В этой статье представлены самые известные, или, лучше сказать, знаменитые картины великого испанского художника Пабло Пикассо (1881 - 1973). Учитывая всю необъятность творческого и, в частности, живописного наследия художника из Малаги, выбрать наиболее известные картины Пикассо оказалось непросто.
Понятно, что эта подборка не лишена известной доли субъективности, точно так же, как субъективно само искусство - но, тем не менее, мы постарались включить в нее действительно знаменитые и наиболее важные, по тем или иным основаниям, картины художника. Итак, самые известные картины Пикассо!
1. Наука и милосердие (1897)
«Наука и милосердие» - монументальное полотно (197 х 249,5 см; холст, масло) написанное 16-летним Пабло Пикассо в 1897-ом году и украшающее ныне постоянную экспозицию музея Пикассо в Барселоне.
Это настолько "непикассовская вещь", что каждый, кто знаком с творчеством Пикассо по "Гернике", "Авиньонским девицам" или "Доре Маар с кошкой", однозначно обвинит вас во лжи, когда вы покажете ему репродукцию "Науки и милосердия" и намекнете, что автор картины - Пабло Пикассо.
И эти люди будут по -своему правы, ибо картина "Наука и милосердие", без всякого преувеличения - ужасна. Это едва ли не самая худшая вещь из всех, написанных Пикассо за десятилетия яротной творческой деятельности, и оправданием юному Пикассо может служить лишь то, что на написание этой мрачной, крайне вторичной академической невнятицы его сподвиг родной отец, профессиональный художник - а отцов, как известно, нужно уважать.
Кстати, именно отец Пабло, дон Хосе, придумал аллегорически-зловещее название для картины своего талантливого и послушного сына, и он же вызвался позировать для доктора. Ребенка брали напрокат у одной нищей с улице Мерсе, неподалеку от дома, где проживало семейство Пикассо, а одеяние монахи великодушно предоставила монахиня одного из барселонских монастырей, с которой водила дружбу тетушка Пикассо по имени Пепа.
Однако главная наша претензия к картине Пикассо "Наука и милосердие" заключается в ее потрясающей вторичности. Во-первых, подобного рода сюжеты с изображением находящихся на смертном одре были невероятно популярны в конце 19-го столетия, и только ленивый не изображал что-либо подобное - причем, ничуть, с точки зрения техники, не хуже, чем это получилось у Пабло.
А во-вторых, основой для картины Пабло послужила картина «Доктор» Люка Филдса - в высшей степени моралистическое произведение, которое мгновенно приобрело феноменальную популярность после того, как было показано в Королевской академии в Лондоне в 1891 году.
Фотогравюра "Доктора", опубликованная Thomas Agnew and Sons в августе 1892 года, разошлась в огромных количествах и в Англии, и за границей, и ее репродукции часто можно было увидеть на стенах в приемных врачей.
По любопытному совпадению, отец Пабло дон Хосе, которого из-за своего роста и внешности прозвали «англичанином», весьма напоминал доктора с картины Филдса, что, возможно, сыграло не последнуюю роль при выборе образца для этого живописного "кавера".
Несмотря на все вышеперечисленные недостатки - разумеется, с нашей точки зрения - картина заслужила почетное упоминание в ходе показа на выставке General de Bellas Artes в Мадриде весной 1897 года, а вскоре после того и вовсе была удостоена золотой медали в родной для Пабло Пикассо провинции Малага.
Самое же забавное заключается в том, что "Наука и милосердие" до сих пор вызывает бурю восторга у "благодарных зрителей". "Надо же, такой маленький, всего 16 лет - а как рисовал!" - восхищаются при виде этой вещи люди, и, честно сказать, мы их понимаем: на фоне того, что Пикассо "натворил" в искусстве в последующие десятилетия, "Наука и милосердия" покажется шедевром.
