О, это сладкое слово Италия! Яркое солнце, аромат фруктов, изобилие, древность, искусство.
Италия лидировала в развитии европейского искусства вплоть до XVIII века. Не даром здесь зарождались практически все стили и направления, здесь получали вдохновение и учились многие известные художники. Рука Италии прослеживается во многих школах. Центр новых направлений, течений, даже моды, и только в XIX веке она уступила место Франции.
На прошлом занятии мы прошлись по творчеству эпохи Высокого возрождения, работам Леонардо, Рафаэля и Микеланджело и совсем немного коснулись Позднего возрождения и Венецианской школы, а именно Тициана. На него просто не хватило времени. Сегодня я мчалась в Эрмитаж в надежде на новый всплеск эмоций, праздник, продолжение этого огромного моря наслаждения, встречи с шедеврами, которые пронесли себя через века, восхищая поколения за поколением. Ведь в этот день я должна была встретиться с эпохой барокко!
Итак, художественная коллекция Итальянского искусства занимает в Эрмитаже более 30 залов. Залы в Новом Эрмитаже проектировались специально для работ мастеров Италии, это одни из самых крупных залов музея и называются Большой и Малый Итальянский просвет. Давайте начнем осмотр экспозиции именно с них. Пройти мимо просто невозможно.
Огромные по высоте залы предназначены для размещения крупных картин. Свое название – просвет, они получили из- за остекления в потолке, позволяющие рассматривать полотна при естественном освещении.
Залы Нового Эрмитажа построены по проекту Лео фон Кленце. По рисункам Кленце специально для этого интерьера была исполнена резная золоченая мебель, которую и сейчас можно видеть в Просвете. Залы украшают вазы и столешницы из бадахшанского лазурита и малахита, созданные в 19 в. на Екатеринбургской и Петергофской гранильных фабриках. Величественные своды залов декорированы золотым лепным орнаментом. Это самые большие залы музея, вызывающие восторг. В Большом Итальянском просвете иногда проходят концерты живой музыки.
Но вернемся к Итальянскому искусству. Рассмотрим малую часть полотен и попробуем разобраться в основных направлениях искусства того времени. Данная статья- пересказ занятия, проводимого Эрмитажем. Продолжение цикла статей «Абонемент 218 Искусство западной Европы»
Первой картиной, с которой мы начали знакомство с Итальянским искусством XVI века, стало полотно Якопо Тинторетто «Рождение Иоанна Крестителя». Тинторетто ученик Тициана, представитель Венецианской школы. Известный сюжет из Нового завета. Богатый дом, Елисавета, мать Иоанна, родственница Марии на ложе на дальнем плане, в центре композиции Мария, держит на руках новорожденного Иоанна. Суета вокруг младенца, направление тел, движение на картине все в сторону младенца. Создается ощущение что девушки ему кланяются. Завораживающий ритм фигур, который не дает разглядеть женщин в отдельности, они как ожерелье вокруг Марии с Иоанном. Сбоку стоит Захария, отец, который вновь обрел дар речи. Он был наказан Архангелом, поскольку усомнился в его словах о скором рождении у него сына. Захария практически не заметен.
Рядом полотно Паоло Веронезе. «Обращение Савла». Первое впечатление от картины- хаос и пятна. Голубое пятно в центре композиции привлекает внимание и именно от него начинается понимание сюжета. Савл- первое имя апостола Павла. Безжалостный гонитель христиан Савл был повержен на землю и ослеплен ярким лучом света, после чего уверовал, принял крещение и стал апостолом. Савл, как эпицентр взрыва, от него разбегаются люди, скачут кони, отклоняются деревья. Часть их не умещается на полотне, а стремиться выскочить за его пределы. Это уже предвестие элементов барокко.
Академизм. Болонская школа. В 1582 году в городе Болонье, крупном культурном центре Северной Италии, открылась «Академия», или художественное училище братьев Карраччи. В нем велось обучение на основе тщательной работы с обнаженной модели и скульптуры, основательного изучения перспективы и копирования старых мастеров.
