Йозеф Бойс, родившийся в 1921 году в Крефельде, Германия, был одним из самых продуктивных художников своего поколения. Его работы были посвящены гуманизму, социальной философии и антропософии. В 1961 году он стал профессором монументальной скульптуры в Дюссельдорфской академии искусств, где он вдохновил новое поколение немецких художников и присоединился к группе Fluxus.
В 1965 году он покрыл голову медом и сусальным золотом и прошел по художественной галерее с мертвым зайцем на руках. Он шептал и бормотал что-то зайцу, объясняя выставленные произведения искусства. Использование нетрадиционных материалов и акт объяснения искусства безжизненному существу бросили вызов традиционной роли художника и способу восприятия искусства. В 1974 году он отправился в Нью-Йорк, где провел три дня в комнате с живым койотом, завернувшись в войлок и используя пастуший посох. В перфомансе рассматривались темы изоляции, общения и взаимоотношений между человеком и природой.
Его работы отличаются абсурдностью, но при этом остроумием. Они наполнены юмором, но в то же время вызывают тревогу. Бойс показывает нелепость и в то же время гениальность своих идей. Выставка его работ в нью-йоркском Музее современного искусства Соломона Р. Гуггенхайма в 1979 году только укрепила его международную известность. Даже после его смерти в 1986 году, его работы продолжают выставляться в музеях по всему миру.
Столетие со дня его рождения в 2021 году было отмечено проведением выставок, перформансов, лекций и других мероприятий, посвященных творчеству Бойса.
Творчество Яёи Кусамы, родившейся в 1929 году в Мацумото (Япония), представлено в разнообразных художественных практиках или медиумах: от живописи до перформанса, от иммерсивных инсталляций до уличных скульптур. Ее работы включают литературные произведения, фильмы, модные показы, дизайн и даже архитектурные проекты.
Искусство Кусамы охватывает как микроскопические, так и макроскопические вселенные, предлагая уникальный художественный взгляд, отмеченный яркими красками, тыквами, узором в горошек и идеей бесконечности.
Наиболее значимые выставки Кусамы часто связываются с её участием в арт-сцене 1960-х, особенно в Нью-Йорке. Она организовывала различные перформансы и события, которые были новаторскими и влиятельными в тот период. Один из её заметных перформансов – «Фестиваль тела» в 1967, серия публичных событий, на которых участники были окрашены в горошек – повторяющийся мотив её творчества. Эти перформансы размывали границы между искусством и реальностью, вовлекая зрителей в активное участие. Также в том же году она провела перформанс «Самоуничтожение», в котором она изображала себя потерянной, охваченной паникой, окружённой бесконечным количеством горошка.
Работы Кусамы представлены в музейных коллекциях по всему миру, включая Королевский музей Онтарио (ROM) в Торонто, Центр Помпиду в Париже, Музей Хиршхорна и сад скульптур в Вашингтоне, Музей современного искусства в Нью-Йорке, Национальный музей современного искусства в Токио, Тейт в Лондоне, а также во многих других учреждениях. В настоящее время Яёй Кусама проживает и работает в Токио.
Родившаяся в Токио, Япония, в 1933 году, проживающая и работающая в оживленном художественном центре Нью-Йорка, Йоко Оно - мультимедийный художник, известная разнообразными работами, охватывающими перформансы, инсталляции, фильмы, музыку и литературу. После изучения философии в Японии, она переехала в Нью-Йорк в 1953 году. К концу 50-х она стала важной частью авангардной художественной сцены города. В 1960 году она основала свою студию в Нью-Йорке на Чемберс-стрит. Это место стало платформой для ряда ее радикальных перформансов и концептуальных произведений.
Йоко Оно стремится вовлечь аудиторию в свой художественный процесс и исполнение. Возможно, ее самое известное выступление на сегодня - Cut Piece (1964). В нем она приглашает случайных зрителей подойти и разрезать ножницами ее ткань, пока она не будет полностью обнажена. Это спектакль о том, как давать и брать, и он также является аналогией с взрывом в Хиросиме. Косвенно, это также стало одним из самых значимых феминистских перфомансов.
На протяжении многих лет Йоко Оно принимала участие в ряде музейных выставок. Среди них были передвижные выставки, организованные Музеем современного искусства в Оксфорде и Японским обществом в Нью-Йорке. В 2009 году она выставлялась в Фонде Бевилаква в Венеции, где получила престижного Золотого льва Венецианской биеннале. В 2013 году творчество Йоко Оно было представлено в Австралии в Австралийском музее современного искусства.
Отобонг Нканга - художница из Нигерии, родилась в Кано в 1974 году. Ее работа глубоко связана с экологическими темами, подчеркивающими взаимосвязь и трансформацию через поэтику запутанности. Ее обширная практика, охватывающая множество дисциплин, исследует социальные, политические и материальные отношения между телами, территориями, полезными ископаемыми. Искусство Нканга подрывает общепринятые различия между минимализмом и концептуальным искусством, а также границы между чувственным и сюрреалистическим. Ее исследовательский подход объединяет людей, ландшафты, органику и неорганику, а также экономику Глобального Севера и Юга.
Используя разнообразные художественные медиумы, Нканга создаёт способы, которые преображают природный мир, включая растения, минералы и живые создания, в связанные между собой сюжеты. Эти сцены вызывают воспоминания о доме, внимании, чувствах, прикосновениях, запахах. Помимо создания оригинальных и тщательно проработанных арт-объектов, Нканга славится своими амбициозными и долгосрочными проектами, отражающими транс-исторические и межкультурные влияния и подчёркивающими глобальный размах её художественных исследований.
Переосмысливая людей и объекты как сложные сущности, Нканга умело интегрирует в свою работу идеи из геологии, ботаники, поэзии и незападных систем знаний. Важные персональные выставки Нканги проходили на известных площадках по всему миру. Она получила признание в виде Особого упоминания на 58-м Международном художественном фестивале Венецианской биеннале (Италия) и Художественной премии «Молодая Бельгия» в 2017. Ее работы отражают глубокую приверженность изучению сложных отношений между человеком и природой, предлагая глубокий взгляд на взаимосвязи и возможности для более устойчивого будущего.
Марина Абрамович - выдающийся новатор в области перформативного искусства. В начале семидесятых годов ее инновационные работы заложили основы для признания перформанса полноценным видом визуального искусства. Будучи новичком, она представила ряд новаторских произведений, таких как “Ритм 0” (1974), в рамках которого она предложила себя в качестве объекта для экспериментов, и “Ритм 5” (1974), когда она оставалась внутри горящей пентаграммы до потери сознания. Эти перформансы объединили концептуальные идеи с физическим телом, стойкость - с состраданием, совместное участие - с утратой контроля, пассивность - со страхом. Они исследовали самопонимание не только для самих себя, но также для своей аудитории и глубоко погружались в концепции времени, статики, энергии, страдания и усиленного сознания во время продолжительных выступлений.
Тело Марины Абрамович служило и в качестве предмета, и в качестве средства коммуникации. Она организовывала перформансы, превращающие повседневные бытовые действия в ритуалы, расширяющие ее физические и интеллектуальные границы, подчиняясь боли, истощению и опасности в стремлении к эмоциональному и духовному преображению. В период между 1975 и 1988 годами она сотрудничала с немецким художником Улай, исследуя тему двойственности в своих работах. В 1989 она вернулась к индивидуальным перформансам, которые в 2010 привели к одному из наиболее значимых этапов ее карьеры с участием артистки Is Present. В рамках этого перформанса Абрамович провела в неподвижности несколько часов каждый день на протяжении трех месяцев, поддерживая молчаливую зрительную связь с множеством незнакомцев.
Работы Марины Абрамович демонстрировались на персональных выставках во многих местах, включая Стамбул, Афины, Сан-Паулу, Лондон, Малагу, Нью-Йорк, Москву, Вену, Милан и прочие. Она принимала активное участие в масштабных международных выставках, включая Венецианскую биеннале и Документу в Касселе (Германия). Кроме того, Абрамович основала Институт имени Марины Абрамович (МАИ), целью которого служит поддержка изучения и развития искусства перформанса в дальнейшем.