Сегодня мое внимание привлекла резонансная публикация, содержащая прогностический анализ ключевых авторов современной арт-сцены, чьи новаторские практики способны задать новые векторы развития визуальных искусств в 2025 году.
Современный арт-рынок 2025 года стоит перед парадоксом: с одной стороны, растет спрос на радикально новые имена, с другой — институции все чаще играют безопасно, выбирая проверенные стратегии.
В этом контексте три художника, входящих в топ, оказываются в сложной позиции: их работы демонстрируют потенциал, но одновременно выявляют системные проблемы современного искусства.
Если разбор художников из этого топа вас заинтересует, дайте знать, быть может тогда мы посмотрим и остальных :)
Хлоя Уайз (Chloe Wise): критика потребления или его фетишизация
Хлоя Уайз – канадская художница и скульптор, известная своими провокационными работами, исследующими потребительскую культуру, гендерные стереотипы и поп-арт эстетику.
"Bagel No. 5"
Материалы: силикон, акрил, хлеб
Анализ:
- Ирония luxury-фетиша – бублик в стиле Louis Vuitton пародирует слепое преклонение перед брендами.
- Гиперреализм заставляет зрителя усомниться в материальности объекта.
Итог: Работа остроумна, но рискует остаться одноразовой шуткой, а не глубоким высказыванием.
"Thank You For The Nice Fire", 2021
Материалы: Картины (масло, холст) и скульптуры
Анализ:
- Ирония над парадоксами современного комфорта – как то, что должно согревать (еда, близость), может обжигать и разрушать. Экспозиция балансирует между реалистичной эстетикой и тревожным подтекстом, исследуя зависимости от иллюзий (потребление, соцсети, отношения).
- Поп-арт × сюрреализм: еда и тело как объекты фетиша.
- Instagram-эстетика: яркие, «аппетитные» цвета, но с трещинами (истощение, усталость, вымученные улыбки).
Итог: Критика бьюти-индустрии поверхностна, не предлагает альтернативы. Уайз мастерски соблазняет зрителя красотой, чтобы показать её ловушки. Однако её критика остаётся в рамках декоративного диссонанса – как пламя, которое притягивает, но не греет.
"Full-Sized Body Erotic Literature" (2015)
Материалы: Бронза, воск, акриловые краски
Анализ:
Концепт: «Брак» потребления и роскоши
- Креветка с кольцом – пародия на обручение:
- Пищевой фетиш (лапша быстрого приготовления как «партнер») vs. Luxury-символ (кольцо);
- Аллюзия на слепые браки, где союз заключался ради выгоды.
- Упаковка как алтарь: гигантский масштаб превращает дешевый продукт в объект поклонения
Критика общества:
- Пищевая индустрия + капитализм:
- Лапша – символ массового потребления, креветка – «награда» (как в рекламе);
- Кольцо обесценивается, становясь частью фастфуда.
Экологический подтекст:
- Пластиковая упаковка (вечная, как бронза) vs. скоропортящаяся еда;
- Намёк на «брак» человечества с одноразовой культурой.
Итог: Уайз доводит до абсурда ритуализацию потребления. Если в ранних работах еда пародировала моду, теперь она высмеивает социальные институты (брак, классовые различия). Как и в «Bagel No. 5», критика остается в рамках эстетики Instagram – зритель восхищается детализацией, а не идеей.
Заключение (разумеется, субъективное)
Уайз использует визуальные парадоксы и поп-культурные отсылки, но ее работы часто остаются на уровне остроумного наблюдения, не развиваясь в полноценную критическую систему. Чтобы избежать роли "художницы одного приема", ей необходимо углубить концептуальную базу и экспериментировать дальше.
- Заявленная критика индустрий нивелируется фетишизацией изображения;
- Работы легко адаптируются для рекламы люксовых брендов (что и произошло в коллаборации с Balenciaga);
- Приемы, революционные в 1960-х у Уорхола, сегодня стали языком инстаграма.
Джордан Кастил (Jordan Casteel): новый черный фигуративизм в эпоху деколонизации
Джордан Кастил — современная американская художница (род. 1989), известная масштабными портретами в ярких цветах, исследующими темы расовой идентичности, общины и приватности.
"Damani and Shola" (2022)
Материалы: Масло, холст (классическая для Кастил техника, но с необычной композицией)
Анализ:
- Редкий сюжет: В искусстве (особенно западном) чернокожий отец с ребёнком — образ, который почти не представлен вне стереотипов «отсутствующих» или «авторитарных» отцов.
- Связь с «Brothers» (2018), но здесь вместо мужской солидарности — межпоколенческая любовь.
Итог: Работа прекрасна, но не предлагает нового визуального языка для фигуративной живописи.
