Привет, дорогие читатели. Прежде чем раскрыть то, о чем я собираюсь вам рассказать, напомню, для кого я пишу цикл статей на тему: "Пианист VS клавишник".
Пишу я их для тех, кто когда-то был в ситуации, схожей с той, в которой я оказалась летом 2005 года: "Позвали в группу клавишником. Все, что умею — хорошо играть на фортепиано. Как быть?"
Я категорически против той ситуации, которая называется: "Забудьте всё то, чему вас учили, и учитесь заново, совсем с другого бока". В первую очередь потому, что не все могут себе позволить такое, практически, "стирание личной истории". Да и это бессмысленно, не говоря уж о том, что может быть болезненно и вообще отбить желание учиться новому.
Короче, я выступаю за то, чтобы человек с проблемой: "Не клавишник, а пианист" как бы "нанизывал" новый опыт экологично на имеющийся, использовал сильные стороны своего опыта и образования.
Исходя из этого я и пишу эти статьи. И искренне верю, что находящие их люди получат реальную пользу, на практике и без серьезной попаболи помогающую им примириться с новой реальностью, не чувствовать себя дебилом, профаном (при наличии твёрдой-то экспертности) или каким-то очень "отсталым" человеком. Исходя из подхода, описанного выше, я и даю советы в данном цикле статей.
Я — сама человек с таким опытом и проходила этот путь. Потому и рекомендую таким же людям то, что помогло в свое время мне.
А теперь – переходим к теме, о которой я и планировала рассказать в этой статье.
Собственно говоря, как, имея академическую базу, работать со звуком, с собственным звучанием в неакадемической музыке?
Если вы учились в заведении действительно хорошо и глубоко, а не просто "оттарабанили программу в качестве голого нотного текста - сдали зачеты и экзамены - повалили восвояси" и, помимо специальности, занимались еще и наслушанностью, а музлитература для вас - содержательный предмет был, а не просто "зазубрил факты - сдал зачет - пошёл", то давайте вспомним то, как работа со звуком происходила в вашем процессе обучения.
Из фортепиано тоже надо извлекать очень разнообразное количество звуков, с различной тембральной характеристикой. Произведения тоже надо чувствовать. И, даже учитывая, что пианист играет за целый оркестр, правильно расставлять акценты. На это и обопремся, ибо данная история нам уже знакома (в отличие от тех музыкантов, которые академической базы не имеет совсем).
Итак. Выбирая звучание для клавишных партий, нужно уметь давать характеристику звуку путём ассоциаций.
Привожу классную аналогию с дегустацией вина.
Кстати, это – моё хобби тоже, дегустировать хорошее французское вино, хотя я делаю это весьма редко, действительно дегустирую, а не набухиваюсь под предлогом дегустации :)))
Сомелье профессиональные по части вин умеют раскладывать вкус на составные части, описывая и характеризуя его с разных сторон и множества граней. Также сомелье знают, как вкус вина "отыгрывается" в сочетании с различной едой: какие новые характеристики у того или иного вина открываются при "закуси" даже разными сортами того же сыра, какие - прорадают.
То же самое вполне может делать и клавишник, анализируя не только партию, но и собственное звучание.
Характеризуйте сначала сам звук. Описывайте ассоциативно все характеристики тембра или настройки, которую нашли в собственном инструменте. Плоский или объемный? Резкий или тягучий?
Характеризуйте звук в общем звучании коллектива. Чего не хватает? Не хватает читаемости? Или объема? Или еще чего-то?
Также, зачастую, в треке, записанном на студии, клавишную партию из которого вам предстоит сыграть, может быть один какой-то определенный тембр (к примеру, звук струнных). А в живом исполнении все то же самое лишается выразительности. В такой ситуации поможет смешение тембров, наложение одного звука на другой.
Если звук плоский, добавляем объема путем смешивания двух и более тембров. Слишком расплывчатый? Меняем настройки атаки или тоже смешиваем. Эта история, кстати, может частично спасти и ситуацию с современными бюджетными синтами, звук которых, мягко говоря, оставляет желать лучшего (из-за того, что, выпуская бюджетные рабочие станции, ряд производителей решил сэкономить либо на семплах, либо на аналогово-цифровом преобразователе).
Как в ситуации с вином и с едой, есть связь между вашим звучанием и звучанием группы в целом. Даже, казалось бы, при одном и том же составе ансамбля, играя, условно, один и тот же кавер, звучать вы можете по-разному. И если с одними музыкантами уже привычное вам звучание прокатывало, даже наличие другой гитары, с другими тембральными характеристиками, может стать поводом для перестройки звука для уже привычной партии.
Расскажу историю. Примерно 11,5 лет назад я играла композицию "Cross of thorns" на одном кавер-пати. Недавно мне снова пришлось ее сыграть в одном из сессионных сетов. Я вижу, что звук гитары (единственной, иногда их в группах бывает две и это тоже влияет) — совсем другой, без плотной середины. И в основном рифе припева в общем звучании группы не хватает объема и ощущения перегруза. Соответственно, это ощущение я и добавила. Получилось мощно.
Или другой, недавний случай. В студийке одно вступление, которое мне нужно было сыграть, звучало чудовищно плоско: как будто подставили звук из "гитар про".
Выдала свое видение. Стало действительно мощно и передало нужную атмосферу "армагеддеца" гораздо лучше, чем исходник.
В общем, я призываю вас стать "звуковым сомелье". Пробуйте, анализируйте, экспериментируйте и будет вам счастье.
Благодарю за интерес к моим статьям :)