В Академическом театре оперы и балета Республики Коми, за деятельностью которого в последнее время следят многие поклонники, – большие перемены: Дмитрия Степанова в директорском кресле сменил Алексей Садовский, начавший формировать свою команду. Ее достижения – дело будущего. Предыдущее же десятилетие стало периодом очевидного яркого подъема театра, получившего высокое звание академического, чьи спектакли были не раз отмечены экспертами «Золотой маски», премиями «Онегин» и «Золотой витязь». Одним из архитекторов «сыктывкарского чуда» по праву можно назвать заслуженного деятеля искусств России Илью Можайского, бывшего в означенный период главным режиссером Коми-оперы. Сегодня с ним беседует музыкальный критик Александр Матусевич специально для «Музыкального Клондайка».
– Вы окончательно расстались с Театром оперы и балета Республики Коми?
– Да, был вынужден, поскольку, на мой взгляд, создать театр высокого художественного уровня можно только опираясь на дружную творческую команду единомышленников. К сожалению, эта команда начала распадаться. Без объявления причин не был продлён договор с прежним директором театра Дмитрием Николаевичем Степановым, с которым мы девять лет совместной дружной работы шаг за шагом поднимали уровень творческой работы театра. И хотя коллектив театра выступил с просьбой продлить договор с ним, нам в этой просьбе отказали. Я считаю это несправедливым решением. Иметь креативного и грамотного директора, который живёт театром, умеет честно решать финансовые и творческие проблемы, любит своих работников – большая удача для любого театрального коллектива. Кроме того, Дмитрий Николаевич сам великолепный музыкант, он окончил Московскую консерваторию по классу трубы.
Больше всего в этой ситуации меня задело то, что ни со мной, главным режиссёром театра, ни с другими творческими руководителями Министерство культуры и руководство Республики Коми этот вопрос даже не обсуждало. Прежние заслуги театра оказались никому не интересны. А они немалые. Театр оперы и балета за последнее десятилетие стал гордостью Республики Коми. Об этом говорят его многочисленные победы и награды на всероссийских и республиканских фестивалях. Театр неоднократно показывал свои спектакли на всероссийском фестивале «Видеть музыку» в Москве и имел огромное количество положительных откликов ведущих московских критиков и московского зрителя. Театр много гастролировал и завоевал любовь не только российского, но и зарубежного зрителя. Спектакли «Сказки Гофмана», «Пиковая дама», «Тоска» и «Принцесса цирка» по конкурному отбору были отобраны для трансляции на канале «Культура».
– Но возможно с приходом другого директора театр сможет и дальше продолжить свой творческий подъём?
– Возможно, и я ему только этого и желаю. Но на данный момент из театра уже начали увольняться ведущие специалисты. Особенно меня расстроило увольнение высококлассного коуча и прекрасный пианистки Марии Ляшевой. Мария – уроженка Коми, в Сыктывкаре живут её родители. Она в совершенстве владеет итальянским и французским языками. У неё муж итальянец и она ещё также успешно работает над оперными проектами в Италии. И именно благодаря её помощи мы имели высокий уровень исполнения оперных партий на языке оригинала. Уволился очень талантливый дирижёр Никон Родюков, исполнявший обязанности главного дирижёра. С Никоном Анатольевичем мы только что выпустили великолепную постановку оперы «Фауст». По моим сведениям, начали поиски работы в других театрах и наши другие ведущие специалисты. Дело в том, что творческий организм подлинного театра очень хрупок. И разрушить его, можно очень быстро. Важна ни только дружная работа творческой команды, но и сама атмосфера взаимного уважения и доверия в коллективе. Очень важно любить и ценить людей, с которыми ты работаешь.
– Сколько лет вы отдали Сыктывкару?
– Почти десять, главным режиссером прослужил девять лет.
– Огромный срок! Можете подвести итоги этому этапу, сделать какое-то резюме?
– Кроме работы в Москве в Музыкальном театре им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко до Сыктывкара я два года был главным приглашенным режиссером в Оренбурге – поставил там хорошие спектакли «Марица» и «Бабий бунт». Оренбургский зритель очень любил эти спектакли. И когда я получил приглашение работать Коми-опере, я с удовольствием согласился. Прежде всего потому, что в театре звучание оркестра было очень высокого уровня.
В то время главным дирижёром театра был Азат Максутов, которого я знал по Уральской консерватории. Совместно с директором Степановым они сумели привлечь в Сыктывкар очень хороших музыкантов. И что удивило ещё, то, что даже зам. директора Сергей Фещенко был великолепным ударником. Все они прекрасно понимали, что без хорошего оркестра не может быть высокого уровня театра. Я это называю «золотым коромыслом» – когда в музыкальном театре соблюдается определенный уровень разных его компонентов, это помогает перейти коллективу в целом на следующую ступеньку, ставить для себя более большие, амбициозные задачи. И оркестр тут – наиважнейший компонент. К сожалению, в Коми-опере в свое время были сокращено большое количество творческих ставок, что до сих пор является громадной проблемой, но директор и главный дирижер театра, после Максутова это были последовательно Роман Денисов и Никон Родюков, делали всё, чтобы обеспечить высокое качество звучания коллектива.
