Здравствуйте, мы в гостях у художника Михаила Шиханова-Кублицкогоо, в его галерее в Москве.
Творчество Михаила отмечено Золотой медалью Российской академии художеств (РАХ), медалью Ордена «За заслуги перед Отечеством» II степени — за вклад в развитие отечественной культуры и искусства. Является членом Союза художников России и Московского союза художников, поощрен Губернаторской Грамотой. Художник много путешествует по миру и пишет картины с натуры, на пленэрах.
География путешествий впечатляет: на сегодняшний день Михаил работал более чем в 40 странах мира, а некоторые из них посещает каждый год.
Здравствуйте, Михаил. Я в Вашей галерее была не однажды, здесь поддерживающая и вдохновляющая обстановка, хочется возвращаться сюда снова и снова. Скажите пожалуйста, когда Вы в себе обнаружили этот талант – талант художника?
Михаил: Талант – это вещь относительная. Я работаю в этой теме всю жизнь и изначально после получения средне-специального образования я попал в команду замечательных художников-монументалистов, которые в свое время расписывали Храм Христа Спасителя и как раз после этой их важной работы я присоединился к этой команде и мы делали роспись в Свято-Введенском Толгском женском монастыре, в Ярославле, потом была еще одна важная работа монументальная Часовня Александра Невского, и третья работа, которая длилась два года, объемная, кропотливая, сложная физически – Роспись Храма Сергия, исполнили 2 тысячи метров живописи в нем. Это живопись, но другая – это монументальная роспись, когда Храм нам достается с белыми стенами, мы проектируем всю эту работу, делаем эскиз, макет, расписываем его и потом эту роспись мы переносим на стену, делаются рисунки, выкраски и, собственно говоря, все это в итоге приводится к единому знаменателю.
🖼 Работа «под ключ» у Вас происходит как задумали сразу, с первого раза, без переделок? Как у Вас это фактически исполняется?
Михаил: В монументальной живописи, в храме, конечно, какие-то переделки предусматриваются. Работа над станковой картиной другая, стандартные работы – 50х70 см, большие работы – 140х200. А в храмовой живописи это огромное количество композиций, каждую из которых нужно скомпоновать и по цвету, и по тону, и по рисунку, и все их опять же нужно сгармонизировать между собой, чтобы это стало единым произведением искусства, чтобы ни одна композиция не выбивалась, не было никаких ярких вспышек по цвету, только то, что задумано, то, что помогает нашей композиции и общей задумке.
🖼 От чего больше получаете удовольствие: от станковой работы или от росписи в Храме? Можно ли эти удовольствия сравнивать?
Михаил: Их здорово сочетать, мне очень нравится, когда я уже свои храмы расписывал: 2 храма это уже моя авторская работа, за которую я полностью отвечал, где я работал уже со своими ребятами, делал роспись со своими учениками. Мне очень нравится сочетать монументальную роспись, когда я месяц-полтора-два нахожусь «на стене», а потом выезжаю на пленэр и пишу такого плана этюдную живопись, а потом с этюдов приезжаю и с новыми силами встаю «на стену». Тема одна, а задачи разные и техника разная, и места разные. Смена деятельности между работой «на стене» и пленэре очень продуктивна для меня. Переход от большого формата к маленькому и обратно. Смена техник – это очень эффективно. Здесь одно вдохновение, там другое. Занимаясь написанием этюдов станковой живописи, думаешь о своих задачах, которые предстоят в монументальной росписи и наоборот. Когда находишься «на стене» уже подогревает та мысль, что скоро ехать на Корфу или в Италию на пленэр, или во Францию. И это постоянно как какой-то маяк один второй третий – это и есть вдохновение, когда знаешь свои перспективы, и это здорово.
🖼 Легко расставаться со своими творениями, когда их покупают, например? И как чаще получается писать по вдохновению или под заказ?
Михаил: По вдохновению, конечно, проще писать, потому что создается работа по своей задумке, а под заказ, когда пишется картина, нужно естественно учитывать пожелания заказчика и это более сложная тема понравится-не понравится. Одно дело, когда создается серия работ на пленэре и вот они есть, и зритель смотрит, нравится, готов купить, покупает. А другое дело под заказ, например портрет, человек должен быть похож или какой-то пейзаж с определенным настроением. Заказные работы писать, конечно, сложнее, но это же моя работа. А те работы, с которыми сложно расстаться или они имеют для меня определенную ценность, жалко продать, я их просто не показываю и не продаю соответственно, я их оставляю для себя, потому что бывает, что я понимаю, что какие-то вещи мне точно не повторить, плюс такая ретроспектива должна быть для каких-то важных выставок, где я могу показать свои разные этапы творчества.
