Найти тему
Русская и мировая живопись

Выдающийся французский художник Жан-Франсуа Милле и его вклад в историю искусства

Жан-Франсуа Милле (1814-1875) - французский живописец и одна из важнейших фигур Барбизонской школы, группы французских художников, которая стремились запечатлеть красоту сельской жизни.

Жан-Франсуа Милле: автопортрет, 1940
Жан-Франсуа Милле: автопортрет, 1940

Больше всего он известен своими картинами, изображающими сельские сцены, которые он писал с большим вниманием к повседневной жизни крестьян.

Жан-Франсуа Милле: Весна (Дафнис и Хлоя), 1865, холст, масло
Жан-Франсуа Милле: Весна (Дафнис и Хлоя), 1865, холст, масло

Жан-Франсуа Милле: Весна, 1868, х.м.
Жан-Франсуа Милле: Весна, 1868, х.м.

Милле родился в маленькой деревушке Груши в Нормандии. Он был сыном фермера и с юных лет привык к тяжелому труду на ферме и простой красоте окружающего сельского пейзажа.

Жан-Франсуа Милле: Пастушка гусей, 1866
Жан-Франсуа Милле: Пастушка гусей, 1866

Его отец ценил музыку и красоту природы, он показывал мальчику травинку и говорил: "Посмотри, как это красиво". Милле был любимцем его бабушки, и она привила ему любовь к чтению и глубокую духовность. Он посещал местную школу, где изучал латынь. Его восприимчивость жизни сформировалась благодаря работе в деревне, о чем он говорил:

"С тех пор, как я родился, я никогда не видел ничего, кроме полей, и стараюсь как можно лучше передать то, что я видел и чувствовал, когда был на работе".
Жан-Франсуа Милле: Нормандская доярка в Гревиле, 1871
Жан-Франсуа Милле: Нормандская доярка в Гревиле, 1871

Его любовь к искусству проявилась в раннем возрасте, и родители поощряли его следовать своему увлечению. В возрасте 18 лет он переехал в Шербур изучать искусство, а в 1837 году он был отправлен в Париж и поступил в Школу изящных искусств в качестве ученика знаменитого художника-историка Поля Делароша (1797-1856).

Жан-Франсуа Милле: Женщина, вышивающая при свете лампы, 1870
Жан-Франсуа Милле: Женщина, вышивающая при свете лампы, 1870

Жан-Франсуа Милле: Портрет Полин Оно в синем, 1842
Жан-Франсуа Милле: Портрет Полин Оно в синем, 1842

В 1841 году он женился на Полин-Виржини Оно. Когда в 1844 году жена умерла от туберкулеза, а его работы были отклонены Парижским Салоном, Милле вернулся на семейную ферму.

Жан-Франсуа Милле: мадам Ж.-Ф. Милле (Катрин Лемер),1848, карандаш, бумага
Жан-Франсуа Милле: мадам Ж.-Ф. Милле (Катрин Лемер),1848, карандаш, бумага

В 1845 году у Милле завязались отношения с Катрин Лемер, молодой женщиной, работавшей домашней прислугой, и на следующий год у них родился первый ребенок, дочь. Под влиянием возрождения интереса к искусству рококо и в надежде на художественный успех он начал писать композиции в романтическом стиле.

Жан-Франсуа Милле: Диана отдыхает, 1845
Жан-Франсуа Милле: Диана отдыхает, 1845

"Нимфы, отдыхающие в лесу" Жана-Франсуа Милле , 1846, масло, панно из красного дерева
"Нимфы, отдыхающие в лесу" Жана-Франсуа Милле , 1846, масло, панно из красного дерева

Эротический оттенок сюжетов новых работ и связь с Лемер обострили отношения с его религиозной семьей, и в 1849 году он переехал с Лемер в Гавр, а затем в Париж.

В Париже он подружился с художниками Теодором Руссо, Констаном Труайоном, Нарциссом Диасом де ла Пена и Шарлем Жаком, с которыми позже основал Барбизонскую школу. Милле продолжал бороться за формирование своего собственного художественного стиля, продолжая при этом работать в устоявшихся на тот период времени стилях. Он показал историческую работу "Пленение евреев в Вавилоне" в Салоне 1848 года, где работа была воспринята негативно. Милле начал страдать от приступов офтальмологической мигрени и ревматизма, которые будут преследовать его всю жизнь.

