Начиная всерьёз изучать кино, хотя я уверен, что даже если в шутку – понимаешь, что, переступая порог арки к этому пути, внезапно оказываешься в невесомом состоянии и, кружась, падаешь в это бездонное обиталище мира художников. Скорость падения увеличивается. Посмотрев на свои руки, видишь, как они растворяются наряду с окружающими очертаниями стен. А свой разум ты слышишь всё меньше и меньше.
Мои знания о кино очень расплывчаты, поэтому я решил, что концентрация на конкретной персоне и просмотр всех фильмов этого человека позволит высекать для себя наиболее ясное представление о специфике работы автора, его мировоззрении. Помимо этого, таким образом больше узнавать о сценаристах, монтажёрах, композиторах и актёрах (и наконец начать запоминать их имена).
Открывая этот опыт, в мой мир ворвался Квентин Тарантино. Однако, совестливее будет сказать, что я самолично заинтересовался его подходами к созданию истории и способами её подачи. Моё решение начать с Квентина было спонтанным, без каких-либо взвешиваний и предварительного анализа. Я просто начал смотреть. И это было отнюдь не ошибкой! Ведь Тарантино по-настоящему влюблён в кино, поэтому погружаться в недра его, безусловно, объёмных знаний – особенное удовольствие.
«Я не ходил в киношколу — я ходил в кино»
Стоит начать с того, что Квентин с детства был увлечён кино. Но, в отличии от своих маленьких сверстников, что смотрели мультфильмы компании Disney, он без устали ходил в кинотеатры на фильмы всех жанров от самурайского кино до спаггети-вестернов, что стали наиболее популярными как-раз в период его детства с 1960-х и 1970-х годах. Позже, будучи состоятельным кинорежиссёром, Квентин Тарантино снял фильм «Однажды в Голливуде» (Once Upon a Time…in Hollywood») 2019 года, в котором показал свою преданность, буквально «пересняв» отдельные сцены фильмов ранее упомянутых лет с удивительной точностью.
По мере взросления, у Квентина не угасла страсть к кино и точкой невозврата для его жизни стала работа в магазине видеопроката, что дала ему возможность безграничного просмотра и изучения самых разных фильмов. Он стал настоящим знатоком. Приходя в магазин, люди удостаивались рассказами о сюжетах, режиссёрах и актёрах с точнейшими подробностями от Тарантино. Он запоминал всё, и мог пересказать ещё больше.
В первую очередь, Квентин Тарантино – сценарист. В начале своего пути он писал, и что самое интересное, вручную. Его объяснением на этот счёт стало то, что таким образом, он соединяется с высшими силами, что ведут его руку, рисуя буквы на блокноте. Первым, полнометражным и законченным фильмом в его карьере считается картина «Бешеные псы» («Reservoir dogs») 1992 года, речь в которой идёт о том, как криминальный босс нанимает шестерых незнакомых друг для друга преступников для ограбления ювелирного магазина. Основное действие происходит уже после ограбления, в ходе которого неожиданно быстро появляются копы. Преступники, встретившись в амбаре, пытаются выяснить – кто же стукач. Между этим, нам параллельно показывают сцены из прошлого каждого из преступников, раскрывая их личности. Помимо того, что Тарантино написал и поставил этот фильм, он сыграл в нём небольшую роль – Мистера Коричневого. Подобные имена имеются у каждого члена основной группы бандитов этой истории: Мистер Розовый (Стив Бушеми), Мистер Белый (Харви Кейтель), Мистер Оранжевый (Тим Рот) и так далее. Эта особенность стала одним из тех самых интересных и необычных моментов, что зацепили, уже популярного на тот момент актёра Харви Кейтеля, и заставили заинтересоваться проектом. Благодаря этому, фильм получил увеличенный бюджет и к съёмкам присоединились актёры, уже имеющие успех на этом поприще.
Фильм «Бешеные псы» даёт нам представление о начинающем формироваться авторском почерке Квентина Тарантино. Нелинейное повествование, цепляющие персонажи с индивидуальным характером и, безусловно, диалоги. Это изюминка его творчества. Это узнаваемая всеми, даже не особо интересующимися кино людьми, особенность. Предполагаю, что цепляет зрителя в словесных взаимодействиях персонажей Квентина именно острота, смелость в высказываниях и реалистичность. Это звучит как рецепт отличного блюда. Чтож, Тарантино – тот ещё кулинар по-американски.
