С тех самых пор, как люди только начали рисовать, художники тут же стали передавать всю красоту цветов. Стилистически живописцы на протяжении столетий рисовали цветы в стилях голландского реализма, импрессионизма, постимпрессионизма, модернизма и поп-арта, и это лишь некоторые из стилей. Здесь мы собрали некоторые из самых известных картин с цветами за всю историю живописи, мы надеемся дать вам представление о чудесном и ароматном мире прекрасных цветов.
Не исключаем, что первый вопрос, который может прийти вам в голову в этот конкретный момент, будет звучать так:
«Что же делает цветы такими популярными в мире искусства»?
Цветы на протяжении веков вдохновляли художников своей нежностью и яркой жизненной энергией. Они запросто могут напомнить нам о красоте и разнообразии жизни, которую предлагает сама природа. Картины с цветами, представленные нами ниже, вызывают вневременное и мощное чувство радости, которое присуще абсолютно всем людям, вне зависимости от контекста.
Отталкиваясь от времени из картин художников, рисовавших цветы, можно извлечь разнообразный культурный смысл. Считалось, что лотос в древнеегипетской керамике, ювелирных изделиях и картинах на папирусе символизирует собой солнце; а мастера из средневековья считали плющ символом супружеских обязательств. Картины с цветами начали расцветать в XV-XVI столетиях, когда на сцене стали появляться специализированные художники-ботаники. Картины того самого периода зачастую имеют при себе глубоко символический оттенок и высокодекоративные образы.
Наш список самых известных полотен с цветами расположен в хронологическом порядке. Мы надеемся, что это поможет вам оценить развитие стилей цветочной живописи, которое длится уже множество веков. Хотя в него и входит всего лишь пятнадцать картин, не стоит забывать, что цветы рисовали бесчисленное множество самых разных художников, поэтому, если вам вдруг станет интересно, рекомендуем поискать похожие статьи на просторах интернета.
1 место. «Цветочный Натюрморт» – Амброзиус Босхарт
- Дата создания: 1614 год
- Размеры: 30,5 х 38,9 сантиметров
- Место нахождения: Музей Джей. Пола Джетти (Лос-Анджелес, штат Калифорния, США)
Будучи одним из самых первых художников, специализирующихся на картинах с цветами, Амброзиус Босхарт (годы жизни 1573-1621) стал настоящим пионером в создании сложных и ярких цветочных композиций. Данный натюрморт кисти Босхарта связан с растущим увлечением ботаникой на территориях Германии и Нидерландов XVI столетия. Сам Босхарт был ведущим голландским мастером, специализировавшимся на цветах и фруктах. Будучи главой семьи художников, Босхарт заложил главные основы для целого поколения нидерландских творцов, работавших с цветами и фруктами.
Большинство цветочных композиций Босхарта нарисованы на медных поверхностях и, как и сей пример, полностью симметричны, а детали настолько точны, что кажутся почти научными. На этой конкретной картине изображаются жёлтый тюльпан, розовая гвоздика и белая роза на переднем плане творения прямо у корзины, полной и других ярких цветов. Правда, не все цветы в корзине относятся к одному сезону. Ландыши, гиацинты, розы, незабудки, тюльпаны, фиалки и цикламены идеально сочетаются друг с другом даже в мельчайших деталях.
Поразительная детализация, которой достигает Босхарт, позволяет нам буквально почувствовать колючие шипы розы и её шелковисто-гладкие лепестки. Вы также можете встретить здесь изящных насекомых, ползающих по цветам, садящихся на их листья и на сам букет. Детализация, и сие невозможно переоценить, просто потрясающая. Босхарт в совершенстве передаёт нам крошечные усики бабочки и прозрачность крылышка стрекозы.
Многие любители художественного искусства и историки понимают эту картину как изображение хрупкости и скоротечности жизни. Сорванные цветы передают красоту жизни на земле, но их жизнь в природе невероятно недолговечна. Нежные насекомые красиво, но меланхолично изображают собой запутанность и хрупкость жизни. Амброзиус Босхарт, безусловно, один из самых известных цветочных художников в истории живописи.
