В государственном музее изобразительных искусств имени А.С.Пушкина (ГМИИ), или, накоротке, в Пушкинском музее,собрана интересная коллекция итальянской живописи XVII-XVIII веков. Именно картины этой эпохи представлены в обновленном зале на втором этаже в Главном здании.
Сразу оговорюсь, что скоро экспозиция претерпит серьезные изменения: вокруг Пушкинского строится музейный городок и в новых и отреставрированных зданиях более полно будут представлены шедевры живописи, в том числе и итальянской. На свет ( я надеюсь) извлекут те картины, которые сейчас находятся в запасниках. Но это все года через четыре, не раньше.
А мы с вами будем готовиться: изучать, что есть сейчас , а потом наслаивать на эти знания новые .
Итак, поехали! Сначала XVII век.
На рубеже XVI и XVII веков в пределах Италии зародились свежие творческие идеи, начались интенсивные поиски новых средств образной выразительности. Именно в это время, в 1590-е годы, в Риме появились два художника, которые оказали огромное влияние на художественную жизнь Европы XVII столетия.
Это Аннибале Карраччи (1560-1609), который стал основоположником строгого и возвышенного академического искусства и Микеланджело Меризи да Караваджо (1573-1610), который первым решительно обратился к «низкой» натуре.Полотен этих художников нет в Пушкинском ( ах, какую они делали выставку Караваджо в 2012 году из музеев Италии), но есть их последователи.
Среди итальянских последователей Караваджо, представленных в музее, ближе всего к его творчеству картина художника Томмазо Салини (ок. 1575-1625) Коронование терниями.
Картина захватывает своим драматизмом, контрастами светотени, верностью натуре, желанием придать фигурам максимальную осязаемость. Имя этого художника лишь недавно стало известно науке, его творчество находится в процессе изучения.
Томмазо Салини, по всей видимости, были написаны фрукты в картине художника круга Бартоломео Манфреди (ок. 1582-1621) Продавец фруктов, где самому Манфреди принадлежит мужская фигура.
В натюрморте особо ощутимы выразительность пластической формы предметов, благородная сдержанность колорита, столь свойственные работам самого Караваджо.
Другое направление в итальянской живописи, пользовавшееся с середины XVII столетия большой популярностью в церковных и аристократических кругах, зародилось в Болонье, где художники из семейства Карраччи - Лодовико (1555-1619) и два его двоюродных брата Агостино (1557-1602) и Аннибале основали «Академию вступивших на правильный путь». Они проповедовали искусство строгое и возвышенное, следуя заветам ренессансных мастеров.
Учеником Лодовико Карраччи был Гвидо Рени.Живопись Рени яркий пример академизма ( от слова академия).В музее есть несколько его работ.
Картина написана на ветхозаветный сюжет. Сын патриарха Иакова,проданный старшими братьями в рабство, попал в Египет, где жена царедворца фараона Пентефрия попыталась соблазнить юношу, но была отвергнута и мстительно оклеветала его. Позы и жесты томящейся любовным чувством жены Пентефрия и удаляющегося целомудренного Иосифа на картине выразительны и в то же время сдержанны.
Картина Поклонение пастухов была создана художником в поздние годы жизни. Ее светлый колорит, уравновешенная композиция и миловидные образы свидетельствуют о внимательном изучении художником искусства Рафаэля. Эта картина пользовалась большой популярностью - классичность манеры, в которой исполнено произведение Гвидо Рени, привлекала его современников.
В коллекции музея есть прекрасная работа ученика Гвидо Рени-Симоне Кантарини Святое семейство с маленьким Иоанном Крестителем и святой Елизаветой. 1645-1648
Заветам академической теории следовал в своих поздних работах и Джованни Франческо Барбьери, прозванный Гверчино (1591-1666). Он был преемником Гвидо Рени в Болонье.
В классической манере написан Гверчино Св. Себастьян, исполненный около 1642 года для болонского аристократа Николо Лемми. Картина была воспета в стихах современником. Изображение отличают уверенный рисунок и тонкая манера письма. В позе юноши, пронзенного стрелой, скрыто страдание, художник стремится показать красоту его тела и наделить образ внутренней просветленностью.
