Немного о Ренессансе. Говоря об искусстве эпохи Высокого Возрождения, мы вспоминаем пять имён: Леонардо, Микеланджело, Рафаэль, Тициан и Джорджоне.
Мы смотрим издалека, сквозь столетия и потому, в первую очередь, видим самое яркое и гениальное.
На самом деле, великих художников было значительно больше - десятки, если не сотни, но гениев только пять, все вместе, они считаются основателями нового подхода к искусству, который состоит в сочетании возвышенной гармонии с глубиной и жизненной яркостью образов.
Пять имён и двадцать лет - всего двадцать лет длилась эпоха Высокого Ренессанса, тот промежуток времени, когда пять гениальных мастеров создали свои лучшие произведения и пересекались между собой в реальной жизни.
Ни одна художественная эпоха не давала миру, в столь короткий срок, такого количества гениев и талантов, причём, большая часть из них жили и работали не только в одно время, но и в одном месте, это по сути, пространство трёх городов: Флоренция, Венеция, Рим.
Однако этот краткий промежуток во времени и пространстве, стал тем коэффициентом, на который помножена вся европейская и как следствие - русская культура.
Нужно сказать, что сам термин Высокое Возрождение, весьма сомнительный и условный, появился лишь в XIX веке и тогда же был подвергнут критике, в итальянском искусствоведении он отсутствует, вместо него используется хронологическое определение: чинквеченто (пятисотые годы) - термин, объединяющий эпоху Высокого и Позднего Возрождения. Высокому Возрождению предшествовало Раннее Возрождение, по итальянски: кватроченто (четырехсотые годы), а ему в свою очередь - Предвозрождение: треченто (трехсотые годы).
А ведь было ещё и Северное Возрождение, но об этом в другой раз.
Эпоху Предвозрожденя или Проторенессанс, для нас, по сути, олицетворяет лишь одно имя - Джотто, именно он произвел ту революцию, без которой, возможно, никогда не случилось бы новое движение в культуре, философии и искусстве, именуемое Возрождением, именно его творчеством вдохновлялись мастера Высокого Ренессанса.
Значение Джотто трудно переоценить, считается что само европейское искусство началось именно с него.
О детстве гения мы мало что знаем, сведения скупы и противоречивы, Джотто ди Бондоне родился в 1266 или 1267 году в деревне Веспиньяно близ городка Виккьо, расположенного к востоку от Флоренции и был, по одним сведениям, потомственным пастухом, по другим - кузнецом, но так или иначе, существует легенда, будто мальчика, пасущего овец и пытающегося зарисовать одну из них угольком на камне, заметил выдающийся фрескист и мастер мозаики того времени Чимабуэ, прославившийся мозаиками Пизанского собора (настоящее имя — Джованни Ченни ди Пепо), который при жизни отличался упрямством и несговорчивым нравом, за что получил прозвище "быкоголовый", с которым и вошел в историю искусства.
Чимбауэ и убедил отца мальчика отдать сына ему в подмастерья, где тот растирал пигменты, замешивал краски и собирал рамы для алтарных образов. Со временем, ему позволили писать детали третьего и второго плана.
О жизни Джотто существует немало легенд и интересных историй, из наиболее известных, рассказ о том, как в юности, когда Чимабуэ ушел по делам, Джотто изобразил на его картине муху, да столь реалистично, что вернувшийся мастер, безуспешно пытался согнать ее с холста.
Или про то, как Папа Римский направил своего посланника во Флоренцию, чтобы тот взял у художника пару рисунков, по которым можно оценить его мастерство и решить, стоит ли приглашать его в Рим для выполнения папских заказов. Выслушав посланника, Джотто взял кисть и нарисовал на листе бумаги идеально ровный круг. Какие-либо другие рисунки он передавать отказался. Посланник был уверен, что над ним подшутили, но все-таки решил лист с кругом оставить в пачке рисунков других художников. В Риме же мастерство художника оценили по достоинству и Джотто несколько лет выполнял заказы Папы и кардиналов.
Автором многих историй является известный флорентийский живописец и биограф XVI века Джорджо Вазари, рассказам которого, мягко говоря, не всегда можно доверять, однако неоспорим тот факт, что по всей видимости, Джотто был человеком дерзким, смелым, остроумным, с оригинальным взглядом на жизнь, это может обьяснить его склонность к новаторствам.
Про ученичество Джотто также мало что известно, но это тот случай, когда ученик своей славой затмил учителя, уже к 1300 году он становится востребованным мастером.
Мы не будем пересказывать всю биографию Джотто и приводить все его работы, об этом написаны книги, остановимся лишь на некоторых значимых моментах.
