Где: Дом русского зарубежья имени Александра Солженицына
Адрес: Москва, улица Нижняя Радищевская, 2
До: 15 сентября 2024
За толпами туристов и гостей столицы в Новой Третьяковке на выставке “Васнецовы. Связь поколений” невозможно отличить Алёнушку от Ивана Грозного, огромное количество людей в арт-пространстве ГЭС-2 пытаются что-то разглядеть в “Чёрном квадрате” Малевича, меж тем практически пусто на одной из лучших выставок Москвы лета 2024. Я говорю об «Ars Sacra nova. От мифа к символу. Русская история и евангельские мотивы в творчестве художников модерна России и русского зарубежья 1900–1940-х годов. Живопись, графика, скульптура, предметы ДПИ, фотография, архивные документы» в Доме русского зарубежья имени Александра Солженицына.
Вы сможете спокойно насладиться работами Льва Бакста, Ивана Билибина, Аполлинария и Виктора Васнецовых, Павла Корина, Михаила Нестерова, Николая Рериха, Алексея Щусева, а также открыть для себя новые имена.
Особая ценность этой выставки и в том, что практически все представленные картины – из частных коллекций, другого шанса их увидеть может и не представиться.
Выставка посвящена искусству рубежа XIX и XX веков, эпохе коренных перемен и предчувствия надвигающихся катастроф.
Это время напряженного духовного поиска в искусстве, идеализации исторического прошлого, возвращения к религиозно-нравственным истокам.
Художник Дмитрий Стеллецкий будучи в эмиграции, писал так: «…только изучая художественное наследие предков и даже сначала рабски ему подражая, можно и нужно воскресить свою русскую, родную красоту».
“Ars Sacra nova” с латыни переводится как священное новое искусство. Термин “sacra” (“сакральное”, “священное”) относится ко времени, когда художники переосмысливали русское средневековое искусство и, опираясь на него, создавали свои “мифы и символы”.
Сказки, былины и мифы, реальные исторические личности и события, жития святых вдохновляли художников на создание полотен.
Посетители выставки смогут взглянуть на историю нашей страны через призму восприятия живописцев, графиков и скульпторов.
Символисты мифологизировали историю, создавая свои символы как чувственную форму идей.
Искусство становится зеркалом души художников, они ищут неизведанного, запредельного, пытаются все превратить в обобщение, в символ. Они верят в Тайну, их привлекает эзотерика, и символика в картинах становится чем-то отсылающим к потустороннему миру.
Картины больше нельзя прочитать как историю, их нужно разгадывать, попадая тем самым из реального мира в метафизический.
Символистское произведение не имеет один бросающийся в глаза смысл, у него много подтекстов. Вам кажется, что вы уже нашли ключ к этой загадочной двери и открываете её, а за ней находите несколько других дверей. Причем однозначно правильных ответов здесь нет, у вас как у зрителя есть свобода интерпретации. И это еще одно уникальное свойство экспозиции в Доме русского зарубежья: Вы, конечно, можете взять экскурсию, но не менее интересно посмотреть эти картины самому и просто попытаться их услышать, потому что символисты обращаются в первую очередь к Вашему слуху и сердцу.
Воображение – важная категория для символистов. Они стремились выразить в искусстве интуитивное проникновение в ирреальное, будь то мечта, сон, легенда, былина, сказка или миф.
Вот работа, которая впервые экспонируется в нашей стране – «У стен Кремля» Леонида Браиловского. Около 80-ти лет она хранилась в фондах Ватикана, где была мастерская художника. В 1933 году он основал в Ватикане Музей русского религиозного зодчества при Конгрегации восточных церквей.
Я обещала вам открытие новых имен на этой выставке. Когда вы будете смотреть на картины Александры Коноваловой, то в первую очередь вспомните Михаила Врубеля. Действительно, молодая художница брала уроки у мэтра.
Она не только училась у Врубеля, но и помогала художнику в изготовлении его декоративных панно, исполняя черновую часть заказов. В её работах легко угадываются врубелевские черты, вот только писала она не демонов, а ангелов.
Акварели Александры Коноваловой – порождение русского символизма и русского модерна, в которых присутствует ощущение нераздельности реального и инфернального.
