Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер - американский художник середины девятнадцатого века, предшественник импрессионистов и символистов, его стиль живописи относится к тонализму и реализму.
Джеймс Уистлер родился в 1834 году в Лоуэлле, штат Массачусетс, в семье железнодорожного инженера. В Америке они прожили вплоть до 1842 года, пока не переехали в Санкт - Петербург по приглашению императора Николая I. Изобретательность и выдающиеся способности в области инженерии (тогда он занимался проектированием железной дороги Бостона и Олбани) сделали имя отца Джеймса известным далеко за пределы своей родной страны. И император пригласил Джорджа Уистлера в Россию на должность инженера Николаевской железной дороги.
В детстве Джеймс не был послушным мальчиком, а рисование в достаточной мере увлекало озорной ум, помогало сфокусировать внимание и направить энергию в мирное русло. После переезда в Россию он брал частные уроки живописи у художника Александра Корицкого. И в возрасте одиннадцати лет был принят в Императорскую Академию художеств. Проучившись там три года, Джеймс с матерью на время поселились в Лондоне у родственников. Окруженный творческими людьми и с поддержкой семьи мальчик твердо решил, что станет художником. Тем более художники хвалили его рисунки и отмечали талант к живописи.
Но в пятнадцать лет Уистлер остался без отца и финансовое положение семьи покачнулось. Пришлось отложить на время мечты о живописи и освоить более стабильную профессию. Его мать хотела, чтобы он стал священнослужителем, но учёба в школе при церкви не устраивала самого Джеймса, и он подал документы в Военную академию США, в то самое заведение, где учились некоторые его родственники и где в свое время обучался черчению его отец. Благодаря его фамилии, он был принят в стены данной академии. И даже плохое зрение не помешало этому. Учёба у Уистлера не шла. Постоянно проваливал спортивные тренировки, да и сама успеваемость была крайне низкой. Через три года провалив экзамены, он был отчислен из академии. Но несмотря на это, в стенах учреждения он обучился рисованию и картографии у одного американского художника. Эти знания позволили ему устроиться на работу картографа побережья в Службе береговой съёмки США. Работа не приносила никакого удовольствия Джеймсу, и все свое рабочее время он посвящал бильярду и рисованию на полях карт морских змей, русалок и китов. Зато за пару месяцев смог обучиться технике гравировки, которая позже ему пригодится в жизни.
После долгих неудач, Уистлер окончательно определился с тем, что искусство это точно то направление, которое его привлекает и с чем он хотел бы связать свою жизнь. Благодаря материальной поддержке богатого друга, Уистлер обзавёлся своей студией и наладил связи в художественных кругах. Также этот друг спонсировал художника деньгами для обучения в Париже.
Переехав в Париж и освоившись там, Уистлер арендовал для себя студию, где продолжал заниматься живописью. И параллельно начал брать уроки в студии Шарля Глейра.
Два художественных принципа перенял у Глейра Уистлер. Это, что линия важнее цвета, а вторая, что чёрный - основной цвет тональной гармонии. Эти два постулата художник использовал в своём творчестве всю оставшуюся жизнь.
Уистлер предпочитал самостоятельно изучать живопись и много копировал картины в Лувре. С продажи этих копий он и жил в Париже, ни в чем себе не отказывая, несмотря на письма матери, в каком бедственном финансовом положении находится его семья.
В 1858 году вместе с художником Эрнестом Деланно Уистлер путешествовал по Франции и области. В этом же году он написал свой первый автопортрет под названием "Портрет Уистлера в шляпе". Этот портрет выполнен в темных тонах, написанный по впечатлению от картин Рембрандта.
Но самым значимым в этом году оказались события, связанные с полезными знакомствами в творческих кругах, что позволило художнику войти в круг знакомых Гюстава Курбе. И познакомиться с Каролюс-Дюраном, Альфонсом Легро и Эдуардом Мане. А также с поэтом Шарлем Бодлером, чьи идеи и теории насчет современных веяний в искусстве окажут огромное влияние на Уистлера. Бодлер призывал художников "тщательно изучать жестокость жизни и природы и изображать ее с верой, избегая старых тем мифологии и аллегории".
В 1858 году, находясь в Лондоне, Уистлер создает картины "Мать Жирар" и "У рояля", на которой изобразил свою племянницу Анну Хейден и ее мать в лондонском доме в музыкальной комнате.
Один критик в свое время отозвался о картине так: "...Несмотря на безрассудно смелую манеру и схематичность... Уистлер обладает подлинным чувством цвета и великолепной силой композиции и дизайна, которые демонстрируют понимание натуры, очень редкое среди художников". Эта картина сначала выставлялась в Королевской академии художеств, и позже экспонировалась на многих других выставках.
На протяжении года, который художник провел в Лондоне, были созданы не только живописные работы, но и офорты под названием "Темза", а также написал картину "Темза во льдах". В этом году художник окончательно определяется со своей цветовой гаммой, основанной на ограниченной, тщательно подобранной палитре красок.