Проникновение живописного элемента в символическое искусство иконы, происходило и ранее, нет-нет, да скажем и встретишь любовно прописанные богатые драпировки, что даёт лишний повод для полуироничных амбициозных суждений о проявившейся ещё в те времена, любви европейцев к материальным ценностям, в отличие от пресловутой русской духовности.
Нужно сказать, что на Западе, икона изначально не имела такой сакральной значимости как в православии, считается что так уж сложилось со времён Теодориха Великого - короля вестоготов, который вторгся в пределы Италии и к 493 году завоевал весь Апеннинский полуостров, Сицилию, Предальпийские области и стал единоличным правителем этих земель. Причиной сдержанного отношения к иконам послужил неправильный перевод стенограммы Вселенского собора, где предписывалось почитать иконы. Греческого языка Теодорих не знал, а в переводе слово "почитать", прозвучало как "поклоняться". "С чего бы мне поклоняться деревянной доске - возмутился Теодорих, - я поклоняюсь только Всевышнему".
Но тем не менее, икона в Италии существовала.
Вообще, любая религия не терпит изображений, живопись была допущена церковью лишь потому, что выполняла роль Библии для безграмотных, такую же, как в наше время выполняет книжка с картинками, для детей, которые ещё не научились читать.
Но до Джотто, итальянское изобразительное искусство следовало строгим византийским канонам – плоские бестелесные фигуры, отчужденные выражения лиц, отсутствие объема и глубины. Все изображения условны и символичны: если вы смотрите на икону и видите, скажем, домик или башенку, то это значит что дело происходит в городе, если три дерева, то в лесу, в иконе символично всё.
Отступив от византийских канонов, Джотто придал человечность и индивидуальность своим персонажам, эта черта его творчества проявилась уже при первом значимом заказе - росписи церкви Сан-Франческо в Ассизи.
В 1228 году через два года после смерти знаменитого святого Франциска Ассизского, в его честь, в его родном городе Ассизи в Умбрии, было решено воздвигнуть богатый храм, а через пятьдесят лет, в 1278 году, ещё и расширить, что весьма иронично, поскольку сам святой Франциск был идейно-нищенствующим монахом.
Для росписи внутреннего убранства храма были приглашены художники со всей Италии, вместе с Чимабуэ и другими художниками, молодой Джотто также приступает к работе над фресковыми росписями.
Нарушив традицию, он отважился на совершенно оригинальный репертуар, изобразив на 28 больших панно, наиболее кульминационные сцены из жизни святого Франциска Ассизского, которые составляют почти всю легенду об основателе францисканского ордена, который к тому времени ещё развивался и не был представлен в искусстве.
Образ Святого Франциска, он написал с бездомного бродяги, по нынешнему - БОМЖа, поскольку сам великий святой, в реальной жизни действительно был БОМЖом.
Сцены из жизни Святого, Джотто переместил в реальную жизнь, по сути, это уже сюжетная живопись, мы видим архитектуру, деревья, горы, разнообразие одежд той эпохи, но изображаемые предметы - это уже не абстрактные символы, каждый из них предмет имеет свою индивидуальность.
Все фрески написаны яркими красками, на фоне пейзажа, интерьера или скульптурной группы.
Каждая фреска имеет свою композицию, мы видим разнообразие в положении фигур и выражении лиц. Художник впервые выступает как режиссер, который привносит в сюжет свое видение и свою интерпретацию происходящего, по сути, это театрализованное действие.
В 1303 году Джотто получил заказ купца Энрико Скровеньи на фресковую роспись стен капеллы дель Арена в Падуе и небольшая по размерам капелла стала наверное главным заказом в жизни художника.
Сегодня эти росписи считаются вершиной творчества Джотто, а капелла Скровеньи, благодаря им, получила небывалую известность.
В поисках объема и глубины трехмерного пространства, Джотто отказывается от золотого фона и переносит события на голубой фон итальянского неба.
Нужно сказать, что золотой фон пришёл в византийскую традицию ещё с древнеегипетских изображений эпохи Среднего царства, всегда и везде он был символом божественного присутствия.
Отказ от золотого фона, явился важнейшим переломным моментом в истории искусства, можно сказать, что само искусство началась именно с него, потому что покрывая картину золотом, художник использует природный, а значит уже готовый, созданный Богом свет, живописец же, создаёт свечение картины используя обычные краски и значит сам уподобляется Творцу.
Но главное даже не только в этом, Джотто стал первым среди художников, который отойдя от церковных канонов, положил в основу своих работ чувственное восприятие.