«Вспышкой», после которого Квентин стал своеобразным феноменом является его следующий фильм «Криминальное чтиво» («Pulp Fiction») 1994 года. Три истории разворачиваются параллельно и в разном временном порядке. Ограбление в кафе, жизнь двух бандитов на службе криминального босса и события, связанные с боксёром, отказавшимся от поддельного боя. Фильм забрал главную награду на Каннском кинофестивале, получил «Оскар» в номинации «Лучший сценарий», «Золотой глобус» в этой же номинации и награду Британской академии за «Лучший оригинальный сценарий». Очень неплохой старт, не так ли? История создания этого фильма весьма интересна. В процессе написания сценария, Тарантино соединял и переписывал сюжетные линии персонажей и отдельные сцены, на основе раннее созданных персонажей и существовавшей идеи с золотыми часами боксёра Бутча (Брюс Уиллис), что являются деталью, двигающей сюжет. В конечном итоге получилась история, повествование которой осуществляется расставленными не в хронологическом порядке частями, что обрамляются титрами перед их началом. Что бы понять о чём идёт речь, конечно, стоит посмотреть «Криминальное чтиво». Но, если Вы уже его смотрели – сделайте это ещё раз.
Выделю, что нелинейное повествование в этом фильме проигрывается не только в целом, но и в отдельной сцене. То, что сейчас кажется привычным приёмом монтажа (однако, встречается не часто), на момент создания фильма было свежим дыханием. Хотя «Криминальное чтиво» и не первооткрыватель такой практики, стоит отметить, что оно стало источником вдохновения для огромного числа последователей. Речь идёт о том, как и в каком порядке могут демонстрироваться действия в отдельно взятой сцене. И здесь, это сцена употребления Винсентом Вегой наркотиков перед его встречей с женой Марселласа Уоллеса (Винг Рэймс) – Мией (Ума Турман). В фильме, действия показаны в таком порядке: 1. Подготовка к употреблению – 2. Результат от употребления (Прошло какое-то время, герой едет на машине под дозой) – 3. Процесс употребления – 4. Затем опять результат от употребления (Продолжение езды на машине).
Когда зрителю показывают подобную хронологию он сам связывает между собой отдельные действия и понимает, где причина и где следствие. В такой момент, смотрящий кино человек подсознательно чувствует себя удовлетворённым, потому что «понял». Это стимулирует наш мозг более вовлекаться в сюжет, так как удовлетворение – это положительное чувство! Даже если показывают употребление наркотиков, ограбление, убийство и прочие плохие, бессовестные вещи – это не важно! Главное, что зритель вовлечён (естественно, на ряду с этим психологическим процессом, благодаря такому монтажу сцена получает лаконичность, когда нам показывают только то, что действительно важно). Но и нет ничего плохого в том, что подсознательно Вы получаете удовлетворение от сцены убийства в кино. Если такой приём монтажа используется в фильме, который Вы смотрите, обратите на это внимание. Скорее всего, это хороший фильм.
Затронув следующую картину, выпущенную из-под рук Квентина – «Джеки Браун» («Jackie Brown») 1997 года, я хочу больше поговорить о самой личности режиссёра. Сценарий и даже постановка этого кино весомо отличается от его авторской фильмографии. Лиричная история о том, как перевозящая контрабанду девушка, попав в руки закона, может избежать тюрьмы только если «заложит» торговца, с которым работает - экранизация романа «Ромовый пунш» Элмора Леонарда. У Квентина были права на это, и ещё несколько литературных произведений. Что точно побудило экранизировать именно «Ромовый пунш» сказать сложно, но я считаю, что главным фактором является тема любви.
На одном из интервью его спросили: «Квентин, почему в твоём кино так много насилия?», на что он ответил: «Потому что я ненавижу насилие!». Звучит противоречиво, но! Персонажи, что прибегают к насилию в историях Тарантино – чаще всего получают по заслугам. Практически всегда зло возвращается к ним в полной мере. И это объясняет его ответ. Квентин, имея непоколебимую силу кино наказывает таких людей. И в фильме «Джеки Браун» любовь – становится чуть более осязаемой, чем в других работах. В нём мы не видим, а чувствуем её. Как лаконично автор показывает первые намёки на влюблённость во время того, как Макс Черри (Роберт Форстер) смотрит на идущую к нему Джеки Браун (Пэм Гриер) после её освобождения под залог. Эффект «намёка на влюблённость» создаётся, в данном случае, благодаря подходящему саундтреку, смене кадров с идущей Джеки, что важно заметить – идущей в тени, на Макса, к которому из кадра в кадр медленно приближается камера. Всё это говорит о том, что в действительности, Квентин Тарантино – тонкого строения души человек. За завесой «кровавой бани» с которой он ассоциируется сейчас – скрывается чуткая личность. В последующих его фильмах это прослеживается уже не так явно, однако проявляются и раскрываются другие черты Квентина, которые содержат в себе возможность их обсуждения.