Жан-Франсуа Милле: Сеятель, 1850.  Холст, масло. Музей изящных искусств Бостона Длинноногий мужчина с мешком семян на груди шагает по первому плану холста, разбрасывая правой рукой пригоршни семян. Слева за его спиной кружит стая ворон, а справа вдалеке, виден человек за плугом, который гонит свою упряжку волов, подготавливая почву для посадки урожая.                     На Салоне 1850-1851 годов картину одновременно хвалили и критиковали. В то время как искусствовед Клемент де Рис назвал её "энергичным этюдом, полным движения", критик Теофиль Готье описал её как "соскоб, сделанный мастерком". Американский поэт Уолт Уитмен восхвалял её "возвышенную мрачность и изначальную сдерживаемую ярость" и видел в ней прототип Творческого человека, сеющего семена новой эпохи. Мускулистый и героический, как фигуры Микеланджело, и возвышающийся над пейзажем подобно гигантам Гойи, этот человек занимает большую часть переднего плана, доминируя на холсте. Историк искусства Антея Каллен отметила: "Милле намеренно превратил своего крестьянина в мускулистого гиганта, удлинив его пропорции...Таким образом, легко объяснимо его угрожающее появление перед парижской буржуазией в 1850 году, усиленное доминированием сеятеля в живописном пространстве и низкой точкой горизонта." Ощущение энергичного движения на картине подчеркивается множеством динамичных ракурсов, расходящихся от центральной фигуры. Маленькая фигурка, смутно вырисовывающаяся на залитом солнцем горизонте, отклоняется назад, и ее угловатая линия еще больше подчеркивает движение. Расположение убывающего дневного света позади сеятеля подчеркивает затененность переднего плана. Его глаза скрыты шляпой, одежда грязная от работы, а вороны кружат за ним, выклевывая семена и сводя на нет все его усилия, - все это создает ощущение, что он "обычный человек", пытающийся убежать от сгущающейся темноты.
Жан-Франсуа Милле: Сеятель, 1850. Холст, масло. Музей изящных искусств Бостона Длинноногий мужчина с мешком семян на груди шагает по первому плану холста, разбрасывая правой рукой пригоршни семян. Слева за его спиной кружит стая ворон, а справа вдалеке, виден человек за плугом, который гонит свою упряжку волов, подготавливая почву для посадки урожая. На Салоне 1850-1851 годов картину одновременно хвалили и критиковали. В то время как искусствовед Клемент де Рис назвал её "энергичным этюдом, полным движения", критик Теофиль Готье описал её как "соскоб, сделанный мастерком". Американский поэт Уолт Уитмен восхвалял её "возвышенную мрачность и изначальную сдерживаемую ярость" и видел в ней прототип Творческого человека, сеющего семена новой эпохи. Мускулистый и героический, как фигуры Микеланджело, и возвышающийся над пейзажем подобно гигантам Гойи, этот человек занимает большую часть переднего плана, доминируя на холсте. Историк искусства Антея Каллен отметила: "Милле намеренно превратил своего крестьянина в мускулистого гиганта, удлинив его пропорции...Таким образом, легко объяснимо его угрожающее появление перед парижской буржуазией в 1850 году, усиленное доминированием сеятеля в живописном пространстве и низкой точкой горизонта." Ощущение энергичного движения на картине подчеркивается множеством динамичных ракурсов, расходящихся от центральной фигуры. Маленькая фигурка, смутно вырисовывающаяся на залитом солнцем горизонте, отклоняется назад, и ее угловатая линия еще больше подчеркивает движение. Расположение убывающего дневного света позади сеятеля подчеркивает затененность переднего плана. Его глаза скрыты шляпой, одежда грязная от работы, а вороны кружат за ним, выклевывая семена и сводя на нет все его усилия, - все это создает ощущение, что он "обычный человек", пытающийся убежать от сгущающейся темноты.

Вспышка холеры в Париже в сочетании с волнениями Февральской революции 1848 года побудили Милле перевезти Лемер и их троих детей в Барбизон, где он присоединился к своим друзьям-художникам в создании Барбизонской школы. Его семья поселилась в фермерском доме, который стал их постоянным местом жительства.