2 место. «Сакура и Снегирь» – Кацусика Хокусай
- Дата создания: 1834 год
- Размеры: 25,4 х 19,1 сантиметров
- Место нахождения: Чикагский Институт Искусств (Чикаго, штат Иллинойс, США)
Кацусика Хокусай (годы жизни 1760-1849) по праву считается одним из величайших художников Японии, а его стилистическое влияние в своё время распространилось из самой Японии по всему западному миру. Хокусай – это самый известный практик школы японского искусства Укиё-э. На многих работах художника уже изображаются подобные птицы и цветы. Хокусай был настоящим мастером точных, но плавных линий, и это мастерство весьма очевидно и в данной цветной гравюре на дереве. Произведение «Сакура и Снегирь» входит в серию работ творца, известную как «Маленькие Цветы».
На гравюре изображена маленькая птичка снегирь, висящая вниз головой на ветке сакуры. Сакура – это родное для мастера японское дерево, а снегирь в японской культуре является символом защиты от несчастий. На новогодних церемониях в святилищах Тэндзин по всей Японии снегирь изображается всегда, поскольку люди в наступающем году надеются защититься от различных невзгод. По розовой отметке на грудке птицы мы можем понять, что перед нами самец. Расположение сакуры Хокусая имеет красивый естественный ритм, подчёркнутый каплями красного цвета.
Справа от красочной и нежной печати располагается короткое стихотворение-хокку от Райбана, которое гласит:
«Из утреннего цветения сакуры вдруг появляется одинокая птица, мокрая от росы».
Данная гравюра на дереве от Хокусая, наполненная культурной значимостью и непринуждённой природной красотой, представляет собой идеальное изображение японского художественного искусства и красоты картин с участием цветов.
3 место. «Сирень на Окне» – Мэри Стивенсон-Кэссетт
- Дата создания: 1880-1883 годы
- Размеры: 61,6 х 50,8 сантиметров
- Место нахождения: Метрополитен Музей (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
Мэри Стивенсон-Кэссетт (годы жизни 1844-1926) – это всемирно известная художница и одна из первых американских художниц-импрессионисток. Хотя на большинстве её полотен и изображаются человеческие фигуры, Стивенсон-Кэссетт также любила писать сады и букеты. Начиная с 1860-ых годов цветочные натюрморты среди художников-импрессионистов становились всё более и более популярными. А в 1880-ых, когда Мэри и создала это яркое произведение, цветочные картины импрессионистов уже по-настоящему обрели свою популярность.
Хотя подобные натюрморты и крайне редки в творчестве художницы, многие из её творений содержат в себе цветочные и пейзажные элементы. Несмотря на то, что Стивенсон-Кэссетт не была известна как одна из именитых художниц-ботаников своего поколения, сия картина является прямым свидетельством мастерства Мэри.
На этой яркой картине изображается вазон с сиренью, стоящий на открытом подоконнике. Работа является шикарным примером высоты цветочных импрессионистов. Ваза тёмно-баклажанового цвета прекрасно контрастирует с белой и фиолетовой сиренью, помещённой в неё. Своими фирменными плавными мазками мастерице удаётся представить данную композицию как мимолётный момент уже ушедшего навсегда времени.
Угловые оконные фермы добавляют контраста цветочной композиции, которая, как кажется, будто оказывается в движении жизни. Оконная рама дополняет собой плавные изгибы вазы. Картина имеет непринуждённую атмосферу, как будто вы случайно наткнулись на неё, бродя по дому близкого друга.
4 место. «Ваза с Двенадцатью Подсолнухами» – Винсент ван Гог
- Дата создания: 1888 год
- Размеры: 91 х 72 сантиметра
- Место нахождения: Филадельфийский Музей Искусства (Филадельфия, штат Пенсильвания, США)
Талантливый и весьма проблемный художник-постимпрессионист Винсент ван Гог (годы жизни 1853-1890) явно обожал подсолнухи. Этот конкретный натюрморт с подсолнухами является частью его серии работ, сделанных во французском городке Арль – одной из двух возможных серий о подсолнухах. Хотя, согласно названию произведения, в вазе находятся двенадцать подсолнухов, немногим позже ван Гог переработал сию картину, после чего на холсте цветов оказалось пятнадцать. Натюрморт «Ваза с Двенадцатью Подсолнухами» – это одно из самых известных изображений с участием цветов и одна из его самых известных в творчестве картин.
Многие считают сей натюрморт с подсолнухами одной из самых известных картин, созданных в данном жанре. Полотно также является одним из самых известных примеров цветочных картин, как у импрессионистов, так и у художников-постимпрессионистов. Жёлтые тона подсолнухов проникают во все аспекты этого великолепного произведения искусства.
