, то обязательно сиамские).
В сценах, происходящих в реальности, палитра становится приглушённой и сдержанной, преобладают холодные и нейтральные тона. Это подчёркивает рациональность и приземлённость восприятия Уилла, а также демонстрирует, насколько тусклой может казаться реальность, если воспринимать её исключительно через призму логики и фактов.
Также стоит отметить художественные метафоры, самой яркой из которых является город Мираж. Он символизирует идеализированное место, где хочется остаться навсегда, но в котором невозможно развиваться. Жизнь в этом городе перекликается с метафорой о карасе в аквариуме, упомянутой ранее в фильме. В целом, тема постоянного движения и роста над собой проходит через всю картину.
Мираж похож на многие небольшие пригороды или курортные города, где, несмотря на отсутствие забот, нет пространства для личностного и профессионального роста. Пребывание там похоже на остановку времени. Такой образ жизни больше подходит тем, кто уже достиг всего, к чему стремился, и теперь просто хочет отдохнуть от суеты больших городов.
Именно поэтому первое, что говорят мистеру Блуму по прибытии в Мираж: его ждали здесь гораздо позже.
Вообще, в фильме так много метафор и аллегорий, что уместить их все в одной статье просто невозможно. Разбор одного только городка Мираж может занять не одну тысячу слов, ведь буквально каждая фраза, действие или персонаж символизируют то или иное человеческое стремление, желание — или, наоборот, их отсутствие.
В заключение, о «Крупной рыбе» можно сказать, что эта картина является обязательной к просмотру для каждого, кто ценит глубокие истории о семье, поиске смысла жизни и важности воображения и креативного восприятия мира. Картина не только радует глаз своей визуальной составляющей, но и трогает душу захватывающим сюжетом. После её просмотра слёзы наворачиваются сами собой.
Фильм заставляет задуматься о том, как важно уметь видеть красоту в самых простых вещах и как рассказы, даже вымышленные, могут стать способом оставить след в памяти близких и побудить других людей на великие свершения. «Крупная рыба» — это история, к которой хочется возвращаться, чтобы каждый раз открывать в ней что-то новое.
Заключение первой части
Хотя в этой статье рассматривались только пять фильмов Тима Бёртона, его вклад в кинематограф значительно шире и разнообразнее. В следующей части продолжится путешествие по мирам Бёртона с анализом ещё пяти его культовых картин.