Жан-Франсуа Милле: Одуванчики, 1867, пастель на тканой бумаге
Жан-Франсуа Милле: Одуванчики, 1867, пастель на тканой бумаге

Жан-Франсуа Милле: Первые шаги, 1858, пастель
Жан-Франсуа Милле: Первые шаги, 1858, пастель

В своих письмах Милле часто писал о своих проблемах со здоровьем и беспокойстве по поводу денег, написав в какой-то момент:

"Я действительно не знаю, как мне выполнять свои обязательства и продолжать жить".

Милле всю свою жизнь боролся с бедностью, пытаясь избежать встречи с кредиторами и судебными приставами. Беспокоясь о том, как раздобыть самое необходимое, все утро он занимался сельским хозяйством, а после обеда рисовал, так что чувствовал себя, по его словам, "обреченным на бесконечную каторгу".

Жан-Франсуа Милле: Крестьяне приносят домой теленка, родившегося в поле, 1864
Жан-Франсуа Милле: Крестьяне приносят домой теленка, родившегося в поле, 1864

Жан-Франсуа Милле: Материнская забота, 1855, черным мелом на бумаге
Жан-Франсуа Милле: Материнская забота, 1855, черным мелом на бумаге

Жан-Франсуа Милле: Женщина и ребенок (Тишина), 1855
Жан-Франсуа Милле: Женщина и ребенок (Тишина), 1855

В 1853 году Милле женился на Катрин Лемер, и в итоге у них родилось девять детей.

Жан-Франсуа Милле: Сборщицы колосьев, 1857 Три крестьянки собирают колосья пшеницы после того, что осталось в конце дня сбора урожая, когда вокруг них начинают сгущаться вечерние тени. На заднем плане видны  запряженная лошадьми повозка, груженная пшеницей, стога сена, снопы пшеницы, человек верхом на лошади, деревня и большая толпа работников. Всё это изображает обилие урожая. Во времена Милле французские фермеры, следуя библейскому предписанию, оставляли на полях колосья (или остатки урожая зерновых), чтобы бедные женщины и дети могли на них прокормиться. На переднем плане полотна изображены сборщицы Милле. Ужасающая бедность крестьянских женщин, очевидная в их грубой, простой одежде, и изнурительный труд по сбору колосьев являются современным воплощением библейского указания. Картина, показанная на Салоне 1857 года, подверглась критике за изображение сельской бедности. Один из рецензентов сказал: "Эти невзрачные пугала, расставленные в поле: уродство и вульгарность Милле не приносят облегчения". В картине доминируют фигуры трех женщин. Руки, опущенные к земле, подчеркнутые линии плеч и спин передают напряжение от тяжелой работы. Каждая женщина изображена занятой определенным делом: одна ищет рассыпанные по земле колосья, другая собирает их, а третья связывает воедино. Их лица скрыты, что наводит на мысль о некоей однородной анонимности, а не индивидуальности. Как и в случае с Сеятелями, эта анонимность позволяет представить всех обнищавших крестьян Франции, а не только этих женщин. Контраст между удлиняющимися тенями вокруг женщин и освещенным фоном, на котором празднуют сборщики урожая, подчеркивает разницу между бедностью и изобилием. Остатки зерна, разбросанные по земле, сверкают, как драгоценные камни, на фоне тусклого цвета почвы, но зритель не может не понимать, насколько они скудны на самом деле и сколько усилий приходится прилагать женщинам, чтобы просто жить. Несмотря на это, Mилле придает им определенное достоинство. Несмотря на монотонность своей работы, они проявляют спокойную силу духа, и, несмотря на простоту одежды, их фигуры крепки, они привыкли к суровой трудовой жизни.
Жан-Франсуа Милле: Сборщицы колосьев, 1857 Три крестьянки собирают колосья пшеницы после того, что осталось в конце дня сбора урожая, когда вокруг них начинают сгущаться вечерние тени. На заднем плане видны запряженная лошадьми повозка, груженная пшеницей, стога сена, снопы пшеницы, человек верхом на лошади, деревня и большая толпа работников. Всё это изображает обилие урожая. Во времена Милле французские фермеры, следуя библейскому предписанию, оставляли на полях колосья (или остатки урожая зерновых), чтобы бедные женщины и дети могли на них прокормиться. На переднем плане полотна изображены сборщицы Милле. Ужасающая бедность крестьянских женщин, очевидная в их грубой, простой одежде, и изнурительный труд по сбору колосьев являются современным воплощением библейского указания. Картина, показанная на Салоне 1857 года, подверглась критике за изображение сельской бедности. Один из рецензентов сказал: "Эти невзрачные пугала, расставленные в поле: уродство и вульгарность Милле не приносят облегчения". В картине доминируют фигуры трех женщин. Руки, опущенные к земле, подчеркнутые линии плеч и спин передают напряжение от тяжелой работы. Каждая женщина изображена занятой определенным делом: одна ищет рассыпанные по земле колосья, другая собирает их, а третья связывает воедино. Их лица скрыты, что наводит на мысль о некоей однородной анонимности, а не индивидуальности. Как и в случае с Сеятелями, эта анонимность позволяет представить всех обнищавших крестьян Франции, а не только этих женщин. Контраст между удлиняющимися тенями вокруг женщин и освещенным фоном, на котором празднуют сборщики урожая, подчеркивает разницу между бедностью и изобилием. Остатки зерна, разбросанные по земле, сверкают, как драгоценные камни, на фоне тусклого цвета почвы, но зритель не может не понимать, насколько они скудны на самом деле и сколько усилий приходится прилагать женщинам, чтобы просто жить. Несмотря на это, Mилле придает им определенное достоинство. Несмотря на монотонность своей работы, они проявляют спокойную силу духа, и, несмотря на простоту одежды, их фигуры крепки, они привыкли к суровой трудовой жизни.