Однако не стоит забывать: у Пикассо был "Голубой период", а затем "Розовый" - и вот за шедевры, написанные в эти годы мы илюбим Пабло Пикассо. Более того, за такие шедевры, как "Семейство комедиантов", "Девочка на шаре", "Старый гитарист" или "Мальчик с трубкой" мы считаем Пикассо великим художником - одним из величайших за всю историю живописи!
2. Я, Пикассо (1901)
"Я, Пикассо" - картина, написанная 19-летним Пабло Пикассо летом 1901-го года для совместной с Франсиско Итуррино выставки в знаменитой в то время галерее Амбруаза Воллара в Париже.
Готовясь к этому "архиважному" на тот момент событию, молодой, энергичный, полный веры в себя и своей силы Пикассо работал, как вол, написав в общей сложности свыше 70 работ.
Париж, куда стремились в ту пору все художники мира, еще не показал Пабло свою самую неприглядную сторону. Еще был жив друг Пикассо Касагемас, который в конце концов совершит самоубийство в парижском кафе - и потому рано думать о безысходности о зимне-холодных тонах "Голубого периода".
Огромный и бездушный парижский каток еще не наехал на Пабло и не выдавил из него все краски, оставив лишь голубую - и потому автопортрет, известный как "Я, Пикассо" полон цвета, веселья и огня.
Это первый из трех автопортретов 1901-го года - и, безусловно, та работа, которая должна была стать визитной карточкой пока еще никому не известного художника на выставке у Воллара. Дерзкий, решительный, талантливый, обладающий всегда ненасытной и вечно неутолимой жаждой творчества - таким предстает перед нами Пикассо в этом автопортрете.
Живопись - не дорогая изящная игрушка, созданная на потребу богачам. Живопись - это бесконечная революция и затяжная война, где ты воюешь против всех и вся, включая и себя тоже - воюешь во имя сладостно прекрасного и мучительно непостижимого Искусства. Пикассо, во всяком случае, воспринимал живопись применительно к себе именно так - и этт воинственный настрой прекрасно передает автопортрет "Я, Пикассо".
Глядя на эту вещь, невозможно поверить, что пройдет всего несколько месяцев, и боевой задор, читаемый во взгляде художника, уступит место подавленности и мудрости старика в этом автопортрете.
В 1981-ом коллекционер и меценат Уэнделл Черри пробрел картину «Я, Пикассо» на аукционе Сотбис за 5 800 000 долларов США.
В мае 1989 года он выставил её повторно на аукцион, где она была продана за 47 900 000 долларов греческому магнату и коллекционеру Ставросу Ниархосу, став одной из самых дорогих картин своего времени. Сейчас, с учетом инфляции, эта цифра составляет почти 99 млн.
3. Мальчик с трубкой (1905)
«Мальчик с трубкой» (фр. Garçon à la pipe) - картина, принадлежащая к "Розовому периоду" и написанная Пабло Пикассо в 1905-ом году, когда художнику исполнилось 24 года.
Работа, которая изначально, вероятно, задумывалась, как один из многих этюдов, отображавших повеседневную жизнь на Монмартре (где Пикассо, как мы знаем, проживал в то время в общежитии Бато-Лавуар) под влиянием внезапного творческого озарения превратилась в один из величайших шедевров Пикассо.
Работы Пикассо "Розового периода" всегда вызывают восхищение за их меланхолический шарм и тонкую поэзию, которые резко контрастируют с атмосферой мрака и безысходности, свойственным вещам Пикассо "Голубого периода" - однако в обоих случаях источником вдохновения служило все то же ближайшее окружение художника.
С 1904 года Пикассо жил в общежитии Bateau Lavoir на Монмартре, и проводил свободное от живописи время исключительно в компании тамошней публики, традиционно проводя свободное время в недорогих ресторанах и кабаре - таких как Le Zut и Le Lapin Agile. По описанию Роланда Пенроуза, Монмартр «эта деревня в городе… была весьма самодостаточной.