«Роберт Родригес: "Какая твоя любимая часть при съёмке кино?" Квентин Тарантино: "У меня нет какой-либо любимой части. Каждая часть является любимой в тот момент, когда я ей занимаюсь."»
Дилогия «Убить Билла» («Kill Bill») 2003, 2004 г.г. стала громким заявлением и оправданным успехом среди общей аудитории. В том числе, из-за своей амбициозности. Особенно, после выпуска фильма «Джеки Браун», химия которого оказалась понятна далеко не всем и была тяжело принята в круге фанатов, ожидающих «нового Криминального чтива». История про «невесту» действительно пропитана «Тарантиновской» начинкой. Некогда наёмная убийца уходит из дела, беременеет и выходит замуж. Но, светлое будущее прерывается выстрелом в неё из пистолета прямо на свадебной церемонии. Пролежав в коме четыре года, девушка приходит в себя, однако из-за выстрела теряет ребёнка. Теперь ничто не остановит её на пути к мести.
Давным-давно я знал об этом фильме даже не посмотрев его, благодаря образу светловолосой девушки в жёлтом костюме с чёрными полосками. Сейчас персонаж Умы Турман – Беатрикс Киддо является одним из самых популярных киногероев. Однако, впервые этот костюм надел Брюс Ли в фильме «Игра смерти» («Game of Death») 1978 года. Наряду с этим костюмом Квентин Тарантино использовал в своём фильме (здесь и далее будет иметься ввиду «Убить Билла» 1 и 2 часть вместе) множество других художественных, и не только, приёмов восточного кинематографа. Это гиперболизация боевых сцен и звуков ударов, месть – как центральный мотив героя продвижения по сюжету, сенсей – как собирательный образ представления о учителях восточных единоборств, и, конечно, аниме. Автор хорошо провел время, создавая эту историю, включая в неё то, что ему нравится и принося дань уважения первоисточнику. Именно благодаря своей насмотренности и любви к кинематографу Тарантино делает киноцитаты – художественный приём, образ, сюжетный ход из какого-либо фильма, «процитированный» в другом фильме. Одними из таких является жёлтый костюм главной героини, схватка в силуэтах на синем фоне, мелодия, которую насвистывает Элли Драйвер (Дэрил Ханна) в госпитале и огромное количество других. Пожалуй, «Убить Билла» является одним из самых наполненных киноцитатами и отсылками фильмов в общей фильмографии режиссёра.
«Убить Билла» и сейчас, спустя 20 лет, смотрится живо. И отнюдь не только благодаря динамичным схваткам. Это моменты «жизни», когда главный герой после комы вступает в борьбу со своим организмом, «запуская» в движение пальцы своих оцепеневших ног. Запоминающаяся сцена с прекращением драки на смерть между главной героиней и Вернитой Грин (Вивика А.Фокс) из-за того, что у второй приехала маленькая дочь. Время «на подумать», когда действие становится статичным и играет хорошо подобранная музыка, которую потом добавляешь в плейлист. Такие вещи граничат с гиперболическими элементами боя внутри фильма, превращая его в более гибкий и чувственный рассказ.
Помимо сюжетной наполненности, «Убить Билла» действительно красивое кино. Академически красивое. Это заслуга по достоинству оскороносного оператора – Роберта Ричардсона. Момент, когда ты обращаешь внимание на изображение, одновременно утопая в истории и останавливаешься, чтобы рассмотреть всё получше, либо немного перематываешь назад – можно назвать исключительностью мастерства оператора, и, конечно, съёмочной команды в целом. Роберт Ричардсон, после съёмки «Убить Билла» стал верным оператором Квентина Тарантино, снявшим ему все последующие фильмы на сегодняшний момент, кроме следующего «Доказательства смерти» («Death Proof») 2007 года, в котором оператором выступил сам Квентин.