Жан-Франсуа Милле: Ангелус, 1857        Пожалуй, самая известная работа Милле "Ангелус" изображает мужчину и женщину, стоящих на переднем плане со склоненными головами, мужчина держит в руках шляпу, а женщина молитвенно складывает ладони. Вилы мужчины воткнуты в землю рядом с ним, а позади женщины стоит небольшая тележка с мешками собранного картофеля. Корзина с картофелем стоит на земле между супругами, и картофелины рассыпаны по земле у их ног. Солнце садится, но вдалеке, там где видны колокольня церкви и часть деревни, небо все еще освещено дневным светом. Простота и благочестие картины завораживают зрителей                        В римско-католических деревнях того времени церковные колокола звонили три раза в день: в 6 утра, в полдень и в 6 часов вечера, призывая к молитве (называемой «Angelus Domini», что означает «Ангел Господень»), и именно в этот момент супружеская пара прекратила свою работу, чтобы помолиться. В их фигурах видно некое спокойное достоинство. Одежда и опущенные плечи наводят на мысль о том, что их жизнь полна земного труда.                                              Композиционно "Ангелус" выполнен в уже знакомом нам формате: главный объект расположен на переднем плане картинной плоскости, в то время как вспомогательные элементы расположены на дальнем плане, а между ними почти ничего нет. Как и в случае с другими картинами Милле, такая композиционная стратегия напоминает работы итальянского Ренессанса.
Жан-Франсуа Милле: Ангелус, 1857 Пожалуй, самая известная работа Милле "Ангелус" изображает мужчину и женщину, стоящих на переднем плане со склоненными головами, мужчина держит в руках шляпу, а женщина молитвенно складывает ладони. Вилы мужчины воткнуты в землю рядом с ним, а позади женщины стоит небольшая тележка с мешками собранного картофеля. Корзина с картофелем стоит на земле между супругами, и картофелины рассыпаны по земле у их ног. Солнце садится, но вдалеке, там где видны колокольня церкви и часть деревни, небо все еще освещено дневным светом. Простота и благочестие картины завораживают зрителей В римско-католических деревнях того времени церковные колокола звонили три раза в день: в 6 утра, в полдень и в 6 часов вечера, призывая к молитве (называемой «Angelus Domini», что означает «Ангел Господень»), и именно в этот момент супружеская пара прекратила свою работу, чтобы помолиться. В их фигурах видно некое спокойное достоинство. Одежда и опущенные плечи наводят на мысль о том, что их жизнь полна земного труда. Композиционно "Ангелус" выполнен в уже знакомом нам формате: главный объект расположен на переднем плане картинной плоскости, в то время как вспомогательные элементы расположены на дальнем плане, а между ними почти ничего нет. Как и в случае с другими картинами Милле, такая композиционная стратегия напоминает работы итальянского Ренессанса.