Светло-голубой задний фон творения выдвигает цветы вперёд и эффективно привлекает внимание именно к цветам, расположенным под разными углами в самом центре холста. На этой картине подсолнухи ван Гога находятся на самых разных стадиях жизни и смерти. Отголоски тщетности, хрупкости и краткости жизни буквально пронизывают собой эту работу.
5 место. «Розы и Лилии» – Анри Фантен-Латур
- Дата создания: 1888 год
- Размеры: 59,7 х 45,7 сантиметров
- Место нахождения: Метрополитен Музей (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
В отличие от цветочных картин многих художников-импрессионистов, окружающих Анри Фантена-Латура (годы жизни 1836-1904) как в нашем сегодняшнем списке, так и при его жизни, сам живописец придерживался в своём творчестве более традиционного подхода. Картины с цветами кисти Фантена-Латура возвращают нас к золотому веку реализма.
На светло-коричневом заднем фоне произведения стоит высокая стеклянная ваза с длинными белыми лилиями справа и более короткая ваза с розовыми и белыми розами слева. Вазы относительного размера и формы, как кажется, отражают собой форму цветов, которые помещены в них. В высокой, прямой и тонкой стеклянной вазе находятся лилии с вытянутыми стеблями и длинными нежными белыми лепестками. Напротив, круглые и сочные розы зиждутся в маленькой изогнутой вазе, едва заметной под самими цветами.
Композиция прекрасно сбалансирована, несмотря на разницу в высоте двух цветочных аранжировок. Стебли лилий естественным образом простираются влево над розами, как бы связывая общий кусок вместе. Фантен-Латур запечатлел цветы и воду в вазе в изысканных реалистичных деталях. Румяно-розовые тона идеально контрастируют с тёмно-коричневым столом ниже и выделенным белым цветом лилий. Это потрясающее использование цвета создаёт невероятно романтическую картину, которую так и хочется преподнести любимой девушке.
6 место. «Ирисы» – Винсент ван Гог
- Дата создания: 1890 год
- Размеры: 92,7 х 73,9 сантиметра
- Место нахождения: Музей ван Гога (Амстердам, Нидерланды)
Тот факт, что цветочные картины от Винсента ван Гога фигурируют в этом списке дважды, является прямым свидетельством его невероятного таланта запечатлевать на своих холстах хрупкую красоту жизни. Имеются две версии этой композиции: одна на мягком и гармоничном розовом заднем фоне, а другая, гораздо более выраженная. Нидерландский художник создал сию картину во время пребывания в психиатрической лечебнице в Сен-Реми-де-Провансе (Франция).
Яркие и, казалось бы, неистовые мазки на пёстро-лимонном заднем фоне полотна придают этой картине ощущение срочности и движения. На этом безумном фоне стоит ваза с ярко-фиолетовыми ирисами, некоторые из них прямостоячие и полные жизни, другие же просто свисают на жёлтый стол внизу. Контраст ярких дополнительных цветов делает каждый из них ещё более смелым и жизненным.
Винсент полностью завершил это произведение, находясь на добровольном лечении в психиатрической больнице примерно за год до своей смерти. Говорят, что он называл эту картину «громоотводом своей болезни». Вполне вероятно, яркое выражение движущейся жизни внутри работы показалось ему надеждой на выздоровление и продолжение своей собственной жизни. Тесная связь между творчеством и безумием прекрасно меланхолична. В наши дни мы всё ещё чтим боль, тщательно сокрытую за проникновенными изображениями ван Гога, наполненными всей красотой жизни.
7 место. «Букет Роз» – Пьер-Огюст Ренуар
- Дата создания: 1890-1900 годы
- Размеры: 85,1 х 67,3 сантиметров
- Место нахождения: частная коллекция
Яркие и сладострастные розы, запечатлённые на этой картине кисти художника-импрессиониста Пьера-Огюста Ренуара (годы жизни 1841-1919), почти спрыгивают с холста. Хотя Ренуар и начал рисовать цветы в своей жизни уже слишком поздно, розы всё же успели стать его любимейшим мотивом.
Сия картина маслом с букетом роз невероятно чувственна. Плавные и яркие мазки Ренуара улавливают розы, как будто они находятся в движении жизни. Красиво прорисованные красные и розовые розы были созданы на самых разных этапах своей жизни. Из букета распускаются пышные и роскошные лепестки. Розы обладают энергией, которая, как кажется, исходит прямо от холста, придавая им тактильные качества.