На небольшом расстоянии находилось множество развлекательных заведений. В течение нескольких лет самым популярным местом развлечений был цирк "Медрано", который и по сей день продолжает очаровывать сменяющие друг друга поколения парижан.
Его клоуны, акробаты и лошади восхищали Дега, Тулуз-Лотрека, Форена, Сёра и многих других. Там, за кулисами и снаружи, среди аттракционов ярмарки, которая зимой традиционно занимает весь бульвар, Пикассо подружился с арлекинами, жонглерами, клоунами и прочим цирковым и околоцирковым людом. Не осознавая этого, они стали его моделями.
Хотя моделью для настоящей работы иногда называют актера, вполне вероятно, что это был подросток, известный как «Малыш Луи», которого часто можно было встретить в Bateau Lavoir вместе с другими «местными типы: актерами, дамами, господами, преступниками ……. Он оставался там иногда целый день. Он любил наблюдать за тем, как я работаю.»
Ряд этюдов к данной работе показывает, что Пикассо изображал натурщика различных положениях: стоя, сидя, прислонившись к стене, зажигая трубку или просто держа е Наиболее кропотливо проработанный этюд изображает мальчика сидящим в позе, использованной в финальной композиции.
"Мальчик с трубкой" длительное время являлся «гвоздём» коллекции американского ценителя искусства Дж. Уитни.
При распродаже коллекции в 2004-ом году «Мальчик с трубкой» был продан на аукционе «Сотбис» за рекордную на тот момент цену в 104 млн долларов, побив, таким образом, державшийся 15 лет рекорд «Портрета доктора Гаше» кисти Ван Гога. Этот рекорд продержался 6 лет, до 2010-го года.
4. Старый гитарист (1903)
Картина "Старый гитарист" была написана Пикассо в Барселоне в 1903-ем году, сразу после самоубийства близкого друга Пабло - Касагемаса, в котором художник отчасти винил и себя, и потому переживал это трагическое событие особенно тяжело.
В кармане молодого Пикассо в ту пору редко водились деньги, и потому работы "Голубого периода" художника являются кропотливым и тщательным исследованием низов человеческого общества - к которым, безусловно, принадлежал и слепой гитарист, развлекавший публику игрой на гитаре на улицах Старого города Барселоны - в попытке заработать себе на кусок хлеба.
Интересно, что искаженные пропорции персонажа сразу же, с первого взгляда напоминают о работах великого Эль Греко, который пропорции намеренно не соблюдал, сделав свои работых мгновенно узнаваемыми в том числе и по этой причине.
На фоне абсолютного торжества всех оттенков синего в картинах Пикассо "Голубого периода" особенно выделяется "неестественный" цвет гитары, из которой излвекает звуки слепой гитарист. Гитара, написанная в желтовато-коричневых тонах, являет собой контраст с остальным пространство картины и сразу притягивает внимание к себе.
И в прямом, и в аллегорическом смысле гитара заполняет собой все пространство рядом с одинокой фигурой слепца, который, кажется, во время игры полностью погружается в иную реальность, забывая на хотя бы на время о собственной слепоте и о вопиющей бедности, в которой он вынужден существовать.
В то время, когда Пикассо писал "Слепого гитариста" всю большую популярность приобретала литература движения символистов, в которой часто использовался образ слепых персонажей, обладавших большой силой особенного, "внутреннего" зрения - что, несомненно, повлияло на процесс создания полотна.
Прекрасным дополнением является стихотворение Уоллеса Стивенса «Человек с синей гитарой». Поэт выражает словами мнение Пикассо о том, что искусство - это обман, который помогает нам увидеть правду. Стивенс пишет: «Они сказали:« У тебя синяя гитара, / Ты не играешь о том, что по-настоящему происходит в жизни». / Мужчина ответил: «То, что по-настоящему происходит в жизни / Меняет свой облик благодаря синей гитаре».