Жан-Франсуа Милле: Овчарня, Лунный свет, 1856-1860. В этой картине стадо овец толпится вокруг овчарни, некоторые из них уже загнаны в загон, в то время как пастух, держа свой посох, подталкивает других к воротам. Позади него две его собаки ждут, готовые прийти на помощь. Хижина пастуха выделяется на фоне ночного неба, а огромная луна в три четверти висит прямо над горизонтом, освещая ночь, позволяя ему заниматься своей работой. На этой картине изображена равнина между Барбизоном и Шантийи. Картина пронизана ощущением таинственности. Возникают романтические представления о пастухе как о фигуре Христа, ведущего свое стадо в безопасное место. Милле сказал: "О, как бы я хотел, чтобы те, кто увидит мою работу, почувствовали великолепие и ужасы ночи! Нужно уметь заставить людей услышать песни, тишину и шепот воздуха. Они должны почувствовать бесконечность".                      Взгляд зрителя направлен вглубь композиции на луну, которая является центральной точкой, а темная, сдержанная палитра позволяет яркой луне сильно контрастировать с остальными элементами композиции. Темные облака и затененные овцы выступают в качестве рамок, обрамляющих сцену сверху и снизу, в то время как фигура человека и пастушья хижина делают то же самое по бокам, по сути, направляя взгляд зрителя к пастуху, а от него - к Луне, на которую направлен его взгляд.
Жан-Франсуа Милле: Овчарня, Лунный свет, 1856-1860. В этой картине стадо овец толпится вокруг овчарни, некоторые из них уже загнаны в загон, в то время как пастух, держа свой посох, подталкивает других к воротам. Позади него две его собаки ждут, готовые прийти на помощь. Хижина пастуха выделяется на фоне ночного неба, а огромная луна в три четверти висит прямо над горизонтом, освещая ночь, позволяя ему заниматься своей работой. На этой картине изображена равнина между Барбизоном и Шантийи. Картина пронизана ощущением таинственности. Возникают романтические представления о пастухе как о фигуре Христа, ведущего свое стадо в безопасное место. Милле сказал: "О, как бы я хотел, чтобы те, кто увидит мою работу, почувствовали великолепие и ужасы ночи! Нужно уметь заставить людей услышать песни, тишину и шепот воздуха. Они должны почувствовать бесконечность". Взгляд зрителя направлен вглубь композиции на луну, которая является центральной точкой, а темная, сдержанная палитра позволяет яркой луне сильно контрастировать с остальными элементами композиции. Темные облака и затененные овцы выступают в качестве рамок, обрамляющих сцену сверху и снизу, в то время как фигура человека и пастушья хижина делают то же самое по бокам, по сути, направляя взгляд зрителя к пастуху, а от него - к Луне, на которую направлен его взгляд.