«Это было в первый раз, когда я ощутил неудачу»
«Доказательство смерти» — это фильм, задуманный как вторая, но сюжетно не связанная, часть проекта «Грайндхаус», совместной деятельности Квентина Тарантино и Роберта Родригеса, в котором первой частью был фильм, снятый Родригесом – «Планета страха» («Planet Terror») 2007 года. «Проект был задуман как дань низкобюджетному эксплуатационному кино 1970-х годов и культуре существовавших в то время кинотеатров-«грайндхаусов»; в таких кинотеатрах за один сеанс могли показывать два или более фильма категории B». После реализации проекта, оба режиссёра перемонтировали свои фильмы в самостоятельные полнометражные ленты и выпустили в прокат, однако, успеха они не заимели. Тарантино говорит, что «Доказательство смерти» является его худшим фильмом, но при этом отмечает, что хоть он и был снят топорно, всё равно не так уж и плох. Сюжет фильма демонстрирует жестокие деяния каскадёра, который сидя за рулём «смертеустойчивого» автомобиля убивает молодых девушек. Вопрос в том, смогут ли такие же девушки дать ему отпор.
Фильм действительно слабее остальных работ режиссёра. Создаётся ощущение, будто для написания сценария и съёмок были временные рамки, заставляющие делать всё быстрее, чем обычно. Он больше похож на попкорновое кино с симпатичными девушками и нарочитым злодеем «оборотнем». Но, есть в нём и хорошие вещи. А конкретно, феномен Зои Белл – каскадёрши, координатора трюков и актрисы, выступившей дублёром Умы Турман в фильме «Убить Билла», сыгравшей одну из ролей в фильмах «Омерзительная восьмёрка», «Однажды в Голливуде» и «Доказательство смерти», в котором она показала свои навыки в экстремальных условиях автомобильной погони, цепляясь за багажник машины на бешеной скорости. Самое интересное, что в этом фильме Зои играет персонажа каскадёршу, будучи каскадёршей на самом деле. Даже в титрах она подписана как «играет саму себя». В некотором роде это магия кино, открывающая такие необычные обстоятельства как представление зрителю персонажа из мира кино – каскадёра, которого играет такой же каскадёр из нашего мира. И это не щепотка документальности. This is a miracle!
«В моих фильмах нет места морализаторству. Я рассказчик, а не моралист»
В следующем фильме, «Бесславные ублюдки» («The Inglorious Bastards») 2009 года, операторская работа Роберта Ричардсона немного отличается от того, что он делал в дилогии про отмщение «невесты» - становится меньше крупных планов (но, отнюдь, не менее красиво). Скорее всего, это подкреплено различием идей «Убить Билла» и «Бесславных ублюдков», среди которых в первом фильме разворачивается личная история мести и прощения, а во втором частичная реконструкция и изменение исторических событий, несущее общий социальный характер. Вторая мировая война, оккупированная немцами Франция и две параллельных истории отряда солдат и хозяйки кинотеатра, объединённых одной целью: убить диктатора.
Опираясь на реальные имена и факты Квентин создаёт свою собственную, альтернативную ветку событий, приплетая придуманных персонажей. Сценарий к этому фильму Тарантино писал очень много лет, останавливая работу над ним несколько раз, для того что бы снять другие проекты, и затем снова возвращался, но уже с новыми идеями и изменениями сюжета. «Бесславные ублюдки» - это настоящее проявление любви к кино, отражающееся не только в кропотливом подходе создания фильма на всех этапах, но и в рамках самой его истории. Разговоры о фильмах, один из персонажей – кинокритик и, самое главное, кульминация истории разворачивается в стенах кинотеатра, к которому привела премьера киноленты. О том, что Квентин по-настоящему преданный фанат кинематографии мы уже знаем, но рассказывают ли «Ублюдки» нам о чём-то ещё? Разумеется, – да.