– Какие задачи вы для себя тогда ставили?
– Первая задача по принятии должности – реконструировать и привести в форму ряд старых спектаклей. Дмитрий Николаевич Степанов так мне и сказал – я ценю ваш большой опыт и то, что вы умеете, не разрушая чужого спектакля, вернуть ему профессиональный высокий уровень. У меня действительно немалый опыт в восстановления и обновления спектаклей – в МАМТе я этим занимаюсь многие годы. Прежде всего были восстановлены «Мадам Баттерфляй», «Евгений Онегин», «Царская невеста», «Иоланта», «Севильский цирюльник» и ряд других. Это было необходимо для привлечения в театр сыктывкарского зрителя. Была и другая причина.
У истоков оперного театра в Коми стояла в своё время знаменитый режиссер Ия Бобракова. Она была очень талантливым, крепким, профессиональным режиссером, не революционеркой, но мастером, хорошо знающим свое дело. Многие ее спектакли были очень грамотно, просто отлично поставлены, но объективно они состарились, и их нужно было привести в чувства. Эта работа сразу оживила коллектив, у которого появились новые цели и задачи, а обновленные спектакли стали привлекать в театр много молодёжи.
Решая вопрос о новой, уже моей постановке, мы решили поставить себе сразу очень высокую планку. К постановке была взята опера Дж. Пуччини «Тоска». Этот сложнейший музыкальный материал не только выводил нас на другой исполнительский уровень, но и позволял привлечь для работы в театре новых перспективных вокалистов, которые могли бы сделать свои партии на хорошем уровне и показать ведущих приглашённых солистов.
В премьерных спектаклях главные роли спели наши солисты Анатолий Журавлёв, Елена Аюшеева, и Алексей Петров. Роль Скарпиа блистательно исполнил, уроженец Коми, солист Мариинского театра Владимир Ванеев. Позже в спектакль вошел прекрасный исполнитель партии Каварадосси – Чингис Аюшеев из Москвы. На фестивале «Сыктывкарская весна» этого года канал «Культура» записал спектакль «Тоска» в котором роли Каварадосси и Тоски великолепно исполнили Кирилл Матвеев из МАМТа и солистка нашего театра Валерия Зеленская. Спектакль не совсем традиционный, мы искали оригинальные современные образные решения – в целом он получился очень интересным и пользовался успехом, мы возили его на гастроли в Москву. Свои поиски и новаторство я всегда строго ограничиваю – надо ставить по-новому, но ни в коем случае не разрушая произведения, идти от эмоционального строя музыки, в которой уже все есть, особенно у такого драматурга как Пуччини.
Далее были новая «Кармен», которую мы решили превратить в спектакль-мюзикл. Для этого пригласили специалистов по фламенко. И конечно – «Сказки Гофмана» Ж. Оффенбаха, опера непростая во всех отношениях. Там блистательно проявила себя в роли Олимпии солистка театра Анастасия Морараш. Спектакль стал лауреатом национальной премии «Онегин» и получил золотой диплом «Золотого витязя».
Поскольку оперный театр вырос из музкомедии, в нем всегда музыкальные жанры сосуществуют равноправно. Следующей была оперетта «Бабий бунт» в новой редакции, которую, я осуществил специально для увеличения посещаемости театра. Мне очень хотелось подарить зрителям Сыктывкара праздник. Поэтому решением стиля спектакля стала цепочка озорных игр и ссор женщин и мужчин в их весёлой казацкой истории по Шолохову. Спектакль очень полюбился публике и «Бабий бунт» стал спусковым крючком – зритель потянулся в наш театр. После этого были с успехом поставлены такие разноплановые спектакли как «Любовный напиток», «Пиковая дама», «Летучая мышь», «Фауст» и др.
Постоянно укреплялся вокально-актерский состав театра и отдельных спектаклей. Приглашали много вокалистов, кто так ли иначе имеет отношение к земле Коми и готов сюда всегда приехать вновь и вновь. Из Сыктывкара вышло немало достойных вокалистов, тех, кто сейчас поет по всей России и даже по миру: здесь есть хорошая вокальная школа, которая не портит голоса, а наоборот, дает им правильный старт. Именно на этих певцов мы и ориентировались, потому что просто любого гастролера заманить в отдаленную северную республику не так-то просто.
