Как часто вы просыпаетесь в холодном поту после просмотренных кошмаров? Думали ли вы когда-нибудь о том, откуда эти кошмары появляются? Что за абсурд: жуткие образы, звуки или яркий свет, оставляющий лишь полную апатию и испорченное настроение на весь оставшийся день? Как часто вы чувствуете, что не выспались?.. Яркий свет… Часто ли вы думаете о том, что видели то, чего не должен видеть никто? Не осмелюсь даже предположить. Ответьте на этот вопрос для себя самостоятельно. Но все мы стараемся забыть о произошедшем. Стараемся забыть о неудачном дне, о неприятном кошмаре, о не сложившейся в нашу пользу ситуации. Этого у нас не отнять. Кому понравится раз за разом переживать момент полного разочарования, нежелание вставать с кровати и заниматься какими-то делами? Зачем я задаю так много риторических вопросов? Даже не начиная объяснять и рассказывать вам тему того, почему сегодняшний герой стал такой значимой фигурой в модной индустрии, хочу донести вам тот факт, что его работа никогда не являлась и не будет являться «Хиросима-шиком», какой ее окрестили журналисты. Эпоха японского авангарда стала невообразимо фундаментальной и важной для следующего поколения дизайнеров, это очевидно. Однако очевиден и тот факт, что не все были готовы ее принять. И сегодня мы с вами поговорим о человеке, чье имя меньше всего заметно на фоне таких гигантов индустрии как Йоджи Ямамото, Рей Кавакубо и Кензо Такада. Почему так? Его работа находится на совершенно другом уровне. И вы сами увидите это, стоит лишь взглянуть на его подход к созданию одежды. Да и не только одежды. Мы поговорим о своеобразном предупреждении, поговорим об антитезе хаосу и анархии. Поговорим о бесконечном стремлении к гармонии, душевному спокойствию. Поговорим про теплую и уютную кровать, в которой ныне нет места никаким кошмарам… Но путь к процветанию оказался не так легок и быстр, как хотелось бы. На пути к этой гармонии стоят страх и жестокость, через которые прошел сегодняшний персонаж. Кто же он? Давайте поскорее узнаем. Дамы и господа, прошу любить и жаловать: Иссэй Миякэ. Человек, творчество которого повлияло не на людей. Оно повлияло на весь мир.
«Иссэй Миякэ никогда не думал, что доживет до старости»
В 1938 году на свет рождается мальчик, чье имя Иссэй Миякэ. Никто бы и не подумал, что что-то может пойти не так в жизни юноши. Семья, состоящая из матери - учительницы, отца - офицера и сестры. Тем не менее, название печально известного города, в котором родился мальчик, скажет вам очень многое. Хиросима… Своей судьбой это место не оставит равнодушным никого. И все мы так или иначе привязаны к мысли о том, чтобы такое никогда больше не повторялось в нашей действительности. 6 августа 1945 года американские войска сбрасывают атомную бомбу на Хиросиму, оставляя в полном недоумении всю общественность. А пока это самое общество недоумевало, в Японии происходил настоящий кошмар: разрушенные здания, обратившиеся в кучу хлама, толпа бегущих и кричащих от ужаса людей, сотни погибших и раненных. Ужасное зрелище плотно отложилось в голове каждого, кому было суждено лицезреть яркую вспышку от взрыва.
Более 5 тысяч погибших, за несколько секунд.
На тот момент Иссэй находился в школе. Ему было всего 7 лет, первая школьная пора, которая в моменте оборвалась настолько травмирующим событием. Увидев в окне ослепляющий след от взрыва, мальчик получил ранение: осколки разбившегося от сотрясения стекла попали юноше в голову. Вместе с классом они быстро покинули помещение, побежав спасаться. Однако, в голове Миякэ была лишь мысль о том, как найти свою маму. Ее обнаружили лишь спустя сутки в больнице с тяжелыми травмами и ожогами. О чудо, ей удалось спастись. Чуть позже выясняется, что организм юноши также получил определенные увечья: в процессе дальнейшего обучения стало известно о развившемся у мальчика остеомиелите. Болезнь, которая поражает человеческие кости. Страшно, не так ли? Позднее юноша начнет увлекаться баскетболом и танцами, однако так и не смог реализовать себя в тех аспектах своей жизни, о которых мечтал. Бомбардировка родного города стала не только душевной раной, которая никогда не затянется, но и физическим барьером перед свершением больших целей.
Только подумать об этом страшно. Спустя 3 года после ужасающего события мать ребенка скончается от лучевой болезни, оставив очередную травму в душе еще совсем юного дизайнера. Но не оставит его вне рамок искусства, которым уже тогда он начал увлекаться. В попытках найти что-то свое в этом мире Иссэй начинает заниматься рисованием со своим классным руководителем, благодаря чему получает свои первые навыки в живописи. Денег на кисти у семьи не было, поэтому приходилось рисовать пальцами.
Первое столкновение с искусством произошло у будущего дизайнера еще в Хиросиме. Мальчик смог лицезреть работу японского скульптора Исаму Ногучи, а именно: мост в Парке мира. На фоне этого зарождается главная философия дальнейшей деятельности Миякэ: красота и практичность. Тем не менее, мысли о модном дизайне совершенно не посещали голову Иссэя. Однако, он уже понимал, в какой сфере хочет начинать работать.