На фреске Оплакивание Христа, люди, окружившие умершего Иисуса, исполнены скорбью, вся гамма чувств и переживаний мастерски передана посредством их жестов и поз, страдают не только люди на земле, но и ангелы на небесах:
Хочется отметить, что живопись эпохи Предвозрождения ещё не достигла тех высот и той реалистичности в изображении людей и предметов, какая свойственна Высокому Ренессансу, ещё нет познаний в области анатомии, ещё не столь совершенна светотень, это ещё не Леонардо, ещё не Рафаэль, но какое разнообразие и какая небывалая выразительность лиц, жестов и поз, что в целом составляет композицию, передающую тончайшие оттенки человеческих чувств.
Трудно найти в истории искусства более трогательное произведение чем фреска "Встреча у Золотых ворот", где запечатлён момент, когда родители Девы Марии, Иоаким и Анна, уже немолодые супруги целуют друг друга в момент встречи у Золотых ворот в Иерусалиме, где Анна сообщает мужу что беременна, но он уже и так знает это.
Сколько нежности и понимания в их прикосновении друг к другу! Считается, что это первый поцелуй в истории искусства:
Здесь сплетаются не тела, а души, по одной из легенд, именно в этот момент была зачата Дева Мария, от поцелуя супругов.
Фреску Поцелуй Иуды, как мне кажется, можно считать одним из самых главных и непревзойденных шедевров Джотто.
В этой драматической сцене он достигает неведомого до тех пор глубокого психологизма и совершенно потрясающе передаёт ощущение момента:
Секунда до поцелуя Иуды.
Головы Христа и Иуды приближены, герои смотрят друг другу в глаза. Лицо Иисуса остается удивительно спокойным, исполненным высокого благородства и нравственного величия. Лицо Иуды выглядит демоническим, исполненным коварства.
Художник помещает Иисуса и Иуду под один плащ, желтый плащ Иуды - символ предательства, который создаёт сферу, в которой время замерло, всего мгновение разделяет ученика и учителя от страшного момента предательства, момента, когда ещё можно отказаться от коварного плана. За пределами этой сферы – бушующая толпа, шум от которой нарастает с каждой секундой, фигуры полны движения, на лицах гамма чувств, вертикали палок, факелов и копий.
Фреска Страшный суд, открывается зрителю когда он уже выходит из храма и это создаёт потрясающий эффект.
В центре, в овальном обрамлении, поддерживаемом ангелами, восседает Христос во всё своём великолепии. Слева и справа в одном ряду с Ним, каждый на отдельном троне, сидят апостолы. Выше них – рать ангелов, но интереснее всего две отдельных ангельских фигурки под самым сводом. Они возвещают об обретении Нового Иерусалима и как бы заворачивают края изображения, подчеркивая иллюзорный характер происходящего.
Ниже Христа изображён крест, который выступает разделительной линией между раем и адом.
Согласно источнику, на фреске "Страшный суд", Джотто написал свой автопортрет, в искусствознании принято считать, что художник поместил себя в ряд праведников, вот он, в узнаваемой шапке, с которой, по некоторым свидетельствам, никогда не расставался:
Внизу фрески, над самым входом, мы видим коленопреклонённую фигуру Энрико Скровени, который строя капеллу, замыслил, чтобы она служила не только фамильной усыпальницей, но и искупительным даром, которым он пытался замолить грехи своего отца, Реджинальдо Скровеньи, нажившего состояние ростовщичеством, которое во все времена считалось грехом. На фреске, Энрико Скровеньин преподносит макет капеллы Деве Марии, Иоанну и св.Екатерине.
Рассказывать о творчестве Джотто можно бесконечно, но остановимся на главном. Будучи современником Данте Алигьери (1265-1321), автора "Божественной комедии", Джотто воплотил в своих работах новый художественный стиль, со всем спектром чувств свойственных человеку, он вложил в свои картины человеческие эмоции — боль, горе, любовь и страсть, его работы и сейчас поражают своей психологической правдой.
И ещё один важный момент .
До Джотто, само искусство было обезличенным, какая разница в том, кто был автором иконы, росписи или собора, если рукой и помыслами этого человека двигал Всевышний, Джотто стал первым великим художником, который стал подписывать свои работы, при нём и после него, искусство становится делом творческим и индивидуальным, а художник выступает как автор и творец.
Джотто оставил после себя большое наследство, он много путешествовал по всей Италии, в большинстве случаев по приглашению орденов, вельмож и даже папы Римского.
Художник умер 8 января 1337 года во Флоренции во время работы над фресками в капелле Барджелло, существуют свидетельства что под конец жизни он познакомился и много общался с Джованни Боккаччо, который изобразил его в одной из новелл своего знаменитого сборника 'Декамерон", но об этом в другой раз.