Искусство Караваджо сыграло важную роль в формировании творчества художников, заложивших основы итальянского барокко в живописи, - Доменико Фетти и Бернардо Строцци. Уроженцы разных мест, они связали свою жизнь с Венецией, но были знакомы и с искусством голландских и фламандских современников.
Римлянин по рождению Доменико Фетти (1588-1623) сменил в 1613 году Рубенса в качестве придворного живописца мантуанского герцога. По всей видимости, в этот период им была написана картина Давид с головой Голиафа.
Герой Фетти не похож на образы художников Возрождения - его Давида отличает аристократизм и изящество позы. Он не торжествует, но ждет оценки своего поступка. Современный художнику костюм на победителе Голиафа, индивидуальность лица позволяют говорить о портрете одного из придворных.Барочную динамику вносят в портрет поворот фигуры, светотень и контраст лица Давида и мертвой головы великана.
Последователем Фетти был Бернардо Строцци (1581-1644). В юные годы он стал монахом в Генуе, но вышел из монастыря и, оставаясь прелатом, занимался инженерным делом, а затем, переселившись в Венецию (1630), всецело отдался живописи.
Картина Старая кокетка изображает сидящую перед зеркалом старуху, которая всматривается в свои увядшие черты, надеясь увидеть былую красоту. Ситуация доведена до гротеска: кокетка, держа в руках розу и флёрдоранж, выбирает между любовью и замужеством, а служанки смеются над своей госпожой. Но отражение в зеркале меняет тональность картины: тревожный взгляд старой женщины и остановившийся взгляд одной из служанок говорят о прозрении, о невозвратимости прожитого. Не исключено, что в основе картины лежит эпиграмма античного поэта Авзония, которого читали в XVII веке, где также фигурирует зеркало, атрибут Венеры. «Видеть, что я теперь, - не хочу, чем я была - не могу», - говорит, обращаясь к зеркалу, старуха у Авзония; не исключено также и воздействие на художника поэмы анонимного автора начала XVII века на близкий сюжет. Важную роль в картине Строцци играет натюрморт, он не только воссоздает реальную среду, но и заостряет образ. Розы, флёрдоранж, бархатцы, драгоценные камни и жемчуг - это символы любви и брака, а также бренности.
Картина была написана Строцци в Венеции. К венецианскому периоду творчества Строцци относится и картина Чудесное насыщение пятью хлебами и двумя рыбами.
Следуя Евангелию от Иоанна, художник изображает на переднем плане Христа, мальчика и апостола Андрея, а также других учеников, беседующих со Спасителем. Они с изумлением, скепсисом, подозрительностью, но и простодушной верой воспринимают готовность Христа накормить скудной пищей пять тысяч человек. Под влиянием живописи венецианцев красочная гамма Строцци стала более звучной, сильнее обозначилось чувственное начало его дарования, значительное место в картинах занял пейзаж.
Необычайного расцвета в искусстве Италии XVII века достигло направление, получившее название барокко. Термин «барокко» (в переводе - причудливый, странный) был введен учеными XIX столетия для обозначения определенного круга явлений художественной жизни Европы XVII века, однако иногда им объединяют все искусство этого столетия. Собственно барокко отразило важные стороны мироощущения, присущего тому времени. Оно полно динамики: мир предстал перед людьми той эпохи безграничным, в драматизме исторических коллизий, охваченным непрерывным движением и изменением. Человек явился в искусстве барокко в противоречиях своей природы, в борении страстей и разума. Барочное искусство стремилось к вещественности и осязаемости, которые доводило до предела, пропитывало чувственностью, пронизывало страстью.
Представление о римском барокко могут дать произведения Пьетро Берретини, прозванного Пьетро Берретини да Кортона (1596-1669), живописца и архитектора, мастера больших декоративных ансамблей.
Картина Возвращение Агари написана на ветхозаветный сюжет, повествующий о том, как вернулась домой наложница патриарха Авраама, которая посмеялась над бесплодием его жены Сарры и была изгнана в пустыню, но вернулась по настоянию явившегося ей ангела.