«Старый гитарист», вероятно, является самой знаковой картиной "Голубого периода" Пикассо, прожитого, как мы уже отметили, в бедности и эмоциональных потрясениях.
Картина также примечательна призрачным присутствием другого изображения, нарисованного на этом же холсте художником прежде. Техническая экспертиза в сочетании исследованиями искусствоведов и экспертов позволили выявить две более ранние композиции под изображением «Старого гитариста».
Эта информация позволяет нам лучше понять художественный процесс Пикассо. Исследования Института искусств Чикаго и выставка 2001 года в Художественном музее Кливленда пролили свет на эти изображения.
Наиболее очевидные детали включают в себя голову женщины, повернутую влево, вытянутую впрпавуо руку с раскрытой ладонью и голени женщины, по которым можно судить, что Пикассо изобразил её сидящей. вытянутую руку с раскрытой рукой вправо и голени, которые (особенно на рентгеновском снимке) кажутся сидящими.
Весьма вероятно, что Пикассо изначально начал писать портрет женщины, которая, возможно, пребывает в расстроенном или обеспокоенном настроении.
5. В кабаре "Проворный кролик" (1905)
Картина "Проворный кролик", известная также, как "Арлекин с бокалом" была написана 24-летним Пикассом в 1905-ом году по просьбе одного из своих тогдашних друзей - владельца кабаре "Проворный кролик" на Монмартре Фредерико Жерара, известного среди друзей под именем Фреде.
Фреде, собственно, и приобрел это плохонькое кабаре за смешные деньги лишь для того, чтобы иметь возможность реализовать свои таланты гитариста и певца, выступая в стенах собственного заведения.
В те времена, чтобы привлечь дополнительных посетителей, владельцы подобных заведений частенькуо заказывали картины, служившие своеобразной рекламой бара или ресторана, у молодых художников, которых на Монмартре имелось в переизбытке, и картина "Проворный кролик" - как раз такой случай.
К слову, подобные заказы Пикассо приходилось выполнять и ранее - достаточно вспомнить знаменитое барселонское кафе-ресторан «Четыре кота», для которого Пикассо оформил обложку меню, и в котором, кстати, прошла первая выставка художника.
Забавно, что Пикассо, который, по уже сложившемуся канону подобных работ, должен был изобразить владельца кабаре Фредерика Жерара на переднем плане, во всей, так сказать, красе и величии - вместо того задвинул его на самые "здаворки" холста. Мы можем наблюдать Фреде, выглядящего весьма непрезентабельно, на заднем плане слева, зато центральный персонаж в костюме Арлекина - это сам Пабло.
Как видим, депрессия, усугубленная мучительными поисками, отсутствием спроса на картины и откровенной нищетой, нашедшая отображение в ледяных тонах "Голубого периода", уступает место определенному оптимизму. Да и не стоит забывать: ЧСВ Пабло Пикассо практически всегда на высоте - что, собственно, вовсе и не плохо, а скорее наоборот.
Опять же: Фреде, владелец "Проворного кролика", едва сводил концы с концами, так что гонорар, который получил Пикассо за эту картину-рекламу, был в лучшем случае символическим - хотя не исключено, что Фреде расплатился с Пабло и вовсе "натурой" - то есть, выпивкой и едой.
Согласитесь, в подобной ситуации художник может позволить себе несколько бОльшую свободу, что, собственно, и продемонстрировал Пикассо.
Обязательно следует отметить и еще одного персонажа - бледную "даму полусвета", которая вовсе не является абстракцией, но имеет вполне конкретного прототипа. Эта Лаура Гаргальо, в определенных кругах более известная, как Жермен". В Лауру был трагически влюблен барселонский друг Пабло - Карлес Касагемас, с которым художник прибыл в Париж в первый раз.