Его взор был устремлен в сторону художественного университета Тама в Токио, где юноша хотел поступить на графического дизайнера. Перед самым своим поступлением Миякэ решил изучать модные журналы своей сестры, в которых открыл для себя много нового и уникального. Благодаря своему видению Иссэй интерпретировал модный дизайн как архитектуру тела, однако был весьма опечален, когда узнал, что искусством эта деятельность общественностью не воспринимается.
Такой подход крайне не устраивал дизайнера, из-за чего возникли первые мысли о том, чтобы принести эту идею в массы. Совершенно не мужское это было дело по мнению большинства, ведь страна нуждалась в других кадрах. Чтобы не расстраивать своего отца, Миякэ выбирает факультет графического дизайна, дабы почувствовать почву под ногами и определиться с дальнейшими целями. В 1960 году проходила Всемирная Конференция дизайна, в которую не был включен дизайн одежды. Естественно, юному дизайнеру это совершенно не понравилось. Он обратился за помощью к организаторам конференции, которые не смогли дать четкого и понятного ответа. Здесь и сформируется та цель, которую поставит перед собой Иссэй:
«Если никто не считает одежду искусством, то я сделаю так, чтобы ее считали искусством все».
Весьма амбициозно и самоуверенно. Но именно этот подход станет ключевым в работе творческого деятеля, а в какой-то момент даже обретет значение оксюморона в его идеях. Но, мы с вами поговорим об этом немного позже.
В 1962 году дизайнер выпускает первую вариацию своих работ: несколько нарядов для календаря японской химической компании. Что же мы можем здесь увидеть? Ничего того, что имеет хоть какое-то сходство с нынешними коллекциями дизайнера. В общем и целом, это всё то, что окружало Иссэя и касалось модной индустрии: японские хаори и юкаты, сандали дзори и гета, о которых мы с вами более подробно поговорили в работе про Мартана Маржелу, а также «Иссэевский» взгляд на традиционные европейские костюмы. Это и положило начало тому, с чем дизайнер будет иметь дело в дальнейшем. Ведь уже следующая его работа станет чем-то поистине восхитительным.
«Дебют» Иссэя в модной индустрии
Несмотря на то, что следующая работа дизайнера была второй, я называю ее именно первой, ведь только в ней Иссэй выразил свою серьезностью по отношению к одежде, преподнеся нам тонкую и интересную идею. Ведь именно идею здесь и есть смысл оценивать, так как кадры из коллекции практически не дошли до нашего времени. Осталось лишь несколько фотографий, которые не дают нам четко понять, какой именно была одежа в этой работе. Так что же там была за идея? Иссэй в данной работе рассуждал на тему того, как мода и искусство предстает перед нами в рекламных фотографиях. Однако, целью этой презентации была не реклама сама по себе, а лишь попытка показать другим людям то, на что действительно способен модный дизайн.
Здесь прослеживается та идея, которую продвигала Рей Кавакубо на пике популяризации своего творчества: одежда, как искусство. Она не служит чем-то утилитарным и способным к носке, в данной работе Иссэй показывает нам одежду, как скульптуру. То, что по природе своей не имеет движения (В некоторых предыдущих работах я часто описывал свою отстраненность от этой идеи, но более подробно мы поговорим о ней в работе о Рей Кавакубо).
Естественно, это положило начало тому подходу к созданию одежды, который в дальнейшем будет преследовать Миякэ. Он стал фундаментом, но настолько гибким, что в дальнейшем обретет совершенной иной смысл. Однако, что мы увидели здесь? Действительно, попытки доказать массам, что мода – это тоже искусство. Может, данная работа не обрела настолько большой вес, но она затронула действительно важные темы, которые беспокоили и многих других дизайнеров. Если обобщать, то у Иссэя получилось реализовать изначальную концепцию: одежда не как коммерческая деятельность. Осталось лишь заверить людей, что подобного рода работы действительно имеют значимость. Но этого нельзя было сделать без связей, не так ли? Но и этот ход уже был грамотно продуман дизайнером: после дебютной работы о нем узнали не только в кругах учебного заведения, но и другие значимые творческие деятели. Безусловно, нельзя не отметить факт близкой дружбы Иссэя и Кензо Такада: их взгляды на моду разительно отличались друг от друга, однако это совершенно не помешало им стать хорошими друзьями.
Они нашли друг в друге определенное вдохновение, которое в дальнейшем помогло им развиваться в тех направлениях, которые они выбрали. В 1965 году они вместе покидают Японию, переезжая в Париж, где их учеба продолжается. Однако, даже здесь их пути разошлись: как нам ранее было известно, Кензо начал свое становление значимой фигурой в модной индустрии с продажи эскизов различным домам. Получалось у него это намного лучше, чем у Йоджи Ямамото, который после своего «парижского» поражения возвращается в Японию. И что же это значит? Да то, что Такада толком и не начинал работу в индустрии, ведь на сами дома он официально не работал. А чем же в этот момент занимался Иссэй? Стажировался у Юбера де Живанши! Кто бы мог подумать, что новоиспеченный дизайнер из страны, которая являлось третьесортной в отношении модного дизайна, сможет практически сразу попасть к такому значимому модельеру не только для Франции, но и для всего мира в целом? Ответ на этот вопрос я найти не смог. Однако, обучение у Живанши станет ключевым моментом в жизни Миякэ, так как именно здесь он сможет посмотреть на то, как устроен модный механизм изнутри, и даже стать его частью. Работа была нелегкой: молодому дизайнеру приходилось рисовать от 50 до 100 скетчей и зарисовок в день. Но это было отнюдь не всё, что было приготовлено ему судьбой.
