Авангард. Каким он был и каким может быть?

Чтож, в этом материале я бы хотела поговорить об авангарде в кино и посмотреть на него с точки зрения его вклада в мировую художественную культуру. Здесь не будет истории возникновения и подробного развития авангарда как течения. Только констатация факта: каким авангард стал, какой вклад в нес и какие плоды мы пожинаем сейчас.

Авангардизм — обобщенное название экспериментальных идей, концепций, течений, школ, творчества отдельных художников, преследующих цель создания нового искусства не имеющих связей со старым, путем отрицания исторической традиции и преемственности творчества.

Для того, чтобы было более понятно. Я хочу классифицировать авангардные фильмы по степени их влияния на культуру и особенностям, ведь одни фильмы перевернули мир монтажа, а другие мир подхода к формированию сценария. Да, это все авангард, но он все же разный.

Монтажный и операторский авангард

Мне захотелось объединить эти две категории. Потому как в большинстве авангардных фильмов эксперименты с монтажом и картинкой часто стоят вместе, либо зависят друг от друга. По факту, новаторства в операторской и монтажной работе шли вместе. И даже если авторы этих кинолент стремились совершить революцию только в одной из этих областей. И вот парочка примеров из этой категории:

• Манхатта (1921) — снят художником Чарльзом Шилером и фотографом Полом Стрэндом. Фильм был снят на улице Манхеттена. Основная цель фильма - исследовать взаимосвязь между фотографией и пленкой; движение камеры сведено к минимуму, как и случайное движение в каждом кадре. Каждый кадр обеспечивает вид на город, который был тщательно выстроен в абстрактные композиции. Своего рода гибрид Городской симфонии и Абсолютного фильма.

Городская симфония - направление в кинематографе, где главным героем был город. Цель данной ленты - показать поэтическую сторону города и всю его красоту. Часто этот показ сопровождался монтажными экспериментами и игрой планов.

• Человек с киноаппаратом (1929). Лента Дзиги Вертова где сюжет отсутствует вовсе. Фильм этот был снят с целью показать возможности киноязыка и проникновения киноглаза (Изобретения Вертова) в нашу обычную жизнь. Оператор в этом фильме и забирается на крыши домов и стоит посреди улице и его рискует жизнью, чтобы поймать нужный кадр с поездом. Применяются новые ракурсы, новые подходы к монтажу. Многочисленные срезки пленки, наложения и высветленния, которые уже на экране показывают ту самую магию киноискусства которую и хотели показать Кинооки. (Кинооки - группа энтузиастов, которые выступали за революцию в области съемки. Возглавлялась Вертовым.)

• «Дождь» (1929) — режиссеры Йорис Ивенс и Маннус Франкен. Уникальность этого фильма в том, что он снимался под дождем. И это было не случайностью. Режиссер специально разъезжал по городу, чтобы заснять кадры с дождем. В этом собственно была фишка фильма. Снять город во время дождя а после смонтировать это по поэтическим законам. Можно сказать даже что этот фильм — это симфония дождя на фоне города. Но жанр "Дождевая симфония" так и не появился. (А я бы, как любительница дождя его оценила бы)

• Саспенс (1913) - режиссер Лоис Вэрбер. Это один из первых примеров использования разделенного экрана (По крайней мере из сохранившихся). Позднее этот прием будут использовать многие кинематографисты. Особенно пик этой технологии продеться на конец 20-х. Но Саспенс все же можно считать одним из ярчайших примеров этой технологии. А еще этот фильм ознаменовал появление в кино такого явления как "Саспенс" и в какой-то степени предвосхитил кинематограф будущего (В частности появление нуарных картин)

Самый знаменитый кадр

• Броненосец „Потемкин“ (1926), режиссер Сергей Михайлович Эйзенштейн— в этом фильме маэстро использовал свой знаменитый монтаж аттракционов, который после и прославит его на весь мир. И именно сцена с лестницей войдет во все учебники по монтажу как пример ритмического монтажа тонфильма. Ну а прием с красным флагом до сих пор разбирают все кому не лень. В свое время эта картина была настолько громкой и популярной, что даже преодолела все тернии цензуры и ее смогли увидеть западные зрители почти без изменений, хотя в тех же штатах и любили резать зарубежные картины.

Визуальный авангард

В этой категории я решила объединить смелые визуальные эксперименты, которые были призваны ни сколько продемонстрировать возможности кино, сколько вывести его на новый этап развития. Тут скорее будут фильмы, которые должны бил шокировать прежде всего зрителя.

Кадр из фильма «Антракт» в кадре Марсель Дюшан и Ман Рей

• Антракт 1924 - Рене Клера. Уверена, когда речь заходят об авангарде многие представляют что-то подобное. Что-то непонятное, что-то, что не вписывается в привычные каноны и непонятно почему существует. На самом деле же этот фильм является образцом Дадизма, жанра искусства, который был популярен в те годы. Сам Рене Клер после недолюбливал это кино, но как ни странно именно оно стало хорошем толчком для его карьеры. Ну и вошло в историю как один из самых необычных с визуальной точки фильм. И кинофильм, который произвёл большую авангардную революцию.

Кадр из фильма «Морская звезда»

• «Морская звезда» (1928) — одна из известнейших лет Ман Рея. Тут стоит сделать сноску. Ман Рэй - это художник авангардист, для которого визуальная часть была основополагающей. От того он и искал новый визуал, новые формы и новые эффекты. Почти все сцены в этом фильме сняты либо с зеркала, как на финальном кадре, либо через то, что кажется рассеянным и текстурированным стеклом. В фильме имеется множество оптических приемов, которые тогда было не принято использовать, либо же их причисляли к браку пленки. Монтаж различных вращающихся объектов, который чередовался со статикой и любованием формами. Ман Рэй использовал процесс сухой пластинки из желатина для достижения эффекта текстурированного стекла и визуализации спектральных изображений фильма как элемента рисунка или рудиментарной живописи, тем самым решив свою озабоченность по поводу цензуры обнаженных сцен. (Да, в те годы было такое нежелательно показывать, но художника, перед его желанием творить, остановить невозможно и он всегда найдет пути реализации своего замысла)

Кадр из фильма «Страница безумия»

• Страница безумия (1926). режиссера Тэйноскэ Кинугаса. Фильм авангардной группы художников в Японии, Синканкакуха (или Школа нового восприятия). Их цель была отойти от натуралистичного представления вещей. И собственно в этом фильме у них это получилось. Это очень своеобразная лента, которая в некоторых моментах даже может пугать зрителя своими причудливыми образами и второй половиной фильма, где показан даже театр Но, тоже кстати очень своеобразное явлении в культуре Японии. И в итоге, этот фильм имеет национальный колорит, непривычные ракурсы камеры, вдохновение кабуки, как элементом ритма и симбиоза зрительных образов и драмы, а так же щепотка экспрессионизма, популярного в начале 20-х в Европе но доехавшего до Японии с опозданием. Ну и конечно просматривается влияние авангардной группы Французов. В ленте присутствуют влияния течений Дадаизма. На самом деле очень необычная картина, которая выделалась на фоне всего, что делали в те годы в Японии и при этом отдавало дань памяти истории.

Кадр из фильма «Эльдорадо»

• «Эльдорадо» (1921) — режиссер Марсел Л’Эрбье. Фильм был вдохновлен живописью Гойи, Веласкеса и Рибейры от чего костюмы и декорации выглядят очень своеобразно. Плюсом сюда стоит добавить и операторскую работу, которая для тех лет была просто вызовом уже устоявшимся нормам. Да, Франция хоть и считается колыбелью кинематографа, его родиной, но все же в те годы - это была страна с самыми жесткими устоявшимся нормами в области производства кино. И как раз таким этим нормам Л'эрбес решил бросить вызов. Позже его обвинили в самой ужасной операторской работе за размытия, оптические искажения, игры света и тени и расфокус. Но Л'эрбес заявил что Гомон ничего не понимает и что этот фильм является авангардом. Тут стоит сделать сноску, что Марсель был соратником Луи Делюка, который как раз таки и топил за авангардизм в те годы и за разрушение привычных устоев кинопроизводства. Тогда мир только стоял у истоков киноавангарда. Ведь через пару лент это явление приобретет более массовый характер и обретет своих последователей.

Кадр из фильма «Призраки перед завтраком»

• Призраки перед завтраком (1928) снятый Гансом Рихтером. Фильм интересен использованием в некоторых сценах покадровой анимации, которая дополняет общее своеобразие визуала. В киноленте оживают привычные для бытовой жизни вещи и на самом деле это не несет особой смысловой нагрузки. Просто это красивые кадры, которые хочется с интересом наблюдать. И когда эта феерия кончается как-то грустно становиться. Это было правда красиво. Ну а еще Ганс был художником, что прежде рисовал анимацию. Очень сообразную, и его опыты с визуализации динами и ритма так же проникли и в эту картину. Что видно невооружённым глазом.

Бессюжетный фильм

Сюда я бы хотел отнести все фильмы, которые намеренно отрицали существование сюжета. И тут стоит сказать, что это была их центральная фишка. Так как сюда, на самом деле можно включить множество авангардных фильмов - например тот же "Человек с киноаппаратом" или "Антракт". Но те ленты имели еще и технические особенности, помимо отсутствия сценария и сюжета.

Фильм глазами Дадаистов. И кадр из фильма "Механический Балет"

• Механический балет (1924) режиссеры Фернан Леже и Дадли Мерфи. Один из ярчайших примеров Дадизма в кино и так называемого абсолютного фильма, философии которая зародилась в то время. Эта философия предполагала отказ от привычных и приевшихся уже драматургических средств цель абсолютного кинематографа состояла в том, чтобы создать кино, ориентированное на элементы фильма, которые не являются заимствованными, а являются присущими только кинематографу как его основным чертам: движение, визуальная композиция и ритм . И как раз "Механический балет" — это и есть ярчайший из его представителей. В этой работе нет так называемого сюжета. Есть показ определенных кадров, которые склеиваются ритмически друг за другом. Плюсом ко всему, к этому фильму была написана особая музыкальная композиция, которая должна была на первый взгляд совсем не сочетаться с визуальным рядом, ведь современный зритель уже привык к тому, что звуки полностью повторяют изображённое на экране. В "Механическом балете" музыка — это своего рода балет из музыкальных инструментов, которые танцуют параллельно с танцующим изображением. Да, это еще и одно из первых применений контрапункта в кино. Хотя и весьма своеобразного. Кстати, позднее, такая музыка получила название меблированной музыки. Или же конкретной.

Кадр из фильма "Андалузский пес"

• Андалузский пес (1929) режиссер Луис Бунюэль. Это сюрреалистичный фильм созданный в соавторстве с Сальвадором Дали. Думаю, тут уже половина вещей должна быть понятна. Этот фильм основывается на снах и видениях, в которые попадают герои и участником или свидетелем которых они становятся. В фильме показывается ряд очень своеобразных кадров, некоторые из которых могут показаться жуткими, пугающими, отталкивающими. До сих в пор в этом фильмы пытаются искать метафоры и скрытые смыслы. Но на деле же это такой пример абсолютного кино, как и вышесказанный Балет. Это кино, которое создано для демонстрации визуального ряда, который бы вызвал у человека определенные эмоции, как когда-то подобные эмоции вызывали движущиеся картинки. Только все это было обернуто в так называемую обёртку снов, чтобы связать кадры между собой. Кстати от собственных снов создатели фильма и отталкивались. И все же все происходящее там бессмысленно. На него надо просто смотреть и не искать скрытый подтексты. Впрочем, как и во многих авангардных работах. Ведь смысл это то, что часто отсутствовало в Авангардных работах в угоду экспериментам.

Визуализация звука

Идея визуализации звука на самом деле не нова. Стоит вспомнить даже того же А.С. Скрябина и его теорию цвета и света. Его принято считать дедушкой светомузыки, ибо в своих трудах он описывал зависимость этих двух понятий и то, как цвет и свет могут менять восприятие музыки, погружая человека в совершенно новые божественные миры. Он кстати умер в 1915 году, жаль что так и не увидел эти киноленты. Думаю ему бы очень понравились. Потому что главная цель таких кинолент, а это и фильмы и анимации и то, что находиться на границе этого - это собственно визуальный показ музыки с помощью форм, цветов, света и фигур. А так же эти картины сопровождали многочисленные идеи о создании музыки из звуков окружающего нас мира, о шумах, как элемента произведения и о восприятие.

Кадр из фильма «Ритмус 21»

• «Ритмус 21» (1921) фильм режиссера Ганса Рихтера был выпущен в черно-белом цвете и длился около 3 минут. На протяжении этих трех минут квадраты и прямоугольники изменяют свой размер и периодически мигают на экране. Ганс Рихтер был одним из первых, кто стал создавать подобные ленты. Стоит так же отметить что там была целая группка таких людей, которые рисовали звук на экране. Это был Вальтер Руттман, который снял в 1921 году "Лихтшпиль опус 1" Потом, кстати, последовало еще 3 опуса. В своих же первых работах художник стремился к показу музыкальной композиции с помощью формы, цвета и динамики. Эти эксперементы повлияют на его более поздние работы, где форме и динамике будет уделяться важное значение. Позднее именно это и будет отличать его городские симфонии среди всех лент этого жанра.

• Оскар Фишшингер — тут я хочу рассказать уже о человеке, а не об отдельной ленте. Ведь все работы Фишингера идентичны и пронизаны одной и той же стилистикой и идеей показать звук на экране с помощью абстракций. Он был так же экспериментатором из той первой группки режиссеров авангардистов, и постоянно искал связь звука и его визуальных воплощений экспериментируя не только над цветом и формой но и над текстурой. (О нем я вообще могу много рассказать, если будет интересно, вполне могу и написать отдельную статью об этом великом человеке. И художнике, на творчестве которого сформировалось мое виденье в частности)
• Le retour à la raison (1923) - короткометражный фильм , первая кинематографическая работа Мана Рэя. Это работа так же вмещает в себя опыты с оптикой и проявкой пленки. А так же с использование негативных изображений. Это была заказанная работа для экспериментальной театральной постановки Тристана Цара и по задумке должна была сопровождаться соответствующей музыкой. Естественно Дадаистичной.

• Anemic Cinema или Anémic Cinéma (1926) - еще один фильм данной тематики. Особо интересен тем, что в нем используются надписи немного эротической направленности да и сам фильм по сути является вызовом для искусства и моральных устоев того времени. А еще он показывал разность между тишиной и громкостью. Это очень экстравагантная работа, которая, увы, была единственной. Марсель Дюшан более не снимал ленты, но именно этот эксперимент был удивителен для тех лет. Ведь двойственность тишины и громкости проявляющаяся через образы — особенно интересна для тех лет. Ибо другие кинематографисты стремились показать форму, ритм и стилистику музыки или же звуков. Над громкостью задумывались мало.

• Hände (1928) авторы Стелла Саймон, Миклош Бэнди – визуализация музыки с использованием рук. Это главная уникальность этого фильма. Вероятно, вдохновлён опытом немецких авангардистов. Отличается тем, что в отличии от предыдущих он использовал в качестве визуальной единицы не объекты или нарисованные фигуры, а именно пластичные человеческие руки. Его позже его будут называть балетом рук. К сожалению, в наше время редко где упоминается.

Смелые эксперименты

Эта категория фильмов, которые в свое время стали вызовом обществу и технологиям. Но при этом их нельзя причислить к вышесказанным категориям. Ибо эти фильмы либо соединяют в себе все вышесказанные категории либо же являются чем-то новым и предшествуют развитию кинематографа.

Кадр из фильма «Страсти Жанны д'Арк»

• Страсти Жанны Д'Арк (1928) — вызов привычным для тех лет устоям. Во первых, режиссер отказался от грима, дабы показать настоящие лица, от того кстати и фильм смотрится немного современно в плане лиц, ибо все привыкли, что в те годы без грима и подкрашенных глаз не обходился не один фильм. Во-вторых, лица снимали крупным планом. В-третьих - в этом фильме нет музыка или звука, хоть в год выхода фильма уже и существовало звуковое кино. Да и сам режиссёр требовал от кинотеатров не играть музыку. Зачем это все было? А было это чтобы показать трагичность и боль. Чтобы оставить зрителя наедине с героями и показать без прикрас без масок то, через что проходила Жанна Д'Арк. Тишина в данном случае является таким же давлением, как и лица и мимика героев. Ведь как известно, тишина — это одна из мучительных пыток для психики человека. На данный момент существует несколько звуковых версий фильма, но поверьте, лучше их не слушать. Ибо этот тот самый случай, когда тишина говорить больше звука. Для своего времени это был действительно смелый эксперимент. Ибо только спустя долгие годы звукорежиссеры оценят тишину как такой драматический элемент фильма и станут ее использовать. В 20-е же годы экран не замолкал в кинотеатрах.

Кадр из фильма «Наполеон»

• Наполеон (1927) режиссера Абеля Ганса. Фильм где впервые использовали технологию панорамно кино polyvision. В этой технологии 3 экрана объединят в один большой и демонстрируют одновременно 3 кинопленки в соотношение экрана 4.1. А так же в фильме использовались проецирование одной и той же сцены с трех точек зрения получение симметрии путем инверсии бокового изображения. И магия операторской работы, с показыванием битвы с самых непривычных для тех лет ракурсов. Позднее эта технология получила распространение уже в 50-60-е годы.

Кадр из фильма «Жизнь и смерть 9413: голливудский экстра»

• «Жизнь и смерть 9413: голливудский экстра» (1928) Авторы Робертом Флори и Славко Воркапичем. Это очень смелый фильм. Во-первых, его снимали в Голливуде. Во-вторых он обличает все грязные стороны Голливуда. В-третьих он снимался всего на 97 долларов дома у режиссера а миниатюрные декорации были сделаны из бумаги и банок. Сюжет фильма говорит об одном статисте, который приходил в Голливуд за славой, но увы, успеха не получает и умирает, пока над ним смеются другие статисты с номерами на лбу. Да это этакая антиутопия обличающая кинобизнес. И это на самом деле смелый эксперимент в плане сюжета и в плане визуала. В этом фильме показывается ряд причудливых образов, демонстрировавших Голливуд и кинопромышленность. И некоторые из них выглядят немного сюрреалистично, что так же привлекает к картинке. По настоящему смелая работа. Которая еще и снималась перед составлением более суровых правил кодекса Хейса. Я уверена, если бы эта картина вышла через 3 года - она бы не выла. Цензура такое не пропустила бы. Ведь многие годы эта картина вообще замалчивалась и сохранилась лишь чудом.

Вывод

Ну тут можно подытожить. Киноавангард - это огромный пласт кинофильмов, на самом деле снятых не только в 20е годы. Это направление живет до сих пор. просто обретает разные формы. Но самый яркие этап его развития - все же эпоха великого немого, которая и переделила будущее развитие кинематографа. Безусловно, моя подборка не претендует на какие то уникальные списки. Это просто мое субъективное виденье. И моя собственная классификация картин, основанная на моем субъективном восприятии.