Эта роковая влюбленность стоила Касагемасу жизни. Поскольку Лаура не отвечал ему взаимность, он предпринял несколько попыток самоубийства, последняя из которых оказалась удачной: Касагемас застрелился на глазах у друзей, включая Пикассо и Лауру. Это самоубийство ближайшего друга стало, кстати одной из причин знаменитого "Голубого периода", творчество которого насквозь проникнуто холодом, безысходностью и тоской.
Примечательно, что после самоубийства Касагемаса Лаура и Пикассо сделались любовниками, что в немалой степени шокировало их общих приятелей и знакомых - однако такие уж нравы у этих художников...
А если добавить к этим обощенным "нравам" неуемный сексуальный темперамент самого Пикассо, для которого секс и женщины всегда выступали важнейшим двигателем творческого процесса, то и вовсе нечему удивляться.
До 1912-го года картина находилась в кабаре "Проворный кролик", а после была продана и, что называется, "пошла по рукам". В конце концов, 27 ноября 1980 года картина была продана Уолтеру Аннебергу за фантастические 40,7 млн долларов. В 1992 Аннебрег передал картину Метрополитен-музею, где она находится и поныне.
6. Дора Маар с кошкой (1941)
Блестящая "Дора Маар с кошкой" была написана в 1941 году, в начале Второй мировой войны во Франции, и как раз тогда, когда отношения пары достигли своего апогея. Это большое полотно является одним из наиболее полных и композиционно динамичных изображений из Доры конца 30-хх начала 40-хх г.г.
История отношений Пикассо и Доры Маар - несомненно, одна из самых легендарных в истории искусства 20-го века. Пикассо познакомился с фотографом-сюрреалисткой Дорой Маар осенью 1935-го года - и сразу был очарован чувством собственного достоинства и некоей властности, исходившими от этой женщины. Дора Маар знала себе цену - и цена эта была не копеечной.
Хотя Пикассо на момент встречи с Маар все еще был связан с Мари-Терез Вальтер и в то же время женат на Ольге Хохловой, к концу года Пикассо вовсю крутил роман с Дорой, а в 1937-ом году она заняла в гареме Пабло место "главной любовницы"
7. Семейство комедиантов (1905)
Картина "Семейство комедиантов" (также переводят "Семья комедиантов"), написанная Пикассо в 1905 году, обычно рассматривается как доминирующая композиция и вершина "Розового периода" в творчестве художника.
Монументальные размеры холста 212,8 x 229,6 см делают эту картину самой большой из всех, над которыми до того момента работал Пабло Пикассо.
Фоном для картины изначально служил ипподром, однако впоследствии Пикассо заменил его на этот бесплодный, как будто выжженый солнцем пейзаж, напоминающий родину художника - Андалусию на юге Испании.
8. Портрет Амбруаза Воллара (1910)
Амбруаз Воллар (1867-1939) был одним из крупнейших торговцев произведениями искусства 20-го века. Он с присущим ему талантом и энергией пропагандировал и продавал картины Поля Сезанна, Винсента Ван Гога, Огюста Ренуара, Поля Гогена и Анри Матисса. Также Воллар тепло относился к "голубому" и "розовому" периодам самого Пикассо и немало сделал для продвижения творчества испанского художника.
Воллар был крупным, грубым, резким человеком и алчным бизнесменом, сделавший своим девизом "Покупай дешево - продавай дорого". Художникам не следовало ждать щедрых предложений от этой "акула" в мире арт-дилерства - прежде всего Воллар оставался дельцом, искавший в покупке произведений искусства личную выгоду.
Картина Пабло Пикассо "Портрет Амбруаза Воллара" была написана в 1910-ом году и может считаться самым, пожалуй, интересным произведением Пикассо в жанре аналитического кубизма.
9. Сон (1932)
«Сон» (фр. Le Rêve, англ. The Dream) — картина, написанная Пикассо в период сюрреализма в 1932-ом году. Художник запечатлел свою 22-летнюю возлюбленную Марию-Терезу Вальтер, причем, что интересно, умудрился сделать это всего за один день интенсивной работы.