Как Тарантино выражается сам, он – рассказчик. Он за то, чтобы в кино рассказывали истории, а не разворачивали отдельные события. А «Бесславные ублюдки» демонстрируют нам хороший драматургический инструмент для цепляющего повествования, коим Квентин умеет и пользуется на славу. Это плавные переходы фокуса внимания с общего процесса на личность персонажа, и так, с одного на другое. Здесь под общим процессом подразумевается определённого рода деятельность, движимая идеей, как минимум, нескольких человек и более. Например, преследование и истребление немецкими нацистами евреев. В начале фильма мы наблюдаем событие, связанное с этим «общим процессом», знакомимся с местом и персонажами, так или иначе, включённых в этот процесс, понимаем мотивы идеи и становимся свидетелями характерных действий. И плавно, внимание переходит к личности персонажа, причастного к этому делу. А конкретно в данном случае к личности штандартенфюрера Ганса Ланды, по прозвищу «Охотник на евреев». Эту роль исполнил Кристоф Вальц, став чёрной лошадкой фильма, козырем в рукаве Квентина Тарантино. Наше внимание приковывает раскрытие не только лишь мотивов персонажа, а его многопланового характера. Кристофу удалось отобразить в Ланде перетекающие друг в друга жестокость и обаятельность, испуская будто осязаемую энергетику. На какой-то тонкой материи он изображает пассивную агрессию, создавая тянущее напряжение, используя махинации с наплывами напористости. Будто в ладони сжимается и разжимается Капитошка, что кажется, вот-вот лопнет. Актёр по-настоящему верит в своего персонажа, он верит в его чувства и желания, он словно позволяет вселиться этому нутру в своё тело. И зритель становится этому очарован. В первую очередь, это заслуга самого автора – Квентина, а во вторую, конечно Кристофа, коему удалось исполнить задумку в полной мере.
Второй пример, это операция «КИНО», целью которой является уничтожение загнанных в кинотеатре центральных лиц нацистской Германии, в том числе и Гитлера (Мартин Вуттке). Квентин показывает подготовку и исполнение этого процесса параллельно демонстрируя две, не связанные друг с другом команды: отряд «Ублюдков» и Шошанну (Мелани Лоран), предстающей нам как владелицей кинотеатра, в рамках которого происходит операция, и её возлюбленного Марселя (Джеки Идо), работающего с ней. И опять же, от знакомства с персонажами, местами, их мотивами и действиями наше внимание перетекает к раскрытию личности, в данном случае хочется выделить две: Шошанны и немецкого рядового Фредерика Цоллера (Даниэль Брюль), персонажа, с противоречивыми чувствами, борющимися друг с другом внутри, что показаны нам так ненавязчиво и по-человечески.
Такой подход кажется вполне очевидным и не обязательным для рассмотрения, но! Далеко не в каждой истории он используется и имеет место быть. Из фильмов Тарантино «Бесславные ублюдки» уникален в этом роде.
«Ещё дубль. Почему? *хором*: Потому что мы любим кино!»
Квентин Тарантино наделён природной заряженностью. И всё, что бурлит в нём – передаётся всем, кто работает с ним, взаимодействует, находится рядом или даже просто смотрит интервью. Когда дело касается интересующих его вещей, то поднятый вопрос служит искрой для возгорания пламени его живого интереса. В первую очередь, конечно, это касается кино (как и поп-культуры в целом). С таким же открытым и эмоциональным блеском, сопровождающим разговоры о фильмах, Квентин ведёт режиссёрскую деятельность на площадке. Цитата, приведённая выше, это фраза, которую он говорит во время съёмок. И вся команда, на самом деле, после вопроса о том, почему же нужен ещё дубль, кричит: «Потому что мы любим кино!». Квентин отдаёт всего себя процессу создания фильма, и у него удаётся добиваться того же от людей, работающих с ним.
Оскар за «Лучший сценарий» и «Лучшую мужскую роль второго плана», первая работа Тарантино с Леонардо ДиКаприо, самый большой кассовый успех за всю фильмографию. Верно, это «Джанго освобождённый» (Django Unchained») 2012 года. История разворачивается в 1858 году. Двое братьев работорговцев ведут купленных ими темнокожих мужчин-рабов через лес. Один из них – Джанго (Джейми Фокс), который был продан за побег предыдущим хозяином. Он оказывается вдали от своей любимой жены Брумхильды (Керри Вашингтон). Однако Джанго нужен охотнику за головами, Кингу Шульцу (Кристоф Вальц), который встречает толпу в лесу. После того, как он освобождает Джанго - начинается его путешествие. Путешествие героя.
Одна из причин того, почему этот фильм получил Оскар за лучший сценарий – это ориентированность на широкий круг зрителей, благодаря ясной мифологической структуре истории, в которой прослеживаются основные архетипические фигуры (Герой – Джанго Фримен; Наставник – Кинг Шульц; Привратники – Стивен (Сэмюэль Л. Джексон), Билли Крэш (Уолтон Гоггинс) и другие; Злодей – Кэлвин Кэнди (Леонардо ДиКаприо); Союзник, попавший в беду (в данном случае, любимая) – Брумхильда). Эта история интуитивно понятна и близка каждому. Даже имена персонажей здесь говорят сами за себя.
