Эта статья является продолжением моей первой статьи, о том, как начать работу акварелью. В ней я уже вкратце описала стадию завершения, но все таки, решила, что тема раскрыта не до конца.
Достижение целостности
Конечная работа над картиной или небольшим этюдом также важна как и начало. Бывают случаи, когда в процессе работы были совершены ошибки, с которыми сложно довести работу до конца. А бывает, когда ошибки несущественные, но все равно, не понятно, что делать дальше и стоит ли продолжать.
Все дело в тоне. Самое главное в работе - это соблюсти правильные тональные отношения. Если в картине кривой горшок и яблоко чересчур зеленое, но правильно передан тон всех объектов, то это будет реалистичней, чем обратная ситуация.
"Поставить" или "положить" тот или иной предмет не возможно без тона. Думаю, что у всех была ситуация, когда тени уже прорисованы, а объект все равно не на своем месте, работа не выглядит целостно, а значит, не вызывает ощущение законченности. В этом случае нужно все сфотографировать, а затем перевести в черно-белый вариант. Это самый быстрый способ обнаружить ошибку. Также, нужно приучить себя видеть все общими пятнами. Для этого обычно, сильно сощуривают глаза. Тогда все лишние подробности перестают отвлекать, и можно реально выявить локальные цвета и понять, насколько светлыми или темными они являются.
Лучше всего обозначить тон на этапе эскиза. Не только нарисовать его контуром, но и сделать быструю штриховку.
Кстати, процесс создания этого помидора можно посмотреть.
Еще один фактор, который влияет на достижение целостности в работе - это расстановка акцентов. Нужно всегда помнить о том, что является центром композиции, на что зритель должен обратить внимание в первую очередь. По себе знаю, что можно увлечься деталями, а потом осознать, что все фрагменты работы одинаково подробно проработаны, отчего становится трудно на нее смотреть, так как глаз не знает за что зацепиться.
Конечно, тут не малую роль играет композиция. Но это очень серьезная тема, которой должна быть посвящена отдельная статья, а может и несколько.
Очень подробно о конечных стадиях работы написано в книге "Техника акварельной живописи" П.П. Ревякина. Этот текст может показаться нудным, но он дает представление о том, какие задачи нужно ставить перед собой.
"Конечные стадии сводятся к двум видам изобразительной работы: к обобщению и детализации. Детализации по большей части подлежат главные места изображения, на которые сосредоточивается внимание зрителей, так как эти места имеют основное познавательное значение и раскрытие их требует более глубокой разработки; обобщению подлежат главным образом второстепенные места изображения.
К приемам техники обобщения относятся такие, как нанесение общего цветового тона, определяющего общий колорит картины, как изменение общего цветового тона картины, уточняющего колорит, размывка или смягчение красок, тональное изменение светлоты всей картины и, наконец, частичное изменение светлоты по условиям освещения сверху вниз или от центра к периферии изображения <...>
Каково же назначение общего красочного тона в конечных стадиях? Очень часто он бывает нужен для понижения яркости фона, выявления главного, для уточнения колорита и внесения дополнительных оттенков в общий цветовой тон.
Если для получения общего цветового тона начальных стадий наносятся наиболее яркие, светлые и насыщенные краски, способные просвечивать через последующие, то в конечных стадиях по большей части применяются краски спокойные, малоинтенсивные, сдерживающие яркие краски цветного основания.
Нанесение общего цвета производится в том случае, если моделировка уже произведена и цвет ее в общей сложности не дал необходимого оттенка или если изображение по общему колориту отступает от передаваемого освещения. Может случиться, что во время работы упущено единство освещения, общность окраски света. Тогда общий цветовой характер достигается покрытием всего изображения одним цветом.<...>
В портретной живописи очень часто мастера пользуются приемом обобщения. Причем обобщению подлежат второстепенные детали окружения, костюма, атрибутов и .т п., с тем чтобы они не отвлекали на себя внимание зрителя и дали возможность сосредоточиться на самом лице, на его наиболее характерных чертах. Акварельный портрет д. И. Менделеева,
исполненный И. Е. Репиным (рис. 62), представляет первоклассный пример обобщения окружающих предметов, деталей костюма и выявления главного в портрете: черт лица, внешнего облика, внутреннего состояния портретируемого и .т д.
С точки зрения техники приемы обобщения не представляют большой трудности, обобщение требует лишь большой осторожности и легкости исполнения. Трудность заключается скорее в творческой, композиционной стороне дела, где требуется продуманное и осмысленное применение приемов конечных стадий."
Детализация
"Итак, детализация - завершающая стадия работы. Детальной разработке подвергаются наиболее ответственные места изображения. Детализацией выявляется центр композиции, на котором сосредоточивается внимание зрителей. Последовательная и обдуманная детализация подчеркивает характер персонажей, обогащает изображение, делает его более глубоким по идейному содержанию и повышает его познавательную ценность."
Это был отрывок из тоже книги.
Чаще всего работа начинается с крупных заливок, а в конце участки требующие доработки уменьшаются и конечные мазки тоже становятся небольшими и деликатными, и они наиболее заметны после высыхания. Поэтому важно наносить их по форме объекта. Это правило актуально для всех техник. Например, работая маслом, также нужно наносить краску по форме. Движения кистью - это штрихи.
"Направление штриха имеет очень большое значение. Одним направлением мазков и штрихов достигается иногда больше, чем точным подбором цвета. Так, изображение спокойной водной поверхности требует, чтобы штрихи и мазки имели горизонтальное направление: для передачи дождя иногда необходимы наклонные штрихи; в изображениях фонтанов и водопадов необходимы движения вооруженной кистью руки строго по направлению струи воды."
Акварельная техника не дает возможность улучшать и исправлять работу бесконечно, так как бумага этого не выдержит, а краска потеряет прозрачность. Что бы объективно оценить свою картину и предстоящий объем работы, нужно делать перерывы, смотреть издалека, фотографировать или смотреть в зеркале.
Очень часто, я разбиваю работу на два дня, или больше. Если работа писалась за один день, то позже я всегда нахожу, что еще можно исправить. Да и на последних стадиях накапливается усталость, и можно повести себя неаккуратно.
Лучше вовремя себя остановить и отложить работу, чем потом жалеть о неудачном фрагменте.
Спасибо, что дочитали статью! Желаю вам успехов!