8 место. «Цветочный Сад» – Густав Климт
- Дата создания: 1905-1907 годы
- Размеры: 110 х 110 сантиметров
- Место нахождения: частная коллекция
Яркие цвета – это вполне обычная черта для картин австрийского художника Густава Климта (годы жизни 1862-1918), и сия картина – прекрасный пример его творчества во времена так называемой «Золотой Фазы». Данная картина является частью целой серии произведений, вдохновлённых цветочными полями, которые он лично видел в Лицльберге (Австрия).
Искусствоведы часто называют эту картину одним из лучших пейзажей в карьере Климта. На полотне изображено кувыркающееся множество цветов, которые, как может показаться, продолжаются даже за пределы холста. Яркие цветы наполняют эту рамку прекрасным праздником природного мира. Отсутствие реализма добавляет деревенского очарования природе без вмешательства человека. Природная красота, тщательно запечатлённая в этом произведении, тесно перекликается с символикой гармонии и регулярности природы.
9 место. «Цветы» – Анри Матисс
- Дата создания: 1907 год
- Размеры: 34 х 26 сантиметров
- Место нахождения: Музей Современного Искусства Сан-Франциско (Сан-Франциско, штат Калифорния, США)
Яркие цвета, абстракция и относительная двухмерность этой картины довольно типичны для общего стиля Анри Матисса (годы жизни 1869-1954). Хорошо известный как видный деятель фовизма и один из самых влиятельных художников современной эпохи, французский мастер предпочитал искусство безмятежности, баланса и чистоты. Отголоски этого чувства мы можем увидеть и в данной яркой и манящей картине.
Она была завершена в самом начале его творческой карьеры, мы можем видеть в ней более смелое, чем естественное использование цвета и подчёркнутые мазки, такие типичные для стиля фовизм. Ярко-зелёный задний фон полотна дополняет собой белую вазу и яркие жёлтые, оранжевые и красные цветы, которые и находятся в ней. Столь же смелый и яркий столик под вазой ещё сильнее подчёркивает всю красочную палитру цветов.
10 место. «Кувшинки» – Клод Моне
- Дата создания: 1908 год
- Размеры: 81 х 92 сантиметра
- Место нахождения: частная коллекция
Мы не сумеем поговорить о самых известных цветочных картинах всех времён и народов, не упомянув Клода Моне (годы жизни 1840-1926). Когда разговор только заходит об этом художнике, на ум тут же приходят цветы. Моне, прославившийся этой прекрасной серией импрессионистских картин, написанных на пленэре в его собственном саду в Живерни, является мастером передачи самой сути природы.
Свободные мазки творца смешивают отдельные аспекты картины, тем самым создавая гармоничное и, казалось бы, бесконечное изображение мира природы. В этой знаменитой на весь мир работе Моне цветы, небо, растения и вода сливаются воедино, образуя мечтательный и мягкий пейзаж. Мастеру удаётся запечатлеть, как кувшинки и вода вокруг них отражают и преломляют естественный солнечный свет. Некоторые искусствоведы считают, что сие произведение искусства является важнейшим предвосхищением последующего творческого движения абстрактного экспрессионизма.
11 место. «Амариллис» – Пит Мондриан
- Дата создания: 1910 год
- Размеры: 49,2 х 31,5 сантиметр
- Место нахождения: частная коллекция
Будучи голландским художником, Пит Мондриан (годы жизни 1872-1944) происходил из большой семьи живописцев, которые специализировались на цветах. Несмотря на все культурные традиции голландского реализма, в этой потрясающей картине Мондриан отлично сочетает свой фирменный современный стиль. Данный натюрморт – это одна из ранних картин в карьере Пита, созданная ещё до его самых известных абстрактных и геометрических произведений искусства.
Это шокирующее глаз творение из красных цветов несёт в себе оттенок фовизма. Мондриан дробит композицию на сегменты ярких цветов. Эффект сего композиционного приёма заключается в том, что мы видим цветок в его самой простейшей элементарной форме. Отрываясь от импрессионизма, Мондриан использует акварель, тем самым улавливая баланс между цветом и живописными качествами объекта.
12 место. «Белая Ваза с Цветами» – Одилон Редон
- Дата создания: 1916 год
- Размеры: 73 х 53,7 сантиметра
- Место нахождения: Нью-Йоркский Музей Современного Искусства (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
Хотя сей яркий натюрморт с букетом смешанных цветов и представляет собой скорее рисунок пастелью, нежели привычную нам картину, он также отражает и движение к будущему художественного искусства. Сплошной и чётко заметный задний фон и поверхность ранних голландских натюрмортов растворяются в градиенте ярких и тёплых красок.
На насыщенном оранжево-розовом фоне стоит белая крапчатая ваза с букетом полевых цветов. Некоторые цветы Одилона Редона (годы жизни 1840-1916) были созданы с замысловатыми деталями, другие же более абстрактны. Цветы доминируют в композиции, и мы запросто могли бы сидеть и смотреть на разнообразие текстур и цветов на протяжении всего дня.
13 место. «Красный Мак» – Джорджия О’Кифф
- Дата создания: 1927 год
- Размеры: 61 х 55,5 сантиметров
- Место нахождения: Музей Изобразительных Искусств (Сент-Питерсберг, штат Флорида, США)
Отлично известная своими эротическими изображениями цветов, Джорджия О’Кифф (годы жизни 1887-1986) за всю свою сознательную карьеру нарисовала более двух сотен цветочных композиций. Джорджия создавала потрясающие события из всех своих натюрмортов. Хотя в самом начале карьеры она и использовала акварель, после 1918 года О’Кифф стала прибегать к почти исключительно масляным краскам. В это же время она также начала создавать масштабные картины с цветами как бы под микроскопом. Этот пёстрый и сладострастный красный мак является ярчайшим примером работ художницы той поры.
О’Кифф видела цветок как сложный и тонкий мир, и она рисовала лишь для того, чтобы поделиться этим миром с другими людьми. Ярко-красные и оранжевые лепестки мака наполняют композицию и даже выходят за её пределы. Маленький и нежный цветок превращается в большое и мощное изображение. Когда мы рассматриваем цветочные произведения О’Кифф, такие как «Красный Мак», нам предлагается замедлиться и не торопиться, наблюдая за тем, что мы, как правило, упускаем из виду. Будучи основателем модернистского художественного движения, американская мастерица является истинным пионером современной цветочной живописи.
14 место. «Цветы» – Энди Уорхол
- Дата создания: 1970 год
- Размеры: 91,8 х 91,6 сантиметра
- Место нахождения: Нью-Йоркский Музей Современного Искусства (Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, США)
Цветы были весьма распространённым источником вдохновения для поп-художника Энди Уорхола (годы жизни 1928-1987). В 1964 году Уорхол начал серию цветочных картин, на которых он запечатлел уже поникший цветок гибискуса в ярких цветах и интересных техниках. Данная серия картин имеет при себе противоречивую историю.
В качестве основы для своей цветочной серии Уорхол использовал снимки фотографа, сразу после этого фотограф пытался подать на художника в суд. Несмотря на все разногласия, эта серия цветочных работ так и продолжала процветать во славе. Она по праву считается потрясающим образцом современной цветочной живописи.
15 место. «Уже Готов Расцвести Утром» – Яёи Кусама
- Дата создания: 1989 год
- Размеры: 38 х 45,5 сантиметров
- Место нахождения: частная коллекция
Яёи Кусама (родилась в 1929 году) – это художница-концептуалистка, черпающая своё вдохновение в сюрреализме, абстрактном экспрессионизме, поп-арте и феминизме. Почти все её работы наполнены психологическим и сексуальным автобиографическим содержанием и отличаются узорами в горошек и сетку. Как художница, которая по-настоящему использует собственное искусство для обработки своего внутреннего мира, постоянное обращение Кусамы к горошку проистекает из её детских галлюцинаций.
Сия литография, несомненно, тоже является работой Кусамы. Два одиночных цветка жёлтого и розового цвета хорошо выделяются на фоне тёмно-красных точек в горошек на чёрной поверхности. Стиль рисования цветов Кусамы причудливо напоминает нам детский. Однако Яёи Кусама уже давно признана самой влиятельной из ныне живущих на земле японских художниц.
Цветочные картины имеют за собой долгую и красочную историю. От голландского реализма, французского импрессионизма и американского поп-арта картины с цветами всегда занимали место в человеческом самовыражении. Вполне возможно, именно сочетание красоты и хрупкости жизни делает их такой популярной темой для огромного числа живописцев. Разнообразие художественных стилей столь же велико, как и коллекция цветов, представленных на планете Земля, поэтому, если вам понравилось изучать все эти прекраснейшие картины, мы рекомендуем углубиться в их написание и поискать похожие творения на просторах великого интернета.