На картине "Девушка в белом" Уистлер изобразил свою возлюбленную Джоанну Хиффернан. В письме к Джоржу Дюморье художник писал об этом портрете так:
"...Женщина в красивом белом батистовом платье стоит у окна, которое пропускает свет сквозь прозрачную белую муслиновую занавеску, - но на фигуру падает сильный свет справа, и поэтому картина, за исключением копны рыжих волос, представляет собой одну великолепную массу ослепительно белого цвета..."
Уистлер писал картину для того, чтобы выставить ее в Королевской академии художеств. Но заявку отклонили. Причиной отказа стало сходство картины с картиной Эдвина Ландсира "Укрощение строптивой", с которой ранее разразился скандал, так как моделью к картине послужила лондонская куртизанка, а не известная наездница Кэтрин Уолтерс.
Уистлер отправил картину в небольшую галерею в Лондоне, где она была выставлена под названием "Женщина в белом". В то время как раз в свет вышел роман Уилки Коллинза с одноименным названием. И Дюморье посчитал, что картина имеет какое-то отношение к данному произведению. И в своей рецензии пожаловался, что дама, изображенная на картине, имеет несоответствие с описанием женщины из книги. На что Уистлер ответил письмом, в котором уточнил, что галерея не советовалась с ним как назвать картину, и у него не было никакого намерения иллюстрировать роман Коллинза. И что его картина просто изображает девушку в белом, стоящую перед белой занавеской.
Получив еще пару отказов от галерей, Уистлер отправляет картину на альтернативную выставку в Салоне отверженных, которая открывать через пару недель после официальной выставки в Парижском салоне.
Если раньше у Уистлера был принцип "черным по черному", то с картины "Симфония в белом" открылся новый этап в жизни художника под эгидой "белый по белому". По этому принципу написаны были картины "Симфония в белом №2" и "Симфония в белом №3".
Натурщицей для картины выступила возлюбленная художника. Интересна в картине одна деталь. Хоть художник с возлюбленной не были женаты, он изобразил на пальце девушки обручальное кольцо, тем самым подчеркнув свою философию, что искусство независимо от этических, социальных и повествовательных аспектов. Эту картину, кстати, приняли на выставку в Королевской Академии художеств, в отличие от прошлого года, где художник представлял на суд жюри картину "Симфония в белом №1".
В этой картине также изображена возлюбленная художника вместе с Милли Джонс, женой его друга. Уистлер работал над картиной в течение двух лет, неоднократно переделывая и переписывая части композиции. И в 1867 году картина была выставлена в Королевской академии художеств. Некоторые критики посчитали название картины не соответствующим цветовой гамме картины:
"...В симфонии в белом №3 у мистера Уистлера есть много изысканных оттенков, но это не совсем симфония белого цвета. У одной дамы желтоватое платье, коричневые волосы и немного синей ленты, у другой красный веер, есть цветы и зеленые листья. На белом диване сидит девушка в белом, но даже у этой девушки рыжие волосы; и, конечно же, есть телесный цвет лица..."
На что Уистлер ответил критикам:
"...Боже мой! Что этот мудрый человек ожидал увидеть, белые волосы и мелованные лица? И верит ли он тогда..., что "симфония фа" не содержит никакой другой ноты, но должна быть постоянным повторением "фа, фа, фа..."
После банкротства, вызванного судебным процессом против Джона Рёскина, Уистлер остро нуждался в деньгах. И переломным моментом в его финансовом вопросе стали серия портретов заказанных леди Мье. Она слыла светской львицей и про себя говорила, что она была актрисой, но есть теория, что со своим будущим мужем она познакомилась когда работала куртизанкой и барменшей в казино. В 1881 году леди Мье предложила художнику написать ее портрет за приличную комиссию. Ее первый портрет - это "Аранжировка в черном №5: портрет леди Мье" представляет собой портрет в полный рост, выполненный в черных тонах. Белая роскошная шуба окутывает стройную фигуру, а бриллиантовое колье с браслетом и тиара выгодно подчеркиваются насыщенным густым черным цветом, что придает портрету поистине роскошный и королевский образ. Эта картина была отмечена принцем Уэльским и принцессой Александрой. А также экспонировалась в Парижском салоне 1882 года, где собрала море положительных откликов.
Второй портрет был заказан позже в том же году, и называется он: "Гармония в розовом и сером: портрет леди Мье". Этот портрет уже противоположен первому по цветовому решению. Здесь перед нами предстает фигура девушки в полный рост в светло - жемчужном платье с розовой отделкой. Примечательно в картине то, что Уистлер использовал свою увеличенную подпись в виде бабочки чуть ниже середины картины. Картина будто указывает на сценическую карьеру леди Мье, что выражается в сценических занавесях позади фигуры и само изображение бабочки тоже придает портрету определенные намеки на профессию.
Третий портрет того же года "Портрет леди Мье в мехах" сохранился только на фотографиях в незаконченном виде. Видимо художник сам уничтожил свою картину до ее завершения. Первый и третий портреты относятся к серии "черных портретов", которые писал художник на протяжении всей своей творческой карьеры. В этих картинах черный является главным цветом в палитре.