Наиболее значительным художником из братьев Карраччи был Аннибале (1560—1609). Он искусно обновил художественные приемы мастеров Возрождения и привел их в соответствие с требованиями конца столетия; он многое заимствовал у художников прошлого — Рафаэля, Микеланджело великих венецианцев, причем эти заимствования были сознательны и откровенны. Для академизма характерна театральность, наигранность, позирование. Позы выглядят неестественно. Но это ясные четкие спокойные композиции с яркими выделяющими отдельных героев яркими пятнами. Карраччи придал самостоятельности пейзажной живописи, это уже не фон, не источник света, пейзаж уже рассказывает свою историю, создает настроение, он становится героем сюжета.
Аннибале Карраччи «Жены-Мироносицы у гроба Господня». Эта картина относится к группе его зрелых произведений, написанных с большим мастерством, ярко и рельефно, но очень холодно. Мастер показал объем фигур и даль. Но нет в ней того потрясения у женщин, о котором гласила Легенда. Они статичны, массивны, их позы неестественны. Как древние статуи беспорядочно расставленные по картине, на лицах одинаковая холодная мимика. Яркие пятна одежды лишают картину целостности. Но тем не менее, это направление в живописи было очень популярно, ему подражали.
Еще одна потрясающая картина Карраччи «Отдых на пути в Египет». Очень необычная форма картины- круг. Мы уже видели такую форму у Рафаэля. Круг- совершенная форма, нет ни начала ни конца. Святое семейство, ангелы. Руки Иосифа на одном расстоянии от окружности, Мария склоняется вперед, подчеркивая круг. Но какова природа! Мир многообразен, пейзаж хочется рассматривать. Он явно Европейский, но вдали мы видим пальму – символ христианской церкви.
Картина, которая мне особенно понравилась. Гвидо Рени «Святой Иосиф с Младенцем». Гвидо Рени возглавил Академию вместе с Карраччо, но его картины более лиричны. Очень нежный, лиричный образ, в нем мало театральности.
Иосиф бережно держит младенца Христа на руках, с умилением глядя на ребенка, в то время как тот одной рукой гладит седую бороду старика, а другой сжимает цветок. Возможно, это цветок морозника, который еще называют розой Иисуса, так как он расцветает в конце декабря, к Рождеству. Нежная кожа Младенца контрастирует с грубыми руками старика. Темный фон картины подчеркивает сияние, исходящее от младенца Христа. А как потрясающе прописаны руки старика.
За спиной Иосифа виден мирный вечерний пейзаж: солнце только что село, на фоне закатного неба еще видны очертания голубых гор. По дороге идет Ангел и ведет под уздцы ослика с сидящей на нем Девой Марией. Скорее всего это сюжет из нового завета – бегство в Египет. Святое семейство покинуло «землю Израилеву» по указанию ангела, чтоб уберечь Младенца от царя Ирода.
Картина написана в теплой гамме, она излучает умиротворение и покой.
Давайте еще полюбуемся творениями Гвидо Рени.
Мария, полукругом вокруг нее расположились подруги. В расположении фигур соблюден определенный ритм, симметрия. С одной стороны группы - собачка, с другой,симметрично, корзиночка. Умиротворение и покой. На картину очень приятно смотреть, хотя фон практически отсутствует. Фигуры то ли в пещере, то ли в подвале. Мирный, бытовой сюжет, девушки занимаются рукоделием.
Старцы обсуждают непорочность Девы Марии. Но первое впечатление от данной фразы ошибочно. Они обсуждают тайну именно ее рождения, как она явилась в мир? Ведь ее родители были уже очень немолодые. Картина разделена на 2 части, наверху- ангелы и Мария, внизу старцы за решением своих вопросов. Яркие пятна, привлекающие внимание - одежда старцев.
Караваджизм.
Караваджо – художник-реформатор, он дал начало новому стилю в искусстве- реализму. Караваджо никогда не основывал мастерскую, как большинство других художников, и поэтому у него не существовало школы для распространения своей техники. Он также никогда не излагал свой основной философский подход к искусству. Художник обрел огромное количество последователей и дал начало целому течению эпохи барокко. Позднее этому направлению присвоят название караваджизм. Что для него характерно? Пожалуй, это был первый шаг к реализму. Сюжет незатейливый, но герои изображены реалистично: грязь под ногтями, огрехи в теле, некрасивые суставы- все это не скрывается, не маскируется. На первый план выдвигается эмоция. Максимальная реалистичность, нет эффекта сцены, театральных костюмов. Сюжет очень часто трагичен. Отсутствие фона, герои как будто в подвале. Но и главная черта- контраст света и тени. На героев, находящихся в темном пространстве, обычно сбоку и чуть сверху падает источник света. Он яркий и сильный. Такую технику назовут тенебросо.
России принадлежит только одна работа Караваджо и находится она в Эрмитаже. Маленький зал со слабым освещением, проходящие мимо гости музея. И единственная работа великого художника в стране со скромной стандартной табличкой рядом. Я бы прошла мимо, если бы вообще попала в эти залы, а там на самом деле очень много интересных полотен.
Вернемся к нашей картине. Караваджо «Юноша с лютней» или «Лютнист» .
Первая мысль- почему юноша? Герой очень даже похож на симпатичную девушку. Конечно, краткое описание своей идеи художники не давали, за то какая сейчас головоломка искусствоведам. Но в данном случае подсказку дал сам автор. Перед юношей не просто ноты, это реальное музыкальное произведение, и написано оно для мужской партии, которая исполняется басом. Рядом скрипка, как будто кого- то ждет. Натюрморт в виде фруктов и букета цветов. Лично я так и не смогла разглядеть в этом облике юношу, слишком много в нем женственности. Поверим профессионалам. Да и в других работах Караваджо этот юноша присутствует. Давайте лучше обратим внимание на свет и тень в этой картине, как они подчеркивают и дают объем фигуре юноши. Погребное освещение, рефлексы от светлых предметов. А сколько деталей в сюжете. Приглядитесь к разным типам предметов вокруг лютниста: это цветы в вазе, фрукты на столе, ноты и расположенная рядом с ними скрипка с порванной струной, на этой скрипке больше нельзя играть. Обратите особое внимание на левую грушу: на ней даже имеются две царапины. Все элементы изображены абсолютно точно и реалистично. Ничто не вечно, цветы срезаны, лютня тоже имеет трещины. Ничто не вечно.
Музыканты стали популярным сюжетом в те времена. Давайте рассмотрим еще несколько сюжетов на аналогичную тему, но уже последователей Караваджо.
Помимо пейзажа, как самостоятельного произведения, в эти времена появились и натюрморты. Сначала это сопровождение к сюжету, как у юноши с лютней, потом и как самостоятельное произведение. Натюрморт-особый жанр, это письмо, послание, которое сейчас уже не просто разгадать, но каждый его элемент не случаен, это целый язык. Но первые натюрморты появились именно в Италии. Я совсем не понимаю языка натюрморта, но очень люблю их рассматривать.
Микеланджело Кампидольо «Натюрморт с виноградом». Треугольник в основе композиции. Гранат треснул, но семя способно дать новую жизнь. Мавзолей на заднем плане. Течение жизни, рождение и смерть. А казалось бы просто красивая и вкусная композиция. При подготовке этой статьи, мне не понравилась фотография этой картины, которую я сделала, и на последующих занятиях я вернулась в зал, чтобы перефотографировать картину. Но увы, я ее не нашла. Некоторые картины поменяли местами, смотрители тоже не смогли мне помочь. Музей живет и дышит, полотна уезжают на выставки, в фондовые хранилища, на реставрацию, просто меняют свое местоположение. Такое бывает.
Орацио Джентилески «Амур и Психея». Частый сюжет в искусстве, гимн любви и красоте. Но на этой картине Амур, Бог Любви, изображен как обычный человек, с грязью под ногтями, стопы его не красивы, да и лицо не привлекательно, крылья практически не видны. Психея тоже далека от совершенства, сгорбленная, какая то подавленная поза. Вот они, первые шаги реализма. Сюжет картины, тот момент, когда Психея капнула горячее масло из лампады на плечо Амура, пытаясь рассмотреть возлюбленного. Как мы знаем, он был покорен красотой Психеи, но она не должна была знать кто он. Только так их связь была возможна. Девушка ослушалась, с помощью лампады осветила лицо спящего возлюбленного, и когда поняла кто он, рука ее дрогнула и предательская капля обожгла Амура. Он проснулся, единственным вопросом было: Зачем? Через мгновение он ее покинет.
Рассмотрим еще несколько работ, выполненных под влиянием Караваджо.
Следует заметить, что в большинстве работ того времени фигуры были выполнены в реальном размере, не уменьшенные не увеличенные.
«Мученичество апостола Петра». Выполнена последователем Караваджо по мотивам его произведения. Заказчик отказался от картины Караваджо. Эмоции героев, азарт палачей, испуг Петра, все это не соответствовало его ожиданиям. Ведь заказчиком была церковь. Версия Эрмитажа по-моему еще более эмоциональная и отталкивающая.
Бернардо Строцци « Исцеление Товита». Картина на тему ветхозаветного сюжета. Нечастое явление в Итальянском искусстве того времени. Старик Товит потерял зрение, совершая дела праведные. Был вынужден отправить сына в дальний путь. Сопровождать сына побежала собака, а попутчиком его стал Ангел. Он же и рассказал сыну, как вернуть зрение отцу при помощи внутренностей пойманной им рыбы. Этот момент и изображен на картине. Симметрично расположенные фигуры: преданная собака и рыба с другой стороны, сын и жена Товита.
Давайте рассмотрим главные особенности барокко на примере нескольких полотен в залах.
Лука Джордано «Битва лапифов с кентаврами». Главного героя нет, беспорядок, потасовка, и главное- это движение. Картина явно вырывается за раму, ей не хватает места, она охватывает гораздо больший объем, который зритель домысливает. Героя нет, но есть центр- красное пятно. Яркие цветовые пятна- акценты по всей картине. Направление сюжета развивается по диагоналям.
На смену барокко приходит классицизм. Картины становятся все более реалистичны. Работы Батони, представителя академической школы, уже наполнены реалистичностью, театральность героев присутствует, но уже не так режет глаз, как у первых академистов. Обратите внимание, в основе обеих картин- треугольник.
Еще один жанр, который появился в Италии в XVII веке- городской пейзаж. Реалистичные, красивые, естественные городские пейзажи стали популярны. При этом они не пустынны, настроение придают люди, горожане, населяющие город. Где -то проходит праздник, кто- то занят повседневной работой, но именно их маленькие фигурки вдыхают жизнь в архитектурные ансамбли городов.
Я вышла из залов Эрмитажа с полным хаосом в голове. Мы ходили от картине к картине, вроде бы уже различали направления, и если в первых работах разница была заметна, то в более поздних, лично мне, уже было трудно определить, академическая ли это школа или работа последователя Караваджо. При этом мы рассмотрели наверное 1/10 всех картин. Совсем миновали залы маньеризма, очень мало внимания уделили Венецианской школе. При этом Италии было выделено 2 занятия или 4 часа. Для себя решила, что на следующий год постараюсь попасть на занятия, посвященные исключительно итальянскому искусству. И поглубже погрузиться в эту эпоху, которая стала началом для развития живописи по всей Европе, как минимум.
В наших следующих встречах мы поговорим об искусстве Нидерландов, затем ее частей Фландрии и Голландии, далее немного времени уделим немецкому искусству.