"Woven" (2022)
Материалы: Масло, холст
Анализ:
- Не просто касание, а поддержка — пальцы молодой руки обхватывают ладонь старой, демонстрируя заботу без патернализма.
- Кастил часто избегает прямых эмоций в лицах, но руки здесь становятся «говорящими».
Сильные стороны:
- Редкое для современного искусства изображение старости без стереотипов (жалости или героизации).
- Лаконичность: история без лиц — зритель «дорисовывает» её сам.
Спорное:
- Если фон слишком абстрактен, работа может восприниматься как декоративная, а не нарративная.
"Her Turn" (2018)
Материалы: Масло, холст
Анализ:
- Продолжает тему повседневной жизни чернокожих женщин, лишённой стереотипов;
- Социальный комментарий о видимости чернокожих женщин в общественном пространстве;
- Цвет как метафора: Яркие тона одежды (красный, оранжевый) символизируют силу и уверенность. Приглушённый фон — намёк на давление окружающего мира, который она преодолевает.
Заключение (разумеется, субъективное)
Кастил мастерски обновляет традицию фигуративной живописи, создавая проникновенные портреты черных современников. Ее сила - в способности передавать человеческое достоинство через повседневность. Однако для настоящего прорыва ей стоит рискнуть - экспериментировать с масштабом, абстракцией. Ее работы 2022 года показывают движение в этом направлении.
Институциональная ловушка:
- Музеи покупают работы Кастил, чтобы «закрыть» квоту на меньшинства — это создает напряжение между искренностью художника и инструментализацией ее стиля
В 2025 году возникает вопрос: достаточно ли просто показывать чернокожих людей, не предлагая новых визуальных стратегий?
Рауль де Нивс (Raúl de Nieves): квир-барочная избыточность в эпоху инфляции образов
Рауль де Нивс (род. 1983) – мексикано-американский художник, работающий с инсталляциями из бисера, напоминающими карнавальные алтари, и перформансом.
"Beginning & the End, neither & the otherwise" (2017)
Материалы: бумага, дерево, клей, ацетат, скотч и бусины
Размеры: Монументальная инсталляция (~2×5 м), требующая обхода зрителем
Анализ:
- Цветовая палитра: отсылка к барочным алтарям и мексиканским ofrendas (
- Деконструкция сакрального через кэмп (например, бусины имитируют драгоценности, но сделаны из пластика).
- Фрагментарность как метафора диаспорической идентичности.
Сильные стороны:
- Тактильная политика: ручная работа (500+ часов) бросает вызов цифровой эпохе;
- Музейный контекст: инсталляция переосмысливает ритуальное пространство.
Споры:
- "Фетишизация ручного труда": критика в Artforum (2023) — не учитывается роль ассистентом при создании работы.
- Экзотизация vs. аутентичность: дискуссия в The Brooklyn Rail о репрезентации латиноамериканских нарративов.
Вывод: Работа демонстрирует характерные противоречия между ремесленной традицией и требованиями арт-рынка, а также открывает новые возможности для диалога между folk art и contemporary art, предлагая модель "тактильного концептуализма", особенно актуального в эпоху цифровой доминации
"Fina at Transformer Station" (2019)
Материалы: Иммерсивная инсталляция (бисер, текстиль, дерево, найденные объекты, воск )
Анализ:
- Мифопоэтический нарратив: Центральный образ «Фины» — гибрид (Святая Фине (католич. мученица), мексиканская La Llorona (фольклорный призрак) и драг-персонаж современной квир-сцены.
- Инсталляция воссоздает «алтарь» с элементами театрального задника.
- Удачная интеграция site-specific подхода в архитектуру бывшей трансформаторной станции.
- Новаторское прочтение агиографии через призму гендерной теории (отсылки к Дж. Батлер)
Поблемные точки:
- Экзотизация скорби: Критика в Art Papers — использование латиноамериканских траурных практик как «декора».
- Консервация: Органические материалы (воск, текстиль) требуют особых условий экспонирования
Вывод: Несмотря на визуальную эффектность, инсталляция страдает от поверхностной эксплуатации религиозных и фольклорных символов, где формальный китч превалирует над глубиной концепции, превращая сложные культурные нарративы в декоративный аттракцион для арт-рынка.
Что вижу я?
- Кризис критического мышления: Все три художника страдают от недостатка серьезного теоретического осмысления того что они делают и для чего.
- Требуются альтернативные площадки вне галерейно-аукционной системы для презентации нового искусства.
Этим авторам предстоит не просто «прорыв», но сложный выбор между коммерческим успехом и художественной честностью. Их будущее зависит от способности трансформировать противоречия в новые творческие стратегии.
Если искусство будущего — это бесконечное повторение «красиво, но без смысла», то дайте мне место критика — я обещаю хотя бы честно признать, что король голый.