Жан-Франсуа Милле: Человек с мотыгой, 1862 Человек с мотыгой - полевой рабочий, который наклоняется, явно уставший от своих трудов, положив руки на мотыгу. Его одежда грубая и грязная, лицо изможденное, он безучастно смотрит вдаль. Траншея, которую он выкапывал, проходит от центрального края переднего плана, огибает его сзади, уводя взгляд зрителя вдаль, где на земле сложены его куртка и шляпа, и еще дальше туда, где другие рабочие сжигают кучи кустарника на уже расчищенных полях. На Парижском салоне 1862 года и публика, и критики негативно отнеслись к работе с фигурой пугающего, жестокого великана, рассматривая картину как социальный протест крестьян. Милле, казалось, предвидел реакцию на свою работу, когда написал: "Человек с мотыгой поставит меня в неловкое положение из-за множества людей, которым не нравится, когда их просят созерцать другой мир".                                    Контраст переднего плана, усеянного камнями и чертополохом, с зеленым и плодородным полем вдалеке говорит о трудностях возделывания земли. Мужчина измотан, его ноги, обутые в грубые деревянные башмаки, повернуты под углом, так что зритель может видеть, как он налегает на мотыгу всем своим весом. Его лицо, устремленное вдаль, наводит на мысль о том, насколько утомительна такая работа. Траншея, которую он прокладывает, уходит вдаль, привлекая внимание зрителя к зеленому полю, которое в конечном итоге станет наградой. Милле писал: "Неужели работа, которую выполняют эти люди, - это тот бесполезный труд, о котором некоторые люди хотели бы нас уверить? Во всяком случае, для меня это передает истинное достоинство, настоящую поэзию человеческой расы".    Милле использует в своей живописи ряд приемов, чтобы донести свое сочувственное послание о достоинстве человеческого труда. Изображенный на нем человек занимает большую часть переднего плана, и, хотя его поза говорит об усталости, мотыга, на которую он опирается, создает пирамидальное расположение - композиционный элемент, который подразумевает стабильность, равновесие и силу. Милле усиливает ощущение силы, удерживая линию горизонта ниже центра холста. Таким образом, мужчина возвышается на картинной плоскости, усиливая впечатление от его роста и, как жаловались некоторые зрители, создавая ощущение устрашения. Фигура окружена открытым пространством; никакие другие объекты не конкурируют с ней, чтобы не ослабить ощущение ее роста. В результате создается ощущение героической силы и благородства, проявляющихся в напряженной работе. Такие приемы не были новинкой в искусстве и с большим успехом использовались художниками эпохи Возрождения, включая Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. Как и на многих других картинах в творчестве Милле, его палитра состоит из простых вариаций локальных цветов. Использование Милле атмосферной перспективы делает фоновые цвета более светлыми и разбавленными, чем на переднем плане. Небо у него туманно-голубое с лавандовыми оттенками, словно из-за тонкого облачного покрова, а источник света виден слева, отбрасывающий тень на правую сторону фигуры. Как и на других картинах Милле, черты лица обобщены, хотя зрители в основном жаловались на то, что он выглядит грубым и властным, а не героическим.
Жан-Франсуа Милле: Человек с мотыгой, 1862 Человек с мотыгой - полевой рабочий, который наклоняется, явно уставший от своих трудов, положив руки на мотыгу. Его одежда грубая и грязная, лицо изможденное, он безучастно смотрит вдаль. Траншея, которую он выкапывал, проходит от центрального края переднего плана, огибает его сзади, уводя взгляд зрителя вдаль, где на земле сложены его куртка и шляпа, и еще дальше туда, где другие рабочие сжигают кучи кустарника на уже расчищенных полях. На Парижском салоне 1862 года и публика, и критики негативно отнеслись к работе с фигурой пугающего, жестокого великана, рассматривая картину как социальный протест крестьян. Милле, казалось, предвидел реакцию на свою работу, когда написал: "Человек с мотыгой поставит меня в неловкое положение из-за множества людей, которым не нравится, когда их просят созерцать другой мир". Контраст переднего плана, усеянного камнями и чертополохом, с зеленым и плодородным полем вдалеке говорит о трудностях возделывания земли. Мужчина измотан, его ноги, обутые в грубые деревянные башмаки, повернуты под углом, так что зритель может видеть, как он налегает на мотыгу всем своим весом. Его лицо, устремленное вдаль, наводит на мысль о том, насколько утомительна такая работа. Траншея, которую он прокладывает, уходит вдаль, привлекая внимание зрителя к зеленому полю, которое в конечном итоге станет наградой. Милле писал: "Неужели работа, которую выполняют эти люди, - это тот бесполезный труд, о котором некоторые люди хотели бы нас уверить? Во всяком случае, для меня это передает истинное достоинство, настоящую поэзию человеческой расы". Милле использует в своей живописи ряд приемов, чтобы донести свое сочувственное послание о достоинстве человеческого труда. Изображенный на нем человек занимает большую часть переднего плана, и, хотя его поза говорит об усталости, мотыга, на которую он опирается, создает пирамидальное расположение - композиционный элемент, который подразумевает стабильность, равновесие и силу. Милле усиливает ощущение силы, удерживая линию горизонта ниже центра холста. Таким образом, мужчина возвышается на картинной плоскости, усиливая впечатление от его роста и, как жаловались некоторые зрители, создавая ощущение устрашения. Фигура окружена открытым пространством; никакие другие объекты не конкурируют с ней, чтобы не ослабить ощущение ее роста. В результате создается ощущение героической силы и благородства, проявляющихся в напряженной работе. Такие приемы не были новинкой в искусстве и с большим успехом использовались художниками эпохи Возрождения, включая Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. Как и на многих других картинах в творчестве Милле, его палитра состоит из простых вариаций локальных цветов. Использование Милле атмосферной перспективы делает фоновые цвета более светлыми и разбавленными, чем на переднем плане. Небо у него туманно-голубое с лавандовыми оттенками, словно из-за тонкого облачного покрова, а источник света виден слева, отбрасывающий тень на правую сторону фигуры. Как и на других картинах Милле, черты лица обобщены, хотя зрители в основном жаловались на то, что он выглядит грубым и властным, а не героическим.