На основе внятных персонажей мы наблюдаем сюжет про уважение прав других, справедливость, непокорённый дух и запуск перемен, «заправленный» саундтреком атмосферы спаггети-вестерна от Эннио Морриконе (в том числе и других композиторов) и современно звучащих композиций, например, ярко воспринимающейся песни «Unchained (The Payback/Untouchable)» Тупака Шакура, что, на самом деле, вписывается в события.
Эннио Морриконе – величайший композитор, писавший для величайших режиссёров. Квентин уже работал с ним для фильмов «Убить Билла» и «Бесславные ублюдки». Однако его музыка в «Джанго освобождённом» воспринимается наиболее ярко. Это фильм жанра «вестерн», а Эннио прославился как музыкант, создавая шедевры именно для спаггети-вестернов. А конкретно для фильмов «Долларовой трилогии» Серджио Леоне с Клинтом Иствудом, в которую входят: «За пригоршню долларов» ( «Per un pugno di dollari») 1964 года, «На несколько долларов больше» ( «Per qualche dollaro in più») 1965 года и «Хороший, плохой, злой» ( «Il buono, il brutto, il cattivo») 1966 года, фильм, что Тарантино поставил на первое место в списке своих любимых. Советую к просмотру документальный фильм про композитора, с одноимённым названием «Эннио» («Ennio») 2021 года.
«Кино — моя религия. Когда я делаю фильм, для меня он — все, и за него я готов отдать жизнь»
«Омерзительная восьмёрка» («The Hateful Eight») 2015 года – восьмой фильм Тарантино и второй в жанре «Вестерн». Охотник за головами по прозвищу «вешатель» (Курт Рассел) везёт пойманную им преступницу (Дженнифер Джейсон Ли) по заснежённым горам. По пути к ним присоединяются ещё один охотник за головами (Сэмюэль Л. Джексон) и человек, называющий себя новым шерифом города (Уолтер Гоггинс). Вместе, они приезжают в небольшой дом-галантерею среди пустоши для того, чтобы переждать приближающуюся снежную бурю. Там, они оказываются не одни, а с новыми знакомыми: мексиканцем (Демиан Бичир), ковбоем (Майкл Мэдсен), палачом (Тим Рот) и генералом (Брюс Дёрн). Кто-то из них – не тот, за кого себя выдаёт, а именно тот, кто собирается помочь пойманной преступнице выбраться.
Одним из главных поводов обсуждения фильма до его премьеры стал выбор Квентина провести съёмку фильма на технику Ultra Panavision 70. Система Ultra Panavision 70 позволяет получать супер-широкий формат изображения, обеспечивающий максимальную глубину, детализацию и широкое поле видимости, благодаря 70-милиметровой плёнке и анаморфотным линзам, вместо сферических. Анаморфотный объектив имеет особое строение линз, «растягивающее» картинку по бокам, увеличивая её ширину.
Примечательно, что до «Омерзительной восьмёрки» Ultra Panavision 70 была не так популярна – на систему было снято около 10 фильмов! Тарантино и оператор-постановщик Роберт Ричардсон настоятельно взялись за её использование и оказались правы. Визуальная ценность фильма «Омерзительная восьмёрка» очень высока, благодаря не только «орлиному глазу» Роберта, но и технике Panavision, детально погружающей нас в описываемый Квентином мир бескрайних зимних пейзажей и небольшого, деревянного дома галантереи. Немного разобравшись в том, как режиссёр подходит к созданию своего кино, становится понятно, что в данном случае, не только отличное качество изображения стало причиной, по которой Квентин выбрал Ultra Panavision 70. История разворачивается только лишь в четырёх стенах дома, и для того, чтобы в кадр влезало как можно больше пространства, здесь очень даже целесообразно выглядит решение использовать максимально широкий формат изображения.
«Никаких героев, никаких Майклов Лэндонов — только кучка мерзавцев в одной комнате, все рассказывают свои истории, которые могут быть правдой, а могут и ложью. Запереть их в одной хижине с пургой за окнами, дать каждому по револьверу и посмотреть, что будет» (отрывок из интервью Тарантино сайту Deadline).
Сюжет фильма вдохновлён старыми сериалами-вестернами, в некоторых сериях которых герои попадали в плен или на протяжении долгого времени находились с бандитами. Квентину нравился саспенс, завязанный на неочевидности социальной роли персонажей.
«Полсерии просиживаешь, гадая, плохие это парни или хорошие, и у каждого есть свое прошлое, которое потом раскрывается».
Это стало основой для того, чтобы написать свой сценарий, в котором действующие лица находятся, грубо говоря, взаперти, утопая в пучине недоверия.