🖼 А душу куда больше вкладываете?
Михаил: Я во все свои работы всегда вкладываю свою душу, потому что это то, что останется после меня, поэтому не хочется, чтобы были вопросы к тому, что я делаю, все-таки я профессионал, я должен выдавать определенный уровень в живописи.
🖼 Вы сами продаете свои творения?
Михаил: Да, продаю сам. У меня две галереи, одна галерея в Москве, вторая галерея-мастерская в Ярославле. Продаю сам и мне это также приносит удовольствие. Продавать я должен, это мотивация писать дальше и в принципе те работы, которые у меня в продаже – я продаю их с удовольствием. Все покупатели разные, но в основном покупатели мои это благодарные зрители, поэтому я и продаю с удовольствием, я продолжаю общаться с моими заказчиками, мы поддерживаем отношения. Так что это моя жизнь, мой путь.
🖼 Ваши картины есть у Вас дома?
Михаил: Конечно, у меня полная экспозиция моих работ. Есть картины З.К. Церетели, которые я купил для себя, есть графика его оригинальная, есть шелкография тиражная, это моя коллекция. Я хочу сформировать свою коллекцию, иметь в ней картины тех авторов, которые мне интересны, кого я уважаю, ценю. Но в основном в моих интерьерах моя живопись. Я с удовольствием с ней живу, она мне нравится, мне нравится ее разглядывать, поэтому у меня ее много.
🖼 В Вашей семье Вы единственный художник?
Михаил: У меня младший брат художник и старший брат художник. Все художники. Все занимаются этим видом деятельности. Старший брат протоиерей, служит в храме и занимается живописью. Младший брат со мной занимался монументальной живописью и еще один вид его творческой деятельности, студия творчества, занимается с детьми и взрослыми, через его студию прошло около 600 человек.
🖼 Заметила, что во многих Ваших картинах присутствует золото. Что это для Вас? Это какой-то символизм?
Михаил: Это такие интерьерные работы. Первую я сделал совершенно случайно, я взял это из монументальной живописи, когда, работая в команде с ребятами они не использовали золото, хотя оно в иконах используется, у нас была ориентация на Ярославль XVII в. Это Гурий Никитин, Дионисий, которые не использовали золото, а вместо золота, в качестве художественного приема и экономии, нимбы например, которые должны быть золотыми, они писались охрой, а фоны были синими и это давало ощущение свечения. Когда я стал сольно работать, у меня появились заказчики, которые попросили меня в одной работе использовать золото. Я пригласил человека, который позолотил мне нужные фрагменты работы, он меня и научил наносить это сусальное золото. А я в качестве тренировки как-то позолотил себе планшет, находясь в Санкт-Петербурге на пленэре, все холсты уже были исписаны за месяц, а золотой планшет у меня остался. В результате я решил на нем написать вот этот образ, архитектурное сооружение, Новую Голландию, в закатном состоянии, когда солнце находится за архитектурой. Я этот прием в первый раз использовал, потом написал цветы на золоте – и эти две работы я представил на своей персональной выставке в усадьбе Архангельское, они стали пользоваться спросом, одну работу я продал и потихоньку я стал эту тему применять именно с натуры на полностью позолоченном холсте. Эти работы при разном освещении по-разному смотрятся.
🖼 А что Вы можете посоветовать другим начинающим художникам? Ведь многие художники остаются в тени, безызвестными и чаще всего их картины не продаются и с чем это может быть связано, что можете посоветовать, чтобы им стать более востребованными?
Михаил: Верить в себя, верить в свое дело.
Я с детства хотел заниматься живописью и я видел в этом перспективу.
Во-первых, мне это нравится делать, а во-вторых, получается продавать и это был долгий путь. Первые работы я стал продавать примерно в 30 лет, поэтому больше работать, естественно переходить из количества в качество, работать с натуры и верить в себя. Уметь себя подать тоже важно.
👩💼 Автор статьи и интервью: Ольга Базутова
🔗 Мои социальные сети и связь со мной:
🔴 Youtube
🔵 Telegram