Картина была куплена за 7 тысяч долларов в 1941 году бизнесменом и коллекционером Виктором Ганцом и его женой Салли. Она положила начало 50-летнему коллекционированию произведений всего пяти художников: Пикассо, Джаспера Джонса, Роберта Раушенберга, Фрэнка Стелла и Евы Гессе.
После смерти Ганцов (Виктора в 1987 году и Салли в 1997) коллекция была продана на аукционе Кристис 11 ноября 1997 году. Картина «Сон» была продана за 48,4 миллиона долларов, став самой дорогой картиной на тот момент времени. Владельцем стал Вольфганг Флётл, австрийский банкир. Вся коллекция была продана за 206,5 миллиона долларов, хотя сумма вложений семьи Ганц суммарно не превысила 2-х миллионов долларов
В 2001 году, из-за финансовых трудностей, Флётл продал картину Стиву Уинну, американскому миллиардеру. Сумма сделки, по оценкам экспертов, составила 60 миллионов долларов.
В 2006 году картина стала участницей широко обсуждаемого скандала. Накануне уже обговорённой продажи полотна в галереях Аквавелла, вследствие неловкой демонстрации шедевра гостям, Уинн проткнул его локтем и порвал холст. История стала известна после того, как газеты в том или ином варианте рассказали про «локоть Уинна за 40 миллионов долларов».
Галерея отказалась от продажи картины. Позднее Уинн отреставрировал холст, получив при этом ещё около 40 миллионов со страховой компании, а 26 марта 2013 года, по сообщению New York Post, Стивен A. Коэн купил картину у Уинна за 155 миллионов долларов. Согласитесь, весьма неплохо для картины написанной всего за один день!.
10. Девушка перед зеркалом (1932)
Картина «Девушка перед зеркалом» (Jeune fille devant un miroir) была написана Пабло Пикассо в 1932-ом "сюрреалистическом" году и в настоящий момент находится в экпозиции Музея современного искусства в Нью-Йорке.
Начиная с определенного этапа в творчестве Пикассо, совершенно не имеет смысла разделять созданное им на "периоды" - гораздо удобнее проводить дифференциацию по женщинам Пикассо, или, выражаясь точнее, по его любовницам, которыми ненасытный художник из Малаги всегде был окружен, как восточный набоб.
Исходя из этого принципа классификации, "Девушка перед зеркалом" (162,3 × 130,2) принадлежит к "Периоду Марии-Терезы Вальтер" - молоденькой натурщицы и, естественно, любовницы Пикассо, с которой художник познакомился в январе 1927-го, будучи женатым на Ольге Хохловой.
11. Плачущая женщина (1937)
Картина Пабло Пикассо «Плачущая женщина» (1937) должна рассматриваться как тематическое продолжение страшной трагедии, изображенной художником в эпическом, монументальных размеров полотне «Герника», написанном Пикассо по заказу Испанской Республики для Всемирной выставки 1937 г. в Париже.
Сам Пикассо настаивал именно на таком восприятии картины зрителем: в искажденном страданием лице плачущей женщины мы должны видеть прежде всего реакцию художника на бомбардировку силами Люфтваффе баскского городка под названием Герника, в результате которой погибло большое количество мирного населения (26 апреля 1937), а Герника в результате бомбардировки и визникшего по ее причине пожара была практически уничтожена.
«Плачущая женщина», (1937 год) может считаться завершением целой серии картин, гравюр и рисунков, которые Пикассо сделал в знак протеста. У художника были очень личные испанские мотивы - и не только Герника.
12. Обнаженная, зеленые листья и бюст (1932)
«Обнажённая, зелёные листья и бюст» (фр. Nu au Plateau de Sculpteur, англ. Nude, Green Leaves and Bust) — одна из серии сюрреалистических полотен 1932 года, на которых Пабло Пикассо с присущей ему изобретательностью преобразил свою новую возлюбленную Марию-Терезу Вальтер (возможно, придав ей облик мифической Дафны).