Восемь мерзавцев. Но, кто же главный герой и так ли это очевидно? На самом деле – нет. В начале фильма первый персонаж, что попадает в кадр – Джон Рут «вешатель», едущий в повозке. Во всех синопсисах этого фильма в интернете, что я читал, написано так, будто «вешатель» главный герой. Однако, первый, кого мы узнаём, как персонажа – это Маркуис Уоррен, второй охотник за головами, что подходит к остановившейся повозке, чтобы попросить помощи. Джон Рут узнаёт его, далее выясняет, что произошло с Маркуисом. И мы, ещё не поняв того, какой целью движим Джон Рут, понимаем, какой целью движим Маркуис. Но, в действительности, это первоочерёдное раскрытие персонажа не определяет его центральность в истории. А определяет другое. То, какую функцию он несёт в сюжете. Маркуис Уоррен – самый проницательный герой истории. Именно ему удаётся пронести свет к истине. Это его драматургическая задача. И такой, редкий сценарный метод повествования, суть которого в том, что очевидность центральности конкретного героя растворяется в количестве персонажей, я решил назвать «Феноменом Джексона». Именно потому, что Сэмюель Л. Джексон играет роль Маркуиса Уоррена, и подобную ситуацию мы наблюдаем в фильме «Криминальное чтиво», в котором из-за нескольких сюжетных линий непонятно, кто из персонажей главный герой. В «Криминальном чтиве», им также является персонаж Сэмюеля – бандит Джулс Винфилд, так как только он эволюционирует в течении картины, и в конце, являясь уже другим человеком изменяет ход антисоциальных событий в положительную сторону, то есть методом убеждения заставляет бандитов Сладкую Зайчишку (Аманда Пламмер) и Тыковку (Тим Рот) прекратить ограбление и выйти из кафешки. А нам всем казалось, что главный герой — это Виненсент Вега (Джон Траволта), неправда ли? «Феномен Джексона». Звучит неплохо!
Влюбившись в девушку по вызову, молодой парень убивает её сутенёра, и по случайности крадёт чемодан с кокаином, в котором заинтересована мафия. Всё это - «Настоящая любовь» («True Romance») 1993 года, режиссёра Тони Скотта, сценарий к которому написал Квентин Тарантино. Криминальное кино с намёком на психологическую подвязку. Одна из самых ранних работ Квентина, но тем не менее, различимая его почерком. Он продал этот сценарий для того, чтобы самостоятельно поставить «Бешеных псов».
В «Настоящей любви» много разговоров о поп-культуре. Она становиться чуть ли не главной фоновой темой его фильма. (Помимо всего прочего образ внутреннего голоса главного героя одет как Элвис Пресли). Это как отличительная черта режиссёра, которую он содержит на подкорке своего сознания как стаффордширского терьера и выгуливает во время написания историй. Хотя, я уверен, отнюдь не только во время этого творческого процесса. Этого с лихвой хватает даже в его самом первом фильме «День рождения моего лучшего друга» ( «My Best Friend's Birthday») 1987 года.
Реально смешная, короткометражная комедия, над которой Квентин работал на протяжении нескольких лет. К сожалению, она не закончена – половина материала отснятой киноплёнки сгорела в пожаре. Как сказал Квентин в одном из интервью.
«Из-за этого я побыл в мини депрессии. Но, совсем недолго. Затем я начал писать дальше».
Как я написал ранее, в «Настоящей любви» есть намёк на психологическую подвязку. Наличие визуального воплощения внутреннего голоса главного героя, в данном случае, подводит зрителя к некоторым раздумьям. Они идут вопреки тому, что стоит на первом плане сюжета – сначала намерение героя убить плохого парня, а затем, из-за непредвиденных обстоятельств намерение избавиться от чемодана с кокаином, продав его. Эти самые раздумья касаются вопросов о том, почему именно Элвис – образ внутреннего голоса? Может быть, за этим стоит интересная ситуация из детства? Был ли у героя опыт убийства ранее? Если да, то как это было? Если нет, то что повлияло на психику героя, из-за чего сейчас он действительно думает о расправе с человеком, которого даже не знает? К сожалению, эти вопросы так и остались открытыми. Однако, фильм провоцирует целый спектр эмоций: от смеха до напряжения.
Это было началом пути Тарантино, и даже спорить не нужно, сейчас он раскрыл бы все эти вопросы. Впрочем, он и последовал этой мере в своём заключительном на данный момент фильме «Однажды в… Голливуде» («Once Upon a Time in... Hollywood») 2019 года.