Студенческие протесты и новое видение
В 1968 году во Франции начинается волна студенческих протестов, которые также коснулись деятельности нашего сегодняшнего героя. Естественно, Иссэй смотрел на них под совершенно другим углом, ведь так или иначе считал себя японцем, в отличие от того же Кензо Такада. Но почему эти протесты были именно студенческими? На самом деле, ответ на этот вопрос кроется где-то очень глубоко в истории Франции. Но некоторые из причин лежали на поверхности: реформа французского образования и недовольство бюрократией. Во многих учебных заведениях студентов начали лишать свободы выбора и прав, а отношение к ученикам стало максимально грубым и недоброжелательным. В молодой крови кипело желание восстания, поэтому подобное ущемление продлилось недолго. Также данный бунт был связаны с международными протестами против американской войны во Вьетнаме. Начался беспорядок, который прямо коснулся Иссэя. Здесь он понимает факт беспомощности и ничтожности нынешних модных тенденций: одежда должна становиться простой. Это больше не локальный клуб высокой моды с высоким порогом вхождения. Общество требует совершенно иного подхода, оно требует свободы и утилитарности, оно требует того, чтобы одежду носили. Здесь наступает тот этап жизни Миякэ, который становится главной мыслью его дальнейших работ.
После окончания протестов в 1969 году Иссэй уезжает работать в Нью-Йорк на местного популярного дизайнера Джеффри Бина, с которым разделит идею одежды как искусства, а не коммерции. Данная работа станет для него близкой по духу, что окончательно закрепит в голове первоначальную мысль – одежда, как искусство. Однако, почему именно Нью-Йорк? На этот вопрос дизайнер ответил самостоятельно: «Тогда я еще не был уверен, что хочу стать дизайнером одежды, но я знал, что хочу заняться чем-то новым, чем-то, что под силу только мне. Я чувствовал, что Нью-Йорк – единственное место, где можно существовать в сфере искусства». Для нашего героя это стало действительностью, ведь работа в Нью-Йорке была для него значимым открытием в своей деятельности. Здесь он обретет новые связи, познакомится с различными художниками, благодаря чему сможет взглянуть и на новые уникальные техники живописи. Всё это – стало одним из самых главных вдохновителей дизайнера, здесь сформируется его конечное видение, которое позже он и воплотит в свой собственный бренд. Думаю, что пора уже наконец-то поговорить о сольной работе Иссэя Миякэ.
Cоздание собственного бренда и первые коллекции
Фактически, первую работу увидел свет еще до основания дизайнером собственной студии, однако уже тогда она носила имя своего создателя. Она прошла на токийской выставке в рамках формата «конструктивной одежды». Идея данного показа была схожа с той, что предоставил нам дизайнер Джун Такахаши, однако намного позже, чем это сделал сегодняшний герой. Одежда коллекции создавала единую конструкцию из нескольких разных элементов, которые отстегивались прямо во время своего перфоманса. На шоу не играла музыка. Почему? Иссэй хотел, чтобы каждый человек, сидящий в зале, смог ощутить и прочувствовать то, как одежда сама по себе перевоплощается во что-то новое, однако не теряет первоначальную задумку: она также быстро собиралась обратно. На задний план коллекции была выдвинута аллегория того, как людям в Японии важна практичность и комфортное пребывание в предметах одежды. Насколько важно чувствовать движение, насколько важно находиться во взаимопонимании с тем, что покрывает твою кожу сверху. Увы, большая часть фотографий с данного показа не дошли до нашего времени, однако хотя бы некоторые элементы мы с вами всё еще можем разглядеть. Далее, вещи из первой коллекции дизайнера:
Знакома ли вам идея татуировок на одежде? Мне – определенно. Тем не менее, невероятно интересно взглянуть на то, как зарождалась эта идея, и на то, кто стал первооткрывателем столь необычной задумки. Фактически, в ней прослеживается та задумка, которая постепенно начинает обретать противоречия: одежда как искусство в утилитарном виде. Она выполняла свою главную функцию, но будто бы становилась частью человека.
В данном формате были выпущены платья и комбинезоны телесного цвета, на которых были напечатаны рисунки с лицами покойных музыкантов Джими Хендрикса и Дженис Джоплин. Однако благодаря своему оттенку и исполнению работы одежда приобретала вид татуировки на теле, сливаясь с ее носителем в нечто единое целое. Тем самым дизайнер хотел почтить память двух исполнителей, ведь в Японии, зачастую, татуировки являются символом покинувшего наш мир человека. Не могу сказать, что ныне такой элемент гардероба выглядит нестандартно или необычно, однако для того времени это было нечто из ряда вон выходящее. Никто ранее не думал и даже подумать о таком не мог, а здесь совершенно новый, еще не совсем опытный дизайнер выдает идеи, которые заслуживают внимания не только общественности, но и других важных творческих деятелей. Это ли не говорит о его вкусе и таланте уже на самом начале зарождения собственного видения? Определенно говорит.