Жан-Франсуа Милле: Пастушка со своим стадом, 1863
Жан-Франсуа Милле: Пастушка со своим стадом, 1863

После Салона 1864 года, где его картина "Пастушка со своим стадом" была встречена благосклонно, он начал испытывать определенный успех. В 1867 году он выставил девять картин на Всемирной выставке в Париже, а в 1868 году Милле был награжден орденом Почетного легиона. Однако из-за начавшейся франко-прусской войны ему снова угрожали беспорядки, и он со своей семьей нашел убежище в Шербуре, где он оставался до 1871 года и где его творчество было сосредоточено на пейзажах.

Жан-Франсуа Милле: Скалы Гревиля, 1871        На картине, изображающей суровую красоту нормандского побережья, изображен вид на океан со скал Гревиль, их зеленовато-коричневые склоны и океан, разбивающийся о скалистый берег, освещенный солнечным светом с затянутого золотой дымкой неба.      Во время франко-прусской войны в 1870 году Милле вернулся домой, на семейную ферму в Шербуре, на северном побережье Франции, где написал этот береговой пейзаж Ла-Манша, который он писал много раз на протяжении своей карьеры. Вся композиция передает ощущение скрытого напряжения. Непрерывное движение волн взад-вперед, разбивающихся о скалистую береговую линию, которая начинается в правом нижнем углу переднего плана и проходит волнообразно по большей части центральной части полотна, где наконец, сливается с далеким горизонтом. Тем не менее, несмотря на все ощущение движения, асимметричные сегменты настолько идеально сбалансированы, что композиция не превращается в хаос. Живописный стиль Милле на данный момент включает в себя свободную, жестикулирующую манеру письма, очень похожую на импрессионистскую манеру Моне и работы Ван Гога. Художник использовал графит и чернила, чтобы подчеркнуть определенные аспекты своего пейзажа: скалистую береговую линию, различные плоскости тени на валунах и скалистом склоне, а также высоко на горизонте.
Жан-Франсуа Милле: Скалы Гревиля, 1871 На картине, изображающей суровую красоту нормандского побережья, изображен вид на океан со скал Гревиль, их зеленовато-коричневые склоны и океан, разбивающийся о скалистый берег, освещенный солнечным светом с затянутого золотой дымкой неба. Во время франко-прусской войны в 1870 году Милле вернулся домой, на семейную ферму в Шербуре, на северном побережье Франции, где написал этот береговой пейзаж Ла-Манша, который он писал много раз на протяжении своей карьеры. Вся композиция передает ощущение скрытого напряжения. Непрерывное движение волн взад-вперед, разбивающихся о скалистую береговую линию, которая начинается в правом нижнем углу переднего плана и проходит волнообразно по большей части центральной части полотна, где наконец, сливается с далеким горизонтом. Тем не менее, несмотря на все ощущение движения, асимметричные сегменты настолько идеально сбалансированы, что композиция не превращается в хаос. Живописный стиль Милле на данный момент включает в себя свободную, жестикулирующую манеру письма, очень похожую на импрессионистскую манеру Моне и работы Ван Гога. Художник использовал графит и чернила, чтобы подчеркнуть определенные аспекты своего пейзажа: скалистую береговую линию, различные плоскости тени на валунах и скалистом склоне, а также высоко на горизонте.

