В Центре пропаганды изобразительного искусства сейчас проходит выставка литографий с работ Анри Матисса "Взгляд".
В связи с этим нам хотелось бы рассказать нашим читателям о том, какое значение имеет творчество французского мастера для искусства всего двадцатого века, и о том как художник стал своеобразным проводником между эпохами, объединив в своем искусстве Belle Epoque и первое десятилетие, последовавшее за окончанием Второй Мировой войны.
Прожив долгую жизнь, Матисс стал своеобразным мостом между творчеством постимпрессионистов и художников второй половины столетия. В его работах наглядно проступают те тенденции развития искусства, без которых совершенно невозможно представить как сам модернизм, так и те черты, которые достались нам от модернистской эпохи по наследству. Более того - Матисс сам во многом являлся законодателем развития новых художественных открытий
На примере произведений художника разберем, какие ключевые категории творчества, составившие саму суть искусства двадцатого века, были подхвачены, использованы и развиты им на протяжении своей долгой художественной эволюции.
Выберем 12 подобных категорий и разберем их:
1 - Цвет
В отличии от творчества импрессионистов, которые, изучая разложение солнечного света по спектрам, стремились передать мир в его точной мгновенности (вспомним знаменитую серию с Руанским собором у Клода Моне), "таким как он есть", не отступая от греческого понятия мимесиса - натуралистичности и жизнеподобия, художники следующего поколения интересовались в первую очередь внутренними смыслами, которые искусство стремилось раскрыть через цвет, форму, фактуру.
Матисс на упреки в том, что его модели "нереалистичны", отвечал, что он пишет не женщин, а картины. Не зависящая от внешних факторов энергия цвета, ощущение художника, что именно такие краски подойдут в данном случае, чтобы передать художественную правду, стали новыми для истории искусства амбициями, в том, чтобы не зависеть больше от "реальности" мира, а самому творить ее. Наступила эпоха модернизма и его мастеров - творцов новых знаков и смыслов!
2 - Форма
Бок о бок с цветом, разумеется, идет понятие формы.
Если классическое искусство часто бывает работает с огромностью и неиссякаемостью мира и его деталей (особенно это можно сказать про барокко), то искусство модернизма старается передать самую суть, формулу изображаемого. В этом есть большая философская составляющая - художники становятся претендентами на то, чтобы "вскрыть" мир, дешифровать спрятанные в нем, невидимые невооруженным, привычным взглядом смыслы.
Матисс утверждал, что с его полотен нельзя убрать ничего, чтобы они не утратили внутреннего единства. И это действительно так - лаконичность его работ предполагает то, что ничего ненужного там быть не может.
3 - Ритм. Музыка.
Во многих работах как Анри Матисса, так и других великих художников 20-го столетия, средства художественной выразительности так упрощаются, что апеллируют к самым глубоким, древним слоям сознания зрителей, ответственным за восприятие ритма и музыки, восприятия, которое в первую очередь не интеллектуализированно, а инстинктивно и проходит сквозь нас словно электрический ток или поток воды.
4 - Безликость
На многих работах Матисса, как и в произведениях его современников - Джорджо Де Кирико, Каземира Малевича и многих других, глаза на изображаемой человеческой фигуре либо вовсе отсутствуют, либо намечены абсолютно схематично, являются пустыми.
Такая системность, разумеется, не случайна. Одна из причин по которой художники обращались к теме безликости в том, что глаза принято называть зеркалом человеческой души и чтобы за душой конкретного индивида не стояло, в любом случае это некая история, "нарратив" - понятие от которого искусство модернизма стремилось максимально отдалиться, чтобы не упустить самого важного. Поэтому вместо психологизма глаз портретируемого о нем говорит сама субстанция живописи - цвет, форма, линии.
5 - Спонтанность
Матисс кажется нам воплощением самой легкости и это волне правомочно. Одна это легкость и спонтанность давалась автору не так просто, как может показаться. Он тщательно работал над эскизами, подолгу изучал свою модель и только, когда его посещало озарение, писал окончательный вариант, в котором отображал то, что считал наиболее значимым. За его работой стоит огромный труд и внимательное вглядывание в предмет изображаемого.
Французский мастер уподоблял себя цирковому акробату, который долго разминает мышцы, прежде чем выполнить трюк.
6 - Субъективность
Большую часть своей истории искусство крайне сильно зависело от заказчиков своих произведений. Ими были, в основном, церковь и аристократия. Они могли выбрать сюжет и подчас довольно жестко поставить художника в рамки своих стилевых пожеланий.
Все изменилось с переход экономической модели к капитализму и ослаблением влияния религии. Теперь главными заказчиками стали буржуа, люди, которые использовали обладание произведениями искусства для того, чтобы подчеркнуть свой социальный статус. Не обремененные ограничениями церковных канонов и светскими предрассудками, они, поверив в художников, дали им "зеленый свет" на то, чтобы работать так как они хотят и считают нужным. Занятие искусством стало более престижным и всегда востребованным, и после этого его создатели уже сами могли задавать тон художественному процессу.
Однажды Анри Матисс сказал, собравшему большую коллекцию его картин русскому меценату Сергею Щукину, что работа, которую тот хочет у него купить, неудачна. На что Щукин ответил, что верит в гений мастера и купит у него все, что тот сделает. Так искусство становилось все более и более эмансипированным, хотя, конечно, до сих пор не став полностью свободным от внешних факторов.
7 - Плоскостность
В эпоху Возрождения итальянские художники научились передавать перспективу - то есть изображать трехмерное пространство на двухмерном холсте. С одной стороны это было огромное достижение - можно сказать, что было прорублено окно в мир. С другой стороны - живопись была этим миром пленена. Художники последующих эпох порой вынужденно обращались к перспективе и натуралистичности, потому что так было принято, лишая себя возможности выражать свои художественные задачи непосредственно. Постепенный отход от такой парадигмы восприятия искусства начался во второй половине девятнадцатого века. Искусство все больше стало мыслиться как самодостаточная плоскость холста, на котором сочетанием цветов, форм, фактур и текстур материалов образуется все многообразие смыслов, которое хочет высказать автор.
Желанием художников-модернистов стало самим творить мир, не оглядываясь на то, что находится за окном их студии. В этой эмансипации и освобождении искусство закладывает смыслы как бы между строк и ждет от зрителя озарения, чтобы их расшифровать.
Для того, чтобы подчеркнуть эту плоскостность изображения, художники нередко обращались к мотиву решетки. Она как бы структурирует плоскость, позволяя нагляднее выделить на ней ключевые детали.
8 - Наследие классиков
Период между окончанием Первой мировой войны и началом Второй мировой стал для Европы временем переосмысления ценностей. Травмированная невиданной доселе бойней, западная цивилизация обратилась в своем желании снова обрести хотя бы частицу утраченного покоя и безмятежности, к давно позабытым ею фигуративным образам искусства. Разумеется, прямое возвращение у "реализму" было невозможно, Неоклассицизм - название стиля, которое получило новое направление распространился по Старому свету довольно широко распространение. Отчасти это было вызвано желанием запечатлеть образ нового человека, прошедшего через невероятные испытания и оттого органически изменившегося.
Период неоклассицизма также не оставил без внимания и Матисс. Он говорил, что своим искусством хочет дать отдых людям интеллектуального труда. В отличии от того же Пикассо, бывшего бунтарем и жившего богемной жизнью, Матисс оставался, если говорить о нем как о частной персоне, буржуа и, в некоторой степени, являл собой образ Олимпийского спокойствия среди бурь Парижских мастерских. Красота - слово почти запретное для многих художников первой половины двадцатого столетия, для Матисса вполне приемлемо и актуально.
10 - Абстракция
Анри Матисса не принято причислять к художникам, занимавшимися беспредметным искусством, однако он остановился в своей эволюции всего лишь в шаге от чистой абстракции.
Как на этой его ранней работе, так и на позднем произведении
узнаваемые нами предметы - стол, стулья, банкетка становятся лишь данью фигуративной традиции и почти не влияющем на восприятие стаффажем. Цветовые поля и пятна живут здесь своей, самостоятельной жизнью. Миру до того, чтобы окончательно развоплотиться в беспредметную остается одно малое движение. Однако Матисс так и не перешел ( в отличии от того же Василия Кандинского) к полному отказу от натуралистичных черт. Возможно - не хотел делать шаг в сторону от творческой индивидуальности, возможно по иной причине. Так или иначе, его холсты с надвигающимися на нас с них цветовыми плоскостями оказали большое влияние на искусство американских художников 1950-х годов, таких как Барнетт Ньюман и Марк Ротко, которые могли познакомиться с творчеством французского мэтра в послевоенные годы в Музее Метрополитен и МоМа в Нью-Йорке, которые спустя некоторое время создали свой стиль - Colour field painting (живопись цветового поля), ставший в ошеломительной огромности своих масштабов и, будто, нисходящих с полотен цветов, своеобразной замене, утратившей свое значение духовности, постараясь, хоть на время, перенести ее на территорию искусства.
11 - Проводник между двумя эпохами
Матисс стал своеобразным мостом между двумя эпохами - художниками поколения