Однако, не все работы Иссэя обладали его сверхнеобычным и нестандартным видением. Был ли это некий страх, или умение проявить себя в совершенно другом виде? Наверняка неизвестно. После демонстрации своих работ в Японии и обретения определенной популярности Миякэ возвращается в Нью-Йорк в 1971 году, где начнет презентовать новые концепты своего мышления более широкой аудитории. И что же мы с вами можем увидеть в коллекциях тех лет? Ничего из того, о чём мы с вами поговорили ранее. Никаких интересных и тонких задумок, никаких необычных и чарующих силуэтов, никаких уникальных конструкторских техник и приемов. В общем и целом – это самая обычная и простая одежда, сделанная под западные мотивы с элементами японской культуры. Здесь они прослеживаются весьма явно, в виде широких и объемных силуэтов, использование необычных материалов, различных геометрических орнаментов и цветов. Юкаты, кимоно и хаори – то, с чем мы с вами уже знакомы. На фото вещи из нью-йоркских коллекций:
Но в чём же был секрет такой работы? На этот вопрос мы с вами уже ответили: Иссэй продолжал пробовать себя в разных подходах к созданию одежды. На тот момент невозможно было сказать наверняка, определил ли свой творческий путь дизайнер или нет, и хотел ли он в принципе оставаться модельером. Страх перед более строгой и значимой в модной индустрии аудиторией также мог сыграть свою роль, ведь на тот момент японскую моду запад не сильно хотел воспринимать, да и не был готов к этому. Еще несколько вещей из нью-йоркских коллекций Миякэ:
В 1973 году Миякэ снова приезжает в Париж, где продолжает прежнюю концепцию, всё больше и больше уходя в сторону европейского костюма. Здесь всё еще не было невероятных замыслов, несущих в себе глубокую идею и необычных техник, которыми пользовался дизайнер ранее. Однако, вы ведь не подумали, что на этом Иссэй остановится? Думаю, это очевидно, что такая сильная личность как наш сегодняшний герой не будет останавливаться на достигнутом. Всё, что требовалось ему – это время. На фото парижские коллекции "эпохи сдержанности"
Театральная постановка
В 1975 году была представлена одна из самых революционных коллекций всего творческого пути Иссэя Миякэ. Она получила название «Issey Miyake and 12 black girls», представителями которой, логично являлись чернокожие девушки. В настоящий момент подобное визуальное решение не вызвало бы никакого удивления или вопросов, однако в 70-х годах это стало настоящим нонсенсом. Никто и никогда ранее не использовал для своих шоу исключительно чернокожих людей. Зачастую это было единично, в качестве небольшого разнообразия общей эстетики показа. Однако, Иссэй не то чтобы сломал общепринятые рамки и принципы, а скорее перепрыгнул через них. Шоу стало не только демонстрацией коллекции, а полноценным перфомансом, который включил в себя своеобразную театральную постановку. На показ пришло около 15.000 человек, а сам он проходил в Токийском театре. Это ли не говорит о первоначальной идее дизайнера? Определенно. Одежда представляла из себя объемные и длинные наряды, напоминая о своеобразном ритуале или обряде, который проходил прямо во время шоу. Манекенщики танцевали и разыгрывали друг с другом различные сценки, еще больше погружая нас в атмосферу «иссэевского» перфоманса. К сожалению, видеоматериала данной коллекции мне найти не удалось, поэтому нам с вами остается лишь разглядывать фотографии, и думать о том, насколько уникальным было то представление, ведь оно впечатлило всех, кто на нем присутствовал. Кадры и вещи из коллекции «Issey Miyake and 12 black girls»:
Последующие работы и переход к абстракции
Иссэй продолжал свою основную идею, которая весьма разительно отличалась от его коллег. Симбиоз двух культур – вот, что стало причиной успешного развития творчества нашего сегодняшнего героя. Я уже описывал подобное решение ранее, в работе про Кензо Такада, однако у Миякэ получилось реализовать это на совершенно другом уровне. Его работы никогда односторонне не отсылали нас к японской культуре, однако не были лишены этой эстетики: в коллекциях часто прослеживались те или иные элементы японских традиционных костюмов, но смешивались в общую палитру с европейским стилем. Одной из главных идей внедрения частей родной культуры в свои работы стало увеличенное пространство в одежде, между ей самой и ее носителем. Юкаты, хаори и кимоно никогда не были сильно прижаты к телу, облегали его или создавали дискомфортные условия. Совершенно наоборот: их силуэт давал полную свободу действий человеку. Задумка создавала некий контакт между предметом одежды и личностью, которая ее носит. Для Иссэя было важно находить общий язык с тем, во что облачен человек. На фото - различные вариации кимоно, хаори и юкат:
В дальнейшем данная задумка обретет свою окончательную форму: работы станут более объемными и широкими, в какие-то моменты даже будут напоминать лишь кусок ткани, обмотанный вокруг модели. Делает ли ее это бездарной или глупой? Ни в коем случае, ведь она продолжает сохранять свою эстетическую составляющую, погружая нас в атмосферу некого кочевничества или пустынности. Именно это и стало причиной того, почему одежду Миякэ так тепло начал принимать Запад. Она показывала коренное японское наследие, изучение и тщательное наблюдение за теми или иными аспектами народного творчества, но так быстро и гармонично входила в резонанс с совершенно другой культурой, которая ранее не была знакома никому. На этом и строится основное отличие дизайнера от соотечественников: он не пытался подстроить японский стиль под европейский, а лишь вдохновлялся, создавая нечто настолько уникальное, что толком невозможно описать словами. Примеры смешивания западной и восточной культуры в работах Иссэя:
Ярким примером подобного подхода является коллекция осень 1976 года, в которой максимально правдоподобно прослеживается то, что я описал ранее. Объемные комбинезоны и костюмы, шарфы, платки и маски, закрывающие лица моделей, обилие цветов и различных орнаментов на предметах одежды, нежных оттенков пальто и джемперы. Фотографии с данного показа не нуждаются в четком и подробном описании, вы поймете это, только если посмотрите на них самостоятельно. Это – совершенно другой уровень в работе с одеждой. На фото - вещи из коллекции осени 1976 года:
Фактически, уже на данном этапе Иссэй достиг в модной индустрии всего, чего только хотел. Однако, его работы продолжали переживать некую метаморфозу, всё больше уходя в искусство и абстракцию, как он изначально и планировал. Коллекции становились всё более и более яркими, и экспериментальными. Дизайнер отдавал предпочтение изучению новых техник и материалов. Тем не менее, он всегда старался найти некую грань между одеждой, как искусством и одеждой, как предметом сопровождающим человека в любых моментах его жизни. Иными словами: утилитарность и абстракция. Однако, на модных показах не было ощущения того, что дизайнер как-то разделает оба этих аспекта. Мы видим всё больше и больше экспериментов с материалами и конструкцией, правда, это совсем не походило на то, что так или иначе можно носить в повседневной жизни. Тем не менее, одежда продолжала двигаться, сохранять свою основную функцию. Как это получалось у дизайнера? Ответ на этот вопрос знает только сам дизайнер. Но не прекрасно ли наблюдать за тем, как одежда всё больше и больше меняет свое течение, свою конструкцию, однако не изменяет первоначальной концепции? Уже на этом этапе становится ясно, насколько Иссэй Миякэ многогранный и талантливый деятель. Секрет его работ вряд ли смогут когда-то разгадать, но мы можем их лицезреть, а значит жить вместе с ними.
Примером постепенной эволюции работ Миякэ стал показ весна-лето 1983 года, в котором виден весь прогресс дизайнера. Эти образы напоминают нечто далекое от обычной человеческой одежды. Это футуристично, это авангардно, это дерзко, но и нежно одновременно. Заметили то, сколько противоречий УЖЕ включает в себя творчество Иссэя? И это отнюдь не рамки его мышления, это – лишь начало его глобального перфоманса. Это действительно та одежда, которую мы с вами можем увидеть в повседневной жизни. Вернее, ее фундаментальную составляющую. Но эти силуэты деформированы и совершенно отличаются от первоначальной формы. Они переживают свою деконструкцию под руководством мастера. Можно ли сказать, что Миякэ опередил своих коллег? Да. Определенно можно. На фото - вещи из коллекции весна-лето 1983 года:
В 1983 году откроется выставка дизайнера под названием «Работа с телом», которая продлится до 1985 года. Выставка включила в себя продолжение экспериментов с одеждой, тканями и непосредственно телом. Всё то, к чему стремился дизайнер, только выведенное на абсолютный уровень. На фото - вещи с выставки "Bodyworks 1983 года:
Исследования дизайна Иссэя
Безграничное мышление дизайнера не давало ему возможности перестать заниматься исследованиями в области модного дизайна, да и не только модного. Думаю, его идея на тот момент уже обрела свою конечную форму, благодаря которой сегодня и мы с вами можем понять работу Миякэ. Суть его одежды заключалась в максимальной практичности и утилитарности, она была совсем не про красоту. Совсем не про то, как вы выглядите. Многие по сей день называют Иссэя скульптором, и для этого есть вполне логичное обоснования. Однако, говорить об этом на самом деле мало. Задача состояла в том, чтобы сделать одежду максимально легкой и удобной в применении, подарить телу свободу действия и ощущение дуновения ветра. Для этого требовались большие усилия, которые обернулись успехом. Процесс плиссировки – вот, что стало одним из самых важных элементов в работе дизайнера. На фото - варианты плиссированой ткани:
Плиссировка получила длительное и обширное развитие в коллекциях Миякэ. Но с чего же началась столь самобытная идея? Фактически, до нашего сегодняшнего героя такой концепцией был заинтересован испанский дизайнер Мариано Фортуни, чьи работы также включали в себя элементы плиссировки. Подобным образом были сделаны туники, которые получили наибольшее распространение в массах. Однако, чтобы лучше разобраться в самой сути дизайна с использованием таких сложных и непонятных техник, надо разобраться в том, что вообще из себя представляет плиссировка. Фактически, плиссировка является особым методом обработки ткани, благодаря которой у одежды появляются декоративные складки, параллельные друг другу и находящиеся на расстоянии от 5 до 50 мм. Подобная одежда имеет строгий геометрический вид, но ключевая ее особенность заключается совершенно в другом: в ее удобстве, практичности и легкости применения.