Жан-Франсуа Милле: "Птичьи гнезда", 1874, х.м. Последняя работа Милле, которую иногда называют "Охота на ночных птиц", изображает четырех человек, отправившихся охотиться на диких голубей, которые стаей собираются на деревьях с наступлением темноты. Две фигуры, одна из которых повернута к зрителю, а другая - к деревьям, используют факел, чтобы спугнуть птиц, а затем бегают вокруг, сбивая голубей дубинками в воздухе. Тот, кто стоит лицом к зрителю, несет на спине большую охапку сена для факела, чтобы он горел. Тем временем еще две фигуры возятся на земле, собирая упавших птиц. Лес создает темно-зеленый фон для жутковатой сцены с ярко освещенными птицами, неистово летающими во всех направлениях. Столь отличающийся своей неистовой энергией от сдержанности в большинстве его ранних картин, Милле, возможно, создал эту работу, основываясь на ранних воспоминаниях об историях голубиной охоты. Почти импрессионистский, по своей манере исполнения, эффект света от горящего факела на птицах создает ощущение взрывного движения. Свободные, энергичные мазки кисти могут напомнить зрителю о работах английского художника-натуралиста Джона Констебла. Но в целом его эффект ближе к абстрактному экспрессионизму по своей эмоциональной и физической интенсивности, визуальному изображению своего рода первобытного безумия, которое повлияло на более поздних художников, особенно на художников-экшен (так называемое движение тахизма во Франции).
Жан-Франсуа Милле: "Птичьи гнезда", 1874, х.м. Последняя работа Милле, которую иногда называют "Охота на ночных птиц", изображает четырех человек, отправившихся охотиться на диких голубей, которые стаей собираются на деревьях с наступлением темноты. Две фигуры, одна из которых повернута к зрителю, а другая - к деревьям, используют факел, чтобы спугнуть птиц, а затем бегают вокруг, сбивая голубей дубинками в воздухе. Тот, кто стоит лицом к зрителю, несет на спине большую охапку сена для факела, чтобы он горел. Тем временем еще две фигуры возятся на земле, собирая упавших птиц. Лес создает темно-зеленый фон для жутковатой сцены с ярко освещенными птицами, неистово летающими во всех направлениях. Столь отличающийся своей неистовой энергией от сдержанности в большинстве его ранних картин, Милле, возможно, создал эту работу, основываясь на ранних воспоминаниях об историях голубиной охоты. Почти импрессионистский, по своей манере исполнения, эффект света от горящего факела на птицах создает ощущение взрывного движения. Свободные, энергичные мазки кисти могут напомнить зрителю о работах английского художника-натуралиста Джона Констебла. Но в целом его эффект ближе к абстрактному экспрессионизму по своей эмоциональной и физической интенсивности, визуальному изображению своего рода первобытного безумия, которое повлияло на более поздних художников, особенно на художников-экшен (так называемое движение тахизма во Франции).

Картины Милле характеризуются сочетанием реализма и романтизированной идеализации сельской жизни. На его работах часто изображены сцены, в которых крестьяне работают в поле или просто занимаются своей повседневной жизнью. Он писал религиозные сцены, в том числе знаменитый “Ангелус”, на котором изображены мужчина и женщина, склонившие головы в молитве.

Жан-Франсуа Милле: Перелёт диких гусей,  1862, пастель
Жан-Франсуа Милле: Перелёт диких гусей, 1862, пастель

Жан-Франсуа Милле: Полуденный отдых, 1866, пастель
Жан-Франсуа Милле: Полуденный отдых, 1866, пастель

Жан-Франсуа Милле: Новорожденный ягненок, 1866, пастель и черный карандаш "Конте" на бежевой тканой бумаге
Жан-Франсуа Милле: Новорожденный ягненок, 1866, пастель и черный карандаш "Конте" на бежевой тканой бумаге

Жан-Франсуа Милле: Скалы Гревиля, 1871, пастель
Жан-Франсуа Милле: Скалы Гревиля, 1871, пастель

Работы Милле оказали большое влияние на многих художников последующих поколений, включая импрессионистов, которые восхищались его способностью запечатлевать красоту повседневной жизни. Картины Милле выставлены во многих крупнейших художественных галереях мира, в том числе в парижском Лувре и Музее Метрополитен в Нью-Йорке. Он считается одним из самых выдающихся художников 19-го века. Его работы продолжают и в настоящее время вдохновлять художников и оказывать на них свое влияние.

🎨 Если статья была вам интересна, то прошу поставить лайк или написать комментарий. Мне хотелось бы узнать ваше мнение.