Пожалуй, «Однажды в… Голливуде» - самое личное произведение режиссёра. В этой истории он уместил всё то, что лежит в его душе, вертится и кружится в ней, а также переворачивает реальные события таким образом «каким оно должно было быть». Взяв за основу леденящее кровь событие 1969 года в Голливуде – массовое убийство, совершённое участниками секты «Семьи Мэнсона», в ходе которого зверски убили актрису Шерон Тейт и её друзей прямо в её доме, Тарантино предлагает свою версию событий. Он ставит иголку с красной кнопкой на этом пункте в тот момент, когда мы видим Шерон Тейт (Марго Робби) в кадре. Но, всё же, основная сюжетная линия развивается выдуманным героем Риком Далтоном (Леонардо ДиКаприо), который будучи собирательным образом голливудских актёров 60-ых претерпевает кардинальные и больные для него изменения в карьере, в связи с поднявшейся волной популярности спаггети-вестерна. Вместе со своим дублёром-каскадёром Клиффом Бутом (Брэд Питт, получивший оскар за эту роль), они идут по дороге кинематографа. Хоть в этом фильме и нет привычной для зрителя сюжетной структуры, это очень многослойная и прописанная история с огромнейшим количеством отсылок и репродукций. В большинстве случаев, когда речь заходит о фильмах и сериалах Рик Далтон заменяет реальных актёров. Некоторые картины Квентин придумывает для истории сам, например, вестерн-сериал «Закон охоты».
Феноменальная актёрская работа ДиКаприо, перед которым стоит задача сыграть среднего уровня актёра с не диагностированным биполярным расстройством, о котором в те времена ещё никто не знал. Брэд Питт и его непоколебимость и мудрость в Клиффе Буте это отдельная тема для разговора. То, с какой энергетикой Брэд просто есть в кадре – это большое мастерство и опыт, даже как некое олицетворение самого актёра. Этот фильм – квинтэссенция накоплений и мудрости Квентина Тарантино.
В книге «Однажды в Голливуде» 2021 года, что является первым литературным произведением Тарантино, всё те же события фильма «немного» поменялись местами и теперь акцент стоит на развитии персонажей: Рика Далтона и Клиффа Бута. Если в фильме мы ждали кульминационной сцены прихода участников «Семьи Мэнсона» в дом с целью убийства Шерон, то здесь мы сконцентрированы на том, как меняются и кем являются главные герои. И это вне зависимости от того смотрели Вы фильм перед прочтением или нет. Для меня самым интересным показалось раскрытие Клиффа как человека с помощью флешфорвардов, то есть описания событий прошлого. Совершенно захватывающие и в духе автора истории о том, как у Клиффа Бута появилась собака и каким образом ему сошли с рук четыре убийства. А так же, личностный рост Рика Далтона, который познакомившись с юной актрисой на съёмках сериала «Лансер» приобретает силу благодарности. Эта история напоминает «Джеки Браун» своей лиричностью. Вообще, книга содержит в себе огромное количество информации о кино тех времён, о режиссёрах и актёрах, о их успехах и неудачах, о хитах и низших трудах. Она пропитана временем 1969 года. И если Вы никогда не были в Голливуде, и тем более, в 60-ых по 70-ые годы, то считайте, что билет на это путешествие лежит на Вашей полке. А если ещё не лежит, то не теряйте времени, это того стоит!
«Мало кто любит победителей, не правда ли?»
Перед тем, как начать близко знакомиться со спецификой Квентина Тарантино, на протяжении многих лет я сталкивался с неоднозначными мнениями о нём. Кто-то говорил: «Это не для меня, в его фильмах слишком много крови», а кто-то: «Да он же просто выпендривается». Все они, конечно, правы. Каждый смотрит на мир со своей колокольни. Однако, я начал изучать фильмы Квентина будучи пропитанным этим отношением. И честно Вам сказать, оно растворилось столь же быстро, сколь Тарантино зацепил меня. Параллельно смотря его фильмы, я смотрел и интервью с ним. Чего только стоит интервью 1994 года, что вселяет такой силы вдохновение, что даже сами фильмы могут с ним посоревноваться. Сейчас же, я с уверенностью могу сказать о том, что Квентин Тарантино, в действительности, глубоко чувствующий человек с огромным багажом знаний и беспредельной преданностью к кино. Он по достоинству является кинематографистом, изменившим ход истории этого ремесла!