Иссэй был не согласен с идеей использования такой методики исключительно в высокой моде. В его целях было подарить эту возможность обычным людям, в силу бесконечного стремления к прогрессу и эволюции дизайна. Плиссированная одежда была легка в транспортировке, легка в использовании и удобна для своего носителя. Она дарила ему полную свободу движения, возможность не заморачиваться над внешним видом, ведь такая идея не позволяла одежде легко мяться. Фактически, она не имела определенной формы, ведь могла складываться и раскладываться так, как пожелает того человек. То, что соответствовало всем принципам работы Миякэ. Эксперименты с плиссировкой начались еще с сезона осень-зима 1988 года. Однако, предметы этой коллекции еще не обрели свою конечную форму. В данной работе мы всё еще видим силуэты конкретных вещей гардероба, сделанных при помощи этой самой плиссировки. Но о чём мы думаем в первую очередь, когда говорим про Иссэя? Легкость, свобода и отсутствие простоты видения. Поэтому уже в следующей коллекции концепт плиссировки обрел тот вид, который и в дальнейшем будет активно использоваться дизайнером. Кажется, что эта одежда сделана лишь из одного куска ткани, мы действительно видим ее легкость, практичность и свободу. Она никак не ограничивает и не сковывает движения моделей. Честно, я бы не сказал, что это в принципе похоже на одежду: словно первобытные люди покрывают свое тело всем, что попадется под руку, и неважно, насколько красиво это будет выглядеть. Но не подумайте, я не говорю это с целью опорочить работу, проделанную дизайнером: совершенно наоборот. Его работа продолжает сохранять ту идею, с которой он шел на протяжении последних нескольких лет своей жизни: утилитарность. Одежда для совершенно нового поколения, поколения людей, которые не нуждаются в предметах роскоши. Они нуждаются в том, что будет приносить удовольствие от применения. На фото - вещи из первых коллекция Иссэя Миякэ в работе с плиссировкой:
И у Миякэ прекрасно получилось реализовать эту идею. «На вкус и цвет товарища нет» как говорится, однако могу сказать, что работа дизайнера получилась невероятно чарующей и тонкой. Она выглядит абсолютно не так, как привыкли видеть мы с вами, но имеет настолько опрятный, футуристичный и приятный вид, что сам невольно погружаешься в мысли о том, какой на самом деле должна быть одежда будущего. Оценить такой подход можно совершенно по-разному, ведь идея дизайнера это позволяет. Тем не менее, глаза – это то, что помогает в полной мере утвердить мнение о том, насколько Иссэй был творческим и гениальным человеком. На фото - некоторые плиссированные вещи из других показов:
Концепция плиссировки в создании одежды получила свое дальнейшее развитие, продолжая обретать совершенно новый вид и области применения: «В разработке такой одежды также способствовала эволюция и развитие материалов. После долгих исследований мы получили материал промышленного производства, не слишком дорогой. Улучшив качество полиэстера, мы сделали его более эластичным и решили использовать в новой линии». Окончательное свое признание идея дизайнера получила в работе над театральными постановками хореографа Уильяма Форсайта, для которых он разрабатывал одежду с помощью плиссировки.
Благодаря использованию в танцах Миякэ понял, что придуманная им методика исполнения работает в полной мере: одежда сохраняла свой эстетический вид, была невероятно красивой, идеально подходила для такого рода деятельности, а также дарила танцорам полную свободу, не сковывая их движения. Словно, люди и вовсе забывали о том, что находятся в одежде. Казалось бы, простой кусок ткани покрывал их тело. Но что стояло за этим самым куском ткани? Долгие и упорные исследования, которыми так сильно горел наш сегодняшний герой. Фактически, свою первоначальную задумку такая одежда исполняла в полной мере, и этого было достаточно. Уже давно неважно, кто что скажет, и кто что подумает. Хотя, преимущественно думали хорошо. Ранее никто не продвигал столь эксцентричную идею в массы, но у дизайнера получилось вывести этот подход на новый уровень, доказав, что такая одежда может стать частью нашей повседневной жизни. Однако общественность еще не была готова к дизайну Миякэ. На фото - плиссированные предметы для постановок Уильяма Форсайта:
В дальнейшем Иссэй продолжит свою работу: благодаря другим творческим деятелям плиссированная линия получит новый и уникальный вид, который включал в себя использование их произведений в дизайне. Это в очередной раз доказало уникальный подход Миякэ к реализации своего творческого потенциала: утилитарность и искусство. Для него это уже не являлось противоречием, а уникальным подходом, который был свойственен отнюдь не всем. На фото - плиссированная одежда в коллаборации с художниками-концептуалистами:
Самой главной и революционной работой Иссэя с плиссировкой стал показ весна-лето 1995 года, на котором группа моделей вышла в плиссированных платьях, низ которых был в форме колец. После выхода на подиум манекенщики остановились и начали пританцовывать, благодаря чему и платья начали двигаться вместе с ними. Аплодировали и зрители, которые смогли лицезреть нечто настолько уникальное и неповторимое для того времени. Действительно, ведь подобная идея поражает и сейчас. Показ сопровождался живой и экстраординарной музыкой, еще больше погружая в атмосферу шоу. На фото - те самые платья:
Задумывались ли вы когда-нибудь о том, что одежда — это просто кусок ткани? Если да, то закрывайте данную статью и никогда больше не общайтесь со мной. Однако, вы ведь подумали об этом не буквально, ведь так? На деле, подобный подход тоже имел свое место в создании одежды. Как раз им и воспользовался наш сегодняшний герой. Концепция A-POC (A piece of clothes) включала в себя создание предметов одежды из одного куска ткани, не используя никакие швы и нитки. Фактически, данная идея часто применялась дизайнером еще задолго до создания отдельной линии, посвященной A-POC, однако его дальнейшие эксперименты буквально перевернули всё. Долго зацикливаться на рассказе этого замысла я не буду, однако скажу, что фактически, подобная работа делалась по принципу выреза каких-либо фигур из бумаги: машина создавала рулон ткани таким образом, чтобы из него в дальнейшем можно было вырезать необходимую форму. На фото - демонстрация концепции A-POC:
В полной мере изучить данную методику не составило труда Миякэ, благодаря чему в свет вышли его первые работы под руководством данной концепции. Утилитарно и малозатратно: всё по канону «иссейвского» подхода. Весна-лето 1999 года стал очередным творением дизайнера, которое перевернуло практически всю модную индустрию. Устаю считать, сколько таких революционных работ уже на счету дизайнера… Коллекция продемонстрировала несколько нарядов, сделанных при помощи концепции A-POC, однако главным гостем вечера стало огромное платье из одного куска ткани, которое было надето на нескольких моделей сразу. Столь самобытная идея представила нам некий цельный организм, участники которого двигались ровно, в строю. Максимально необычно, не так ли? Думаю, слова здесь просто излишни. На фото - красное платье с показа 1999 года:
Из других интересных исследований Миякэ можно выделить суббренд «132 5.», суть которого заключалась в создании одежды, максимально удобной и пригодной для быстрой транспортировки. Буквально, первоначальный вид изделий данного формата представляли из себя простую геометрическую фигуру, которая в дальнейшем раскладывалась в своем конечном виде. Это подарило еще больше возможностей для изучения свободы тела, став своеобразным ответвлением от основной линейки плиссированной одежды. На фото - вещи концепции 132 5:
А почему же было выбрано такое странное название для данного суббренда? Цифры означают формулу, которую, однако, разные источники трактуют по-разному. Я перескажу вам наиболее распространённую вариацию: один (1) кусок ткани принимает трехмерную (3) форму, когда становится одеждой. Затем одежду можно сложить, и тогда она примет двумерную (2) форму. Последнее число показывает то, что при ношении трехмерная одежда превращается в нечто, что превосходит как пространство, так и время (3 + 1 + 1 = 5).
Чуть позже данная концепция также выйдет за рамки одежды, позволит дизайнеру работать с ней в других аспектах творческой деятельности. Например, в качестве товаров для дома, работа над которыми получит название in-Ei. На фото - светильники бренда in-Ei:
Сотрудничества Иссэя Миякэ в дизайне
Думаю, всем нам прекрасно известно такое имя, как Стив Джобс. Его лицо является не только главным символом компании Apple, но и всей индустрии информационных технологий. Его гениальность и бесконечное новаторство не оспаривается никем, ведь именно благодаря такому могущественному интеллекту свет увидел новые и уникальные цифровые технологии. Очевидно, не стоит долго размышлять о том, кем именно являлся Стив Джобс. Каждый ответит для себя на этот вопрос по-своему.