А эта работа - парафраз из стихотворения Александра Блока «Ты проходишь без улыбки» (Богоматерь в городе), 1905 г.:
Я стою в тени портала,
Там, где дует резкий ветер,
Застилающий слезами
Напряженные глаза.
Я хочу внезапно выйти
И воскликнуть: «Богоматерь!
Для чего в мой черный город
Ты Младенца привела?»
А в этой акварели, полагаю, вы узнали мотив “Танца” Анри Матисса, который был заказан художнику московским коллекционером Сергеем Щукиным для парадной лестницы в своем особняке. Работы и Матисса, и Коноваловой относятся к 1910 году. Тема танца обнаженных взявшихся за руки людей ранее появляется у Матисса в картине «Радость жизни» и, очевидно, отсылает нас к гораздо более раннему произведению - Лукаса Кранаха Старшего «Золотой век» (1530 г). Термин “золотой век” происходит из античности, это представление о счастливом и беззаботном состоянии первобытного человечества.
Согласно древнегреческому поэту Гесиоду, первое поколение людей, жившее при правлении верховного бога Кроноса, испытывало только блаженство. Земля сама давала урожаи, люди не знали труда и горя. Они не старели и умирали, а превращались в добрых духов. Затем пришёл серебряный век, потом - медный. Каждая новая эпоха приносила всё большие тягот и бедствий. Мы живем в век железный, но не будем о грустном…
У Александры Коноваловой сложная судьба, в 1934 г. опасаясь репрессий, она сама вызвалась поехать на Чукотку с целью запечатлеть быт коренных жителей. В чукотском периоде творчества художницы неизбежно проступают черты главенствующего тогда направления в живописи - соцреализма. Эпоха символизма безвозвратно ушла, но мифы, традиции и шаманские обряды интересовали художницу куда больше, чем реальный быт аборигенов.
Борис Алексеевич Смирнов-Русецкий говорил: «Символ – это через земное представление выразить надземное…, через внешние формы искусства раскрыть более глубокое, бесконечное… через преходящее – вечное». В своих воспоминаниях художник пишет: "На моём творческом пути, охватившем более семидесяти лет, было немало трудностей, страданий, даже безысходности. И лишь радость ожидания великого будущего, вера в безграничную гармонию Космоса укрепляли мой дух и не позволяли сдаваться. Теперь в конце жизни я чувствую, что и творил, и одолевал невзгоды не напрасно!"
Смирнов-Русецкий был не только художником, но и общественным деятелем, ученым, кандидатом технических наук. Он состоял в группе художников-космистов «Амаравелла» («Берег бессмертия»). Борис Алексеевич был арестован в 1941 году, он получил за «антисоветскую пропаганду» и «связь с русским эмигрантом Рерихом Н. К.» десять лет исправительно-трудовых лагерей.
И тем не менее Рерих всегда оставался Учителем для Смирнова-Русецкого. Вначале это было знакомство с творчеством великого мастера и восхищение его картинами, затем знакомство с его философским учением, близкое самому Смирнову-Русецкому.
Мне очень понравилось одно из любимых выражений художника: «Человек сам подготовляет свои встречи».
И еще одно высказывание Смирнова-Русецкого, которое великолепно характеризует атмосферу выставки “От мифа к символу”: “То, что сказал Достоевский: «Красота спасёт мир», Рерих дополнил: «Осознанная красота спасёт мир». Красота неосознанная пропадает для тех людей, что не успели её осознать. И произведение искусства должно говорить человеку, способному принять его, – это принцип сопереживания. Не просто искусство – как информация, а сопереживание…Я пытался исключить тёмные силы из своих картин. Человечество должно видеть светлые маяки. Болезнь планеты должны лечить человеческая Красота и Добро».
Друзья! Если обзор понравился, пишите комментарии и ставьте лайки (это очень мотивирует на новые статьи)
Подписывайтесь на мой Телеграмм-канал, чтобы не пропустить новые статьи.
Ваша, Елена Сегал
Популяризатор искусства
#Дом_русского_зарубежья #Шедевральные_маршруты #выставки_в_Москве #Ars_Sacranova._От_мифа_к_символу #От_мифа_к_символу