«Обнажённая, зелёные листья и бюст» изображает спящую Марию-Терезу рядом с бюстом, который Пикассо изваял с неё же. В 1936 году полотно приобрёл нью-йоркский дилер Поль Розенберг (Paul Rosenberg), после чего в 1951 году оно было продано в частное владение американскому девелоперу Сидни Ф. Броуди.
После смерти Броуди картина в марте 2010 года была выставлена на торги аукционным домом Кристис и впоследствии продана неизвестному коллекционеру за 106 482 500 долларов (включая премиальные аукционистов).На тот момент она стала самым дорогим произведением искусства из числа проданных когда-либо с аукциона.
13. Авиньонские девицы (1907)
"Авиньонские Девицы"
(Les Demoiselles d'Avignon) - одна из самых известных картин Пабло Пикассо, написанная художником в 1907-ом году и признанная в наши дни одной из самых влиятельных картин за всю историю живописи.
Опередившая свое время, не принятая даже коллегами художника, вызывающая до сих пор крайне противоречивые чувства - картина Пикассо "Авиньонские девы" открыла собой совершенное новое в мировом искусстве направление - кубизм.
14. Герника (1937)
Герника - одна из самых известных картин Пабло Пикассо, написанная художником в период с мая по июнь 1937 года и принадлежащая ныне коллекции Музея королевы Софии в Мадриде. Название картины является прямой отсылкой к бомардировке баскского города Герника силами немецкого легиона "Кондор" 26 апреля 1937 во время гражданской войны в Испании.
Картина была заказана Пикассо правительством Второй Испанской республики для экспонирования в испанском павильоне во время Международной выставки 1937 года в Париже с целью привлечь внимание публики к бедственному положению республиканцев.
В 1940-х годах, когда в Испании была установлена военная диктатура генерала Франко, Пабло Пикассо предпочел оставить картину в Музее современного искусства в Нью-Йорке, выразив при этом намерение вернуть "Гернику" в Испанию лишь после того, как в стране будет восстановлен демократический строй.
15. Девочка на шаре (1905)
Картина "Девочка на шаре" была написана Пабло Пикассо в 1905-ом году и знаменовала собой окончательную победу "розового над голубым" и оптимизма над меланхолией, которой проникнуты все работы Пикассо "голубого периода".
В 1913-ом "Девочка на шаре" была приобретена Морозовым, а после революции и, соотвественно, национализации попала, в конце концов, в Государственный музей имени Пушкина, где, к счастью, пребывает и поныне.
К "счастью", потому что "Девочка на шаре" - потрясающая вещь, величайший шедевр из всех созданных Пикассо за более чем длительную карьеру художника. Можно восхищаться творчеством гениального художника из Малаги - или, напротив, ненавидеть его, считая Пикассо непревзойденным жуликом от искусства, который возвел уродство в абсолют и заставил ему поклоняться.
16. Автопортрет (1901)
Пикассо, подобно Эль Греко и Винсенту Ван Гогу - своим прославленным предшественникам в этом жанре, или Сальвадору Дали (своему, в некотором роде, последователю) всегда питал особое пристрастие к жанру автопортрета: взглянув на свое я, остановленное в определенном моменте прошлого, можно лучше понять себя настоящего.
Этот автопортрет, написанный во время его второго пребывания в Париже зимой 1901 года, стал концом серии и положил начало "Голубому периоду" в творчестве художника. В январе 1902-го Пикассо вернулся в Барселону.
Пикассо тогда было всего двадцать лет, однако на портрете он выглядит значительно старше. Его лицо измождено голодом, личными невзгодами и промозглым климатом парижской зимы.
Текст: Барселона- Экскурс-гиды и экскурсии в Барселоне