Однако, в его образе на публике была отличительная черта: стабильность. Зачастую Стив выходил в объектив камеры лишь в одном наряде: черная водолазка, синие джинсы и кроссовки New Balance. В этом был свой уникальный подход, который в полной мере отражал принципы работы предпринимателя. Можно подумать о том, что Джобсу просто было абсолютно без разницы, во что конкретно он одевался. Однако, если чуть-чуть углубиться в данный вопрос, то окажется совершенно иначе. Ведь одежда была тщательна подобрана им самим, сохраняла практичность и комфорт. Так какое же отношение к Стиву Джобсу имеет дизайнер? Давайте разберем подробнее. На фото - повседневная одежда Стива Джобса:
Как-то опытному изобретателю удалось посетить производственный корпус компании Sony. И в большей степени Джобса заинтересовала униформа, которую носили рабочие. Она выглядела как некое подобие пиджака, не имеющего лацканов. Но была в этом пиджаке интересная особенность: рукава отстегивались для большей практичности. Благодаря этому люди могли носить ее в любое время года, сохраняя комфорт или прохладу при конкретных температурах. А кто же был ее изготовителем? Правильно – Иссэй. Стив заинтересовался концепцией подобной униформы и загорелся желанием сделать нечто похожее для своей компании. Он связался с Миякэ и вместе они обговорили идею создания новой и уникальной рабочей формы. Однако, после своего возвращения из Японии, команда предпринимателя не была довольна задумкой: для них было не совсем целесообразно внедрять специальную униформу в рабочий процесс, поэтому от нее пришлось отказаться. На фото - униформа сотрудников Sony:
Тем не менее, на этом сотрудничество дизайнера и Джобса не прекратилось: спустя какое-то время они изготовили форму уже для создателя Apple, а именно фирменные черные водолазки, по которым мы с вами и знаем стиль Стива. Что самое интересное, Миякэ изготовил более сотни одинаковых водолазок, чтобы Джобсу не приходилось сильно заморачиваться над их постоянным уходом. Ныне приобрести эти элементы гардероба невозможно, так как изготовлены они были специально под предпринимателя. Интересно, не так ли? Кто бы мог подумать, что таким образом пересекутся две совершенно разные сферы деятельности. Однако, это не всё, о чём мне нужно вам рассказать. На фото - образы Стива Джобса в водолазке от Иссэя Миякэ:
В 1992 году проходили олимпийские игры в Барселоне. Литва, которая только недавно вышла из состава СССР, обратилась за помощью к дизайнеру для изготовления их спортивной формы, в которой они и собирались выступать. Для Миякэ это была весьма себе тяжелая задача: он не имел никакого представления о том, как именно должна выглядеть форма олимпийской сборной. Поэтому он обратился за помощью к другим японским компаниям, которые могли бы предоставить ему необходимые предметы: Toray Industries и Mizuna. Благодаря такой слаженной работе у дизайнера и получилось воплотить свои новаторские идеи в форме для сборной Литвы, ведь уже тогда в ней использовался метод плиссировки, еще до создания основной линии данной техники у бренда Issey Miyake. Сама по себе одежда представляла собой большой белый спортивный костюм, на обратной стороне которого были олимпийские кольца. Они соединялись с капюшоном, который был сделан в форме флага государства. Поистине впечатляет, не так ли? На фото - форма сборной Литвы для олимпийских игр 1992 года:
Философия Иссэя Миякэ
Наш сегодняшний рассказ подходит к концу. Как и подходит жизнь сегодняшнего героя. Дизайнер скончался 5 августа 2022 года от рака печени, с которым боролся длительное время. И какой же итог мы с вами можем подвести? Я думаю, вы точно убеждены в том, что Миякэ это один из самых необычных персонажей, про которого я когда-либо писал. И ведь действительно, как это вообще возможно? Уложить в своей голове идею утилитарности и новаторства, при этом сохранив первоначальную концепцию: одежда, как искусство. Ведь, казалось бы, два этих понятия довольно сильно противоречат друг другу. Однако, не в сегодняшнем случае. У Иссэя это не было противоречием вовсе, это была особенность, идея, которую он смог в полной мере раскрыть и показать нам с вами. Но вы можете сказать: «Наверняка кто-то делал скидку на то, что Миякэ пережил ядерную бомбардировку. К нему испытывали жалость». Однако, это совсем не так: Дизайнер признался в том, что стал свидетелем тех ужасных событий лишь в 2009 году, уже после ухода из собственного бренда. Он никогда не требовал к себе жалости, совершенно наоборот. В его целях было сражаться наравне со всеми, без участия в этом своего трагичного прошлого.
Вопрос, который вас возможно мучает: «А почему же Миякэ ушел из собственного бренда?». На первый взгляд приходит очевидная причина: дизайнер просто устал от моды, устал от своего детища и сбежал. В большинстве случаев именно так и происходит. Но не с нашим сегодняшним героем: из бренда он ушел, чтобы дать себе возможность полностью погрузиться в модную науку. Стать абсолютным исследователем и новатором, добиться совершенствования новых и уникальных техник в создании предметов искусства. И вы только вдумайтесь в эту причину! Много ли вы знаете людей, которые пожертвовали своим творением ради того, чтобы уйти в подобного рода деятельность? Можно сказать, что Иссэй эту самую «модную науку» и открыл, потому что было сложно поверить, что кто-то кроме него вообще мог заниматься исследованиями в этой области. Такой подход поистине поражает. Он успел поработать с огромным количеством идей и методов создания одежды, да и не только одежды. В его голове укладывалось бесчисленное количество вариаций реализации своих концептов, которые он успел в полной мере воплотить в жизнь. В 2007 году Иссэй при поддержке архитектора Тадао Андо откроет первый в Японии музей дизайна "21 Design Sight", который и по сей день транслирует нам с вами тонкое искусство дизайнера и его подход к созданию совершенно нового мира. Мира, полного противоречий, которые мы с вами способы объединять во что-то целостное и неповторимое. На фото - музей "21 Design Sight":
Последователей работы Иссэя отнюдь не так много, как хотелось бы. Однако, они существуют. И кто знает, как скоро мы с вами увидим нового модного изобретателя, который продолжит идею Миякэ, перевернет абсолютно всё понимание модной индустрии и позволит нам с вами перейти в новую эпоху. Ведь ныне значимость этой сферы действительно велика, поэтому нам лишь остается всегда быть готовыми к переменам. Или стать теми, кто эти перемены создаст. Спасибо.