Облик обеих героинь облагорожен и наделен идеальной красотой, Авраам предстает великодушным мужем. Идиллический сельский пейзаж как среда, где человеку возвращается его естественная сущность, стал определяющей темой пасторального жанра, зародившегося в Генуе.
Генуэзец Джованни Бенедетто Кастильоне, прозванный Грекетто (ок. 1609 - 1663/1665), был придворным живописцем в Мантуе. Он писал свои картины под влиянием поэзии своих современников, могучего таланта Рубенса и работ французского живописца Пуссена, которые он видел в Риме.
Картина Фавн и пастушка возвращает зрителя к вакхической теме. Но рядом с могучим потоком жизненной энергии Вакханалии Рубенса произведение Кастильоне кажется созерцательным, античные герои итальянского живописца существуют, а не действуют, целиком сливаясь со стихией цветущего лета и отдыхающей природы.
Живописную коллекцию дополняют мраморные скульптуры.Мастером барочного скульптурного портрета был флорентинец Джованни Баттиста Фоджини (1652-1725), учившийся в Риме.
Бюст кардинала Леопольдо Медичи (1617-1675) доносит облик мецената и ученого, защитника Галилея и одного из основателей Академии естествоиспытателей во Флоренции. Портрет был исполнен после смерти кардинала (ок. 1681). Не скрывая особенностей облика своей модели, скульптор динамикой движения головы и складок одеяния сообщает образу величавость и импозантность; виртуозной обработкой мрамора он добивается живописных эффектов.
Портрет Виттории делла Ровере изображает наследницу богатств последнего урбинского герцога из рода Ровере.
Лука Джордано Брак в Кане Галилейской. 1660 Холст, масло Неаполь, находившийся в XVII веке под властью испанцев, жил активной художественной жизнью. Здесь сложилась самостоятельная живописная школа. Многие годы в Неаполе провел испанец Джордано Хусепе де Рибера (1591-1652), оказавший влияние на итальянскую живопись. Выдающимся живописцем Неаполя был Бернардо Каваллино (1616-1656). Его своеобразное виртуозное мастерство сочетает динамику действия со строгой продуманностью композиции, четкой определенностью формы и холодной изысканностью цветовых сочетаний. Эти качества характеризуют его работу Изгнание Илиодора из храма, написанную на медной доске.
Сюжет заимствован из Ветхого Завета: сирийский вельможа Илиодор вознамерился присвоить казну Иерусалимского храма, но был изгнан оттуда явившимся ангелом.
С Неаполем связано также творчество Лука Джордано (1632-1705). Он был легок на подъем и постоянно переезжал из Неаполя в Рим, из Рима во Флоренцию, Венецию или Мадрид. С той же легкостью он вживался в манеру других художников и с необычной быстротой выполнял заказы, за что получил прозвище«fa presto» (скородел). Искусство Луки Джордано покоряет своей живописной свободой, декоративностью, чувственным очарованием.
Картина Аполлон и Марсий создана под воздействием искусства его учителя Джордано Хусепе де Риберы. Она подчеркнуто драматична в трактовке популярного сюжета и выделяется тяжелым, землистым колоритом, который нарушают красные пятна на окровавленном теле.
Чудо превращения воды в вино, совершенное Христом во время свадебного пира в Кане Галилейской, обретает под кистью Джордано характер красочной сцены, написанной в серебристой гамме и живописной манере Веронезе.
Среди живописцев рубежа XVII и XVIII веков выделяются фигуры болонского живописца Джузеппе Мария Креспи (1665-1747) и генуэзца Алессандро Маньяско (1667-1749). Знакомый не только с произведениями своих соотечественников, но и с искусством Рембрандта, Креспи стремился найти созвучие обыденного и возвышенного, обряда и быта, оттенков настроения и характерной детали.
Большая алтарная композиция Святое семейство была создана Креспи около 1712 года по заказу папского легата и коллекционера кардинала Оттобони. Она изображает Марию с Младенцем, св. Иосифа, Иоакима и Анну, Захарию с Елизаветой и маленьким Иоанном Крестителем. Участники сцены присутствуют при значительном событии - Младенец Иисус пытается прочесть на ленте, которую держит Мария, предсказание своей будущей крестной жертвы: «Eсcе Agnus Dei» - «Ce Агнец Божий». Весть эта порождает чувства у присутствующих - радость и сомнение, уверенность в пророчестве и благодарение Богу, душевное просветление. Св. Анна прижала палец к губам, призывая не нарушать возвышенной тишины момента. Фигуры выдают знание художником натуры, убедительно написана каждая деталь. Сложное движение светотени оттеняет эмоциональное звучание сцены.
Ведущее положение в итальянской живописи XVIII века заняла венецианская школа. «Столица Адриатики» жила интенсивной умственной, общественной и художественной жизнью. Дворцы и каналы, сокровища арсенала и библиотеки Сан Марко, непрерывные карнавалы привлекали к себе многочисленных путешественников, которые увозили с собой восхищение Венецией, произведения прославленных музыкантов и живописцев.
Воплощением венецианского искусства XVIII века стал Джованни Баттиста (Джанбаттиста) Тьеполо (1696-1770), первый президент Венецианской академии. Действие в произведениях Тьеполо разворачивается на фоне великолепной архитектуры, поражающей размахом и классической стройностью.
В 1758 году Джованни Баттиста Тьеполо на посту президента Венецианской академии сменил Джованни Баттиста Питтони (1687-1767), известный в Европе как автор эффектных, насыщенных действием декоративных панно. К их числу принадлежит и исполненное в поздний период жизни художника панно Смерть Софонисбы.
Картина входила в серию десюдепортов (декоративных вставок над дверью), была рассчитана на восприятие снизу, и потому фигуры изображены в сильном ракурсе, который сгущает драматизм сюжета - динамику действия, чрезмерность и патетику чувств.
Иную грань венецианского искусства XVIII века, близость творчества некоторых живописцев искусству рококо, а также свойственное столетию ироническое отношение к жизни раскрывают произведения Джованни Баттиста Крозато (ок.1685 - 1758), художника при дворе савойских правителей в Турине. Автор монументальных росписей, Крозато сравнительно редко обращался к станковой живописи.
Картина Нахождение Моисея иллюстрирует библейский рассказ о чудесном спасении будущего пророка, которого мать, дабы уберечь от смерти, оставила на берегу Нила, где младенца нашла дочь фараона. Сцена написана так, что напоминает событие в знакомом художнику светском обществе: современные художнику костюмы, как бы случайный поворот дочери фараона, оживление свиты, колыхание зонтика.
Наиболее значительный вклад художники Венеции внесли в формирование документального городского пейзажа XVIII века - ведуты. Венеция, ее дворцы и каналы, загородные усадьбы, а затем и многие европейские города стали предметом изображения венецианских ведутистов, глазами которых мы и поныне видим Лондон и Варшаву, Дрезден и Вену того времени.
Крупнейшим мастером ведутного пейзажа был Джованни Антонио Канале, прозванный Каналетто (1697-1768).
На картине представлена главная магистраль города - Большой канал. Возле Дворца дожей и собора Сан Марко по древней традиции начинался и кончался в день Вознесения путь венецианского дожа к Адриатическому морю, в воды которого он бросал золотое кольцо как символ обручения с морем во имя процветания Венеции и ее флота.
Его племянник и ученик Бернардо Беллотто (1721-1780) большую часть жизни провел за границей, работая в Германии, Австрии, Польше. Будучи придворным художником саксонского курфюрста Августа III, он писал виды Дрездена, сохранив память о ныне погибших архитектурных ансамблях.
Искусство Франческо Гварди (1712-1793) завершает эпоху блистательного расцвета венецианской живописи XVIII века: через четыре года после его смерти Венецианская республика перестала существовать.
На небольшого формата картинах Гварди всегда такая тихая печаль- и фигурки уходящих от нас людей ассоциируются с уходом в историю республики Венеция.
Вот такой вкратце получился исторический экскурс в историю итальянской живописи XVII-XVIII веков. Хочу отметить, что музейщики периодически меняют экспозицию, поэтому я продолжу вас знакомить с коллекцией Пушкинского музея на регулярной основе. Подписывайтесь на канал, чтобы быть в курсе.