Еще одно направление, которое мы стали развивать – гастрольное. Мы начали много ездить по России: неоднократно с большим успехом выступали в Москве на фестивале «Видеть музыку», выезжали на гастроли в Петербург, Ижевск, Нижний Новгород, Чебоксары, Саранск. Театру это абсолютно необходимо для развития – показывать себя вне своего региона, получать отклики от новой публики и критики. Словом, годы работы в Сыктывкаре – замечательные, и я желаю своему театру только дальнейшего процветания и роста.
– Ваше кредо как режиссера.
– Идти всегда от музыки. Безусловно, нужно экспериментировать, находить новые решения, не стоять на месте. Но при этом никогда не идти поперек музыки, не разрушать ту драматургию, что уже заложена композитором. В музыке всегда есть решение – нужно его уметь понять и воплотить. Воплотить, конечно, современными средствами, поскольку мы живем сейчас, мы –современные люди, и нам это должно быть близко, понятно и интересно. Тут нужно всегда уметь соблюсти золотую середину между традицией и новаторством. Еще один важный момент – всегда нужно знать и понимать контекст того города, в театре которого ты ставишь, знать настроения и ожидания публики. Например, у нас поставила молодая команда «Дон Жуана» – интересный получился спектакль, необычный, но прошел считанное число раз и больше зритель на него не пошел. Не угадали с этим решением – для Сыктывкара оно оказалось слишком радикальным и непонятным. Придумать современное решение очень легко, но нередко оно начинает обрушивать музыкальный материал, музыкальную драматургию – а этого быть не должно.
– Но современные технологии должны же приходить в театр?
– Обязательно! И мы тоже пробуем это постоянно – таковыми были, например, наши «Пиковая дама» и «Фауст». Это же очень интересно, это новые эмоции у публики! Главное – соединить это очень точно с музыкой. Должна возникать у спектакля своя необычная атмосфера и своего рода видеодраматургия, и тогда это очень интересно срабатывает.
– У вас большой опыт поддержания жизни чужих спектаклей. А свои вы дорабатываете после премьеры или оставляете все в неприкосновенности?
– Обязательно дорабатываю, всегда ищу что-то новое и лучшее. Времени на постановку никогда не хватает. И практика проката того или иного спектакля подсказывает, что требуется в дальнейшем в нем доработка и улучшения. Особенно это на провинциальной сцене актуальная история – там всегда банально не хватает денег сделать все задуманное, поэтому доводим продукт до кондиции в процессе его эксплуатации. И тут я всегда находил поддержку руководства и технических цехов. Также приходится дорабатывать какие-то актерские, мизансценические вещи, простраивать спектакль по темпоритму – ведь он должен идти обязательно как на одном дыхании.
– Вас так учили ваши учителя?
– Скорее я к этому пришел сам уже в процессе профессиональной деятельности – к пониманию, что никогда нельзя останавливаться на достигнутом, всегда можно найти лучшее решение.
Вообще я много в жизни учился. Родился в Риге, вырос в Лиепае, учился в ГИТИСе у Георгия Ансимова, параллельно работал в Театре Маяковского электриком, поскольку имел среднее техническое образование, и благодаря этому, внимательно наблюдал за тем, как работает Андрей Гончаров. Стажировку после четвертого курса должен был проходить в Рижском оперном театре на «Сказках Гофмана», но из-за всяческих националистических моментов этого не случилось – практику в итоге проходил в Магадане, где поставил самостоятельно свой первый спектакль «Сильва» и весьма успешно. После ГИТИСа попал в Свердловск к В. А. Курочкину: дипломный спектакль «Мымра» А. Журбина ставил уже в Свердловском академическом театре музыкальной комедии...
Но я очень хотел работать в опере, а не в музкомедии, такая возможность открылась в Ижевске, где я проработал два года. После вновь вернулся в Свердловск. Ставил спектакли в драматических и оперном театрах. Потом организовал Экспериментальный музыкальный театр, который в 1990-е много нашумел своими постановками: «Человек из Ламанчи» Митча Ли, «Золушка» Дж. Россини, «Таис» Ж. Массне, «Поворот винта» Б. Бриттена и пр. За последний мы получили «Золотую маску» и когда приехали с наградой, то узнали, что театр закрыли: получился конфуз невероятный. Именно в этот драматический момент Александр Титель позвал меня в МАМТ, где служу я уже двадцать лет.
Ансимов, Гончаров, Курочкин, Титель – у меня были талантливые, великие учителя! Александра Борисовича Тителя я особенно ценю. У него я научился вниманию к деталям и умению и давать свободу актеру, и в то же время ограничивать ее определенными рамками – тогда актер начинает играть в твоем стиле. Каждый режиссер все равно сам создает свою систему – нужна постоянная вдумчивая работа по отбору того, что тебе подходит для твоего собственного метода работы. Эта работа основывается на наблюдении и анализе работы коллег, так и на вдумчивом изучении прочитанного – слава богу, многие великие режиссеры, тот же Борис Покровский, оставили нам богатое литературное наследие.
27 июня 2024 г., "Музыкальный клондайк"