Краткое вступительное слово.
Вопреки обыкновению, эта статья была написано не мной одним. Строго говоря, это общая работа, меня Петра, и Барковой Ирины. В рамках изучения истории современного искусства появилась задача выбрать тему и провести небольшое исследование, и не поделиться им я просто не могу.
Выражаю ей отдельную благодарность за то, что согласилась опубликовать ее здесь.
Вступительное слово.
В конце 20-ого века доминирующим направлением в философии и культуре становится лингвистика. Язык, являясь основой культуры, все больше пронизывает собой все сферы жизни человека. Реальность, все дальше уходящая от природы, все больше приближается к человеческой культуре и языку. Именно поэтому, понятия и термины из лингвистики начинают широко применяться в различных науках и в искусстве, в том числе, и понятие концептуализации и концепта. Основываясь на лингвистических словарях можно утверждать, что концептуализация — это особый процесс познавательной деятельности, в ходе которого, путем впитывания и обработки информации человек формирует для себя концепты. Концепт, в свою очередь — это некое очерченное понятие, совокупность представлений об определенном феномене, позволяющее отличать его от других феноменов. Концепты, в форме понятий, категорий, обобщенных абстрактных представлений, существуют в самой основе человеческого мышления. Однако, несмотря на существование базовых концептов, человек на протяжении истории создает новые. В тот момент, когда у произведений искусства появляется содержание и смысл, искусство становится концептуальным в общем смысле этого слова, так как вмещает в себе концепт. По моему мнению, так как концептуализация является одной из основ самого процесса мышления человека, в той или иной форме, она присутствовала в искусстве всегда. Однако принято считать, что концептуальное искусство, как специфическое литературно-художественное направление, сформировалось лишь на стыке 60-ых - 70-ых годов 20-ого века. И не зря концептуализм выделяют отдельно, потому что в нем появляется очень важный фактор, а именно поиск концептов, что во многом роднит философию и искусство. Исходя из этого, мы можем определить, что концептуальное искусство — это то искусство, целью которого является поиск и выражение какого-то концепта, донесение его до зрителя. Концептуальное искусство может изучать даже само себя: «Самое “чистое” определение концептуального искусства заключается в том, что это исследование основ понятия “искусство” и того, что оно стало означать».
Как происходило переплетение философии и искусства?
Рассмотрим генезис возникновения концептуального искусства как способа философствования начиная с примеров первейшей, простой концептуализации, не несущей философский подтекст.
Архаичное, первобытное искусство, имело перед собой первичную цель - отображение действительности. Представление о ритуалах и магическом мышлении первобытных людей также подтверждает эту идею. Наскальное изображение животного для первобытного художника являлось не просто символом животного, но его прямым отображением, связанным с оригиналом. Стоит отметить, что эти рисунки не всегда были примитивными или лишенными реализма, скорее напротив, не были схематичны, и старались отобразить животных такими, какие они есть. Первобытное мышление по своей природе синкретично, и не разделяет познание, верование, искусство - они существуют в неразрывном единстве, которое прямо соотносится с действительностью и описывает ее. Концепты, отраженные в творчестве, носят простой характер отражения действительности, а также попыток воздействовать на нее.
Творчество античных авторов расширяет границы искусства. В нем становится больше реализма, но вместе с тем, появляется и больше идеализации объектов действительности и воображения. В античности различные сферы культуры начинают разделяться и приобретать собственные границы. Философия и зарождающаяся наука стремятся описать мироздание, выявить его закономерности. Искусство же тяготеет к идеализации формы и содержания, что выражается в скульптуре, архитектуре, поэзии античности. Однако, в позднюю античность начинается постепенный переход к большему реализму. Римские скульптуры уже не изображают молодых и прекрасных абстрактных юношей, а не стыдясь морщин и изъянов ваяют реалистичные портреты. Античное искусство ставит перед собой определенные концептуальные задачи, незначительно отличающиеся в зависимости от автора. Искусство все еще не используется как способ осмысления действительности, а лишь как способ ее отражения.
Средние века, со своим теоцентризмом, отходят от традиций античности. Изображения людей, животных, сюжетов и историй становится весьма символичны и концептуальным. Так, к примеру, на ряду с тем, что рыцарь может предстать перед нами в весьма комичном виде, с нарушенными пропорциями, в неестественной позе, его герб, обмундирование, другие важные элементы будут на сто процентов соответствовать действительности. Средние века, несомненно, период торжества содержания над формой. Тем не менее, содержание не приходило к поиску и осмыслению, а лишь отображало единую и понятную для всех действительность. В теоцентричной системе самое главное — это бог и его замысел. Таким образом, искусство средних веков делает акцент на содержании, концептах, а не форме, но эти концепты неизменны, подчинены канонам и догматам.
Возрождение, а позднее и новое время, аккуратно возвращает нас к идеалам античности. Как только происходит антропоцентрические поворот, центром мировоззрения вновь становится человек, мы видим, как в искусстве так же возрастает важность прекрасной формы, но вместе с тем, и важность объективного отображения действительности. Классическое искусство гармонично, и даже при изображении неприглядной действительности явно фигурируют идеалы, к которым эта действительность стремится. И несмотря на то, что человеческое знание становится куда более сложное, мир все еще воспринимается как иерархично-упорядоченный, гармоничный. Тут нет места поиску смысла - то есть концепции.
На смену новому времени приходит совершенно иной модерн. К 19 веку в науке и религии, которые доминировали ранее, наблюдаются невиданные ранее кризисы. Антиклерикальные идеи, застои в научных прорывах, все это отражается в неклассической философии, и неклассическом искусстве. Авторы постепенно начинают искать новые формы для описания действительности, новые идеи. Отход от классических форм происходит постепенно, но неумолимо. Форма все смелее и оригинальнее, посыл все новее и неоднозначнее. В этот момент происходит поиск новых форм и идеалов. На фоне деконструкции многих принятых концептов, появляются новые направления в искусстве: кубизм, абстракционизм, супрематизм. Искусство становится в основе своей концептуальным, согласно определению, выведенному ранее. Оно в той или иной степени связано с философией, чего не наблюдается в традиционном искусства, основной функцией которого является эстетическая. И в то время, как философия оперирует философскими концептами, искусство предлагает иной язык для концепций – визуальный. «Концептуальным содержанием абстракции может являться стремление к выражению духовного, попытка вывести формулу мироздания, как в случае с супрематизмом К. Малевича. Абстрактное искусство может быть выплеском подсознательных импульсов художника, как в случае с абстрактным экспрессионизмом Д. Поллока и М. Ротко. Абстракция концептуально может быть попыткой разложить живопись на составляющие ее элементарные частицы.»
Наконец, вторая мировая война подводит итог эпохи модерна. Увядание модерна и переход к постмодерну не происходит мгновенно, а занимает полтора десятилетия. После войны наступает период апатии и разочарования во всех идеалах прошлого. Идеолог постмодернизма в философии Ж. Деррида считает западную «логоцентрическую традицию», а именно идеалы истины, прогресса, красоты, справедливого общества, не более чем «совокупностью идеологем и мифов». После войны, массового террора, использования науки для убийства, разрушения идеи гуманизма, невозможно было вернуться к прошлому, которое радостно провозглашало все разрушенные идеалы. Это поражение во всех сферах культуры сильно затронуло искусство. Оно приобрело черты радикального релятивизма, окончательного гносеологического хаоса и пессимизма. «У нового художника, художника XX в., нет и быть не может единственной и исключительной концепции истины и красоты», он оказывается «закоренелым релятивистом, для которого постоянно только изменение и действительна лишь относительность», — пишет А. К. Якимович.
Тем не менее, в таком отчаянном положении, искусство начало искать новые выходы, способы, и средства выражения. Можно сказать оно пытается найти способ существования, в котором был бы смысл.
Одним из таких ответов становится концептуальное искусство как направление. Как мы можем видеть, концептуализация всегда лежит в основе человеческого мышления. Но как специфическое направление, концептуальное искусство отличается от всего ранее существовавшего следующим. В этом направлении основной акцент делается на поиске концепта, определенного мысленного конструкта, и его передаче. Форма в этом направлении может быть совершенно любой, предмет, явление процесс — это не имеет значения. Весьма ярко суть концептуализма иллюстрируется картиной “Один и три стула” Джозефа Кошута. На этой инсталляции представлен стул, фото стула и его описание. Но с точки зрения концептуализма — это три равноправных стула. Тут же стоит упомянуть о двух понятиях, отпечатавших свой след на постмодернизме в целом, и на концептуализме в частности. Этими понятиями являются экзистенциализм и философия языка. Концептуализм глубоко экзистенциален, так как творцы его передают мироощущение человека, пережившего мировые войны. Так же концептуализм активно оперирует тестом, в визуальном искусстве. “По сути, концептуальное искусство имеет дело с игрой смыслов, оно опирается на многозначность и метафоричность языка, переносит фокус внимания с визуального в область означаемого, и здесь мы действительно имеем дело уже с философией языка.”
В связи с таким оригинальным пониманием искусства возникает вопрос, может ли такая форма творчества быть способом философствования, а значит и познания? Как ранее уже было сказано - да. Именно абсолютная смещенность в сторону идей и смыслов, а не формы, позволяет находить и доносить совершенно различные идеи. Среди хаоса смыслов, отсутствия общей системы мировоззрения концептуальное искусство предлагает свой взгляд на новый мир, включающий глобализм (в противовес войне), единство искусства и жизни, простоту, текстуальность. Ярким носителем и выразителем идей был и художник XX - XXI веков...
... Он Кавара
Он Кавара - художник японского происхождения, родился в 1933 году. Пережив в Японии всю войну и послевоенные годы, в 1959 он покинул родину. Пожив какое-то время во Франции и Мексике, он наконец поселяется в Нью Йорке в 1965, где продолжит свою выдающуюся карьеру художника.
Знакомясь с работами об Он Каваре, рассматривая посвященные ему книги и сайты, можно увидеть, что его раннему творчеству уделяется весьма мало внимания. У этого есть две основные причины. Первая - сам Он Кавара не любил свое раннее творчество. Более того, множество своих ранних работ он собственноручно уничтожил. Вторая же причина — это его эпохальная концептуальная серия Today, которая попросту затмила собой его раннее творчество в глазах как критиков, так и широкой общественности. Тем не менее, чтобы показать всю глубину его мысли, которую он выражал творчеством, очень важно понять, как и почему оно изменялось.
Среди картин Кавары было множество сюжетов на тему второй мировой войны, а конкретнее, атомной бомбардировки городов Хиросима и Нагасаки. Это болезненная и чудовищная тема затронула всех деятелей искусства Японии, и Кавара не стал исключением. Большую часть своих картин, изображающих атомные взрывы и их последствия, автор уничтожил, однако сохранилась картина “Думающий человек” (1952 г.). На момент ее создания автору было всего 20 лет. На картине изображен изъязвленный и болезненный, голодный, покрытый красными пятнами человек. Весь его контур, как и контур предметов всего окружения комнаты, идут четко прорисованной черной рябью. Герменевтический анализ произведения позволяет понять, что это демонстрация радиационного фона. Уже в этой ранней работе видна концептуальная мысль. Кавара показывает не сам взрыв, масштаб катастрофы, но ужасную агонию отдельно взятого человека, олицетворяющего всю пострадавшую Японию. Также, помимо очевидного мотива страдания, стоит обратить внимание на название картины, а также на позу фигуры. “Думающий человек” действительно застыл на полотне с рукой у лица, как бы задумавшись о чем-то. Его мысли далеки от радости, но он не страдает, а думает, осмысляет, рефлексирует. Это подталкивает и зрителя задуматься, а не просто посочувствовать горю.
В 1955-1956 годах 23-летний Кавара создает серию работ под названием “Thanatophanies”, она же “Death Masks”. Это цикл фотографичных портретов людей, переживших последствия или момент ядерного удара. Кавара не стал завершать этот цикл работ, но тем не менее, картины вновь демонстрируют нам глубокое переживание Кавары. Люди на этих картинах выглядят гротескно, страшно, отталкивающе. Заглавие же - Смерто-поклонники, снова как будто заставляет посмотреть на работы под иным углом. Кавара как бы говорит о близости этих людей к смерти, не об их мгновенной гибели, об их неизбежном стремлении к Танатосу.
Как мы видим, основные концепты, которые стремится донести Он Кавара, это мысли о последствиях, в первую очередь негативных, действий человека и их значении. Работа Stones Thrown (1956 г.) буквально своим названием говорит нам об этом посыле. На этой картине изображен ряд автомобильных шин на кирпичной или плиточной поверхности, усыпанной галькой и несколькими палочками. Мысль автора можно понять различным образом. Мы ли эти мелкие камни брошенные под огромные колеса истории, или же запуск колес — это и есть настоящие “брошенные камни”, решить однозначно сложно. Тем не менее, не смотря на возросшую абстрактность формы, мы видим общий тон картины. Ее темная палитра и клаустрофобная композиция передают смутное, но безошибочно узнаваемое ощущение дурного предчувствия и подавленности. Необычная форма холста еще больше подчеркивает своеобразие изображения и его дезориентирующий эффект, как физически, так и психологически.
В своих ранних работах, Он Кавара уже предлагает нам понятные концепты, но не является художником концептуалистом. Он, вместе со всем миром искусства, пережил весь ужас конца эпохи модерна и выразил его с помощью искусства. Причем, стоить отметить, что стиль его картин близок к понятию модерна и его направлениям живописи. Но, в дальнейшем Кавара, по всей видимости, изменится как человек, решит жить и существовать дальше, как и его творчество.
Одной из поворотных работ в творчестве Он Кавары является Title (1965 г.), представляет из себя триптих, где на темно-бордовом фоне нарисованы слова “ONE THING”, “1965”, “VIET-NAM”. Каждая фраза занимает отдельное полотно в этой же очередности. Кавара пишет эту картину в первый же год своего пребывания в Нью Йорке, и эта картина - очередное его антивоенное послание. Вновь болезненная тема агрессии больших народов против малых, войны, будущих страданий. Но средство выражения кардинально поменялось, а в дальнейшем изменится еще сильнее. В “Заголовке” Кавара многое говорит нам одним названием. Заголовок, как важная мысль, как заголовок печатной новостной газеты, как заглавие и начало его новой живописи. “Одна вещь” происходит и существует сегодня, здесь и сейчас, в “1965”, и это трагедия “Вьетнама”.
Концептуальная живопись не зря имеет в своем названии слово, пришедшее из лингвистики. Во многом, именно привнесение слова и текста в живопись и является одной из ключевых отличительных черт концептуальной живописи Нью-Йорка, зародившейся во второй половине 60-ых.
Начиная с января 1966 года Он Кавара начинает свою эпохальную серию работ под названием “Today”. В отличии от предыдущих работ, которые были замечены и оценены критиками, серия “Сегодня” принесла художнику настоящую славу, и вместе с тем, явила нам нового концептуального художника. “JAN.4,1966” - картина, название которой говорит нам ровно обо всем, что есть на этой картине. Это полотно, где на голубом фоне, в привычном для Америки формате, написана дата: 4 января 1966 года. Это первая картина в серии, которую художник будет продолжать до конца жизни.
Концепция цикла “Сегодня” состоит в следующем. Кавара пишет одну картину, используя традиционный холст, кисть и краски, за один день. На картине запечатлена полная дата дня, в который она была создана. Дата подписывается всякий раз тем образом, который характерен для местности, где Он Кавара ее рисовал. Язык, которым написан месяц, также изменяется, а если Кавара не знал местного языка, то использовал эсперанто. Если картине не была закончена до конца дня - она просто уничтожалась.
Каждая картина цикла, апогей концептуализма Кавары, который прослеживался и в ранних работах. Видя лишь дату, человек сам должен понимать, какие события за ней кроются, к каким мыслям это его приводит. Это будут и его личные переживания, и исторические события. Про Вьетнам Кавара бы теперь нарисовал лишь “1965”, а про Хиросиму и Нагасаки: 6 и 9 августа 1945 соответственно. Но Кавара больше не возвращался к прошлому и травмам. за этим видно его экзистенциальное размышление и выход из душевного кризиса, который он пережил. Каждая работа из серии “Today” манифестирует в первую очередь самое главное для него - факт его текущего существования. Очевидный, и вместе с тем поразительный факт продолжения жизни. Вместе с тем, каждый кто видит картину также осознает и факт своего существования, и знаковых событий, и множество другого, хотя на холсте, красуется всего лишь очередная дата.
Чтобы дополнить свою концепцию, Кавара позже добавляет к своим картинам вырезки из местных газет. Так, например, запечатляется ключевое событие конкретной даты, а вместе с ним и его смысл.
Помимо цикла картин, восприняв идею текста как средства выражения для концептуального художника, произведениями искусства становятся циклы работ “I Got Up At…” “I Went” и “I met”. Цикл “Я встал в…” - это серия открыток, где автор точно описывает, где именно и во сколько конкретно он проснулся. Цикл “Я пошел” представляет из себя черно белые карты с подробным красным маршрутом передвижения художника, а цикл “Я встретил”, является машинописным списком всех людей, которых Кавара повстречал за день. Всего работа из этих циклов насчитываются тысячи. Он Кавара старался довольно регулярно и четко описывать три простых аспекта своей жизни. Но для чего? С единственной целью, провозглашая свой новый и главный концепт и манифест - Я существую, я жив. Все эти будничные вещи являются достоверными и убедительными подтверждениями того, что он все еще существует, он живет, и этому есть свидетели. Он продолжает жить.
Если на первый взгляд эта самоочевидная идея кажется простой, то в контексте всей его жизни и творчества она смотрится значительно глубже. Будучи пораженным ужасами войны и хрупкостью человеческой жизни, Он Кавара страдал, и выражал это страдание и агонию, этот страх. Но, по всей видимости, в какой-то момент, он преодолел свою экзистенциальную отчужденность и страх. Он осознал, что продолжает жить, и это главное. Что действительность, может быть разнообразна и многогранна, и самое главное, что может быть — это напоминать об этом себе и зрителю.
Ярче всего эта идея отражается в его телеграммах друзьям и знакомым, которые также стали объектами искусства. В случайный момент времени Он Кавара просто мог написать им “I Am Still Alive” - “Я все Еще Жив” (Я живой, Я остаюсь живым). Так художник, который никогда не давал интервью и комментарии к своим работам, напрямую выражал людям самое важное, что он понял за свою жизнь, главный концепт, который хотел донести, что он жив, что мир существует. Это его ответ ужасам войны и энтропии, ответ, которым он поделился со всем миром.
Небольшой итог
Как мы можем видеть, концептуальное искусство может совсем не обладать особенной художественной формой, быть простым, но при этом доносить глубокие, и крайне важные мысли, за счет акцента на смысле. Оно является визуальной формой философского размышления о сути искусства, жизни, устройства мира, что соответствует философским дисциплинам (эстетика, онтология, этика). Что еще важнее, для самого Он Кавары его творчество стало тем, что помогло ему переосмыслить свою жизнь, найти в ней нечто новое и жить дальше. Его искусство это способ его личных философских размышлений, а также почва для размышления зрителя о собственной жизни, о важных для него событиях, людях, местах. Это напоминание каждому, кто может еще воспринять его работы, что он еще жив.
Если ты дочитал это до конца - спасибо, я очень рад. Надеюсь, что это приоткроет для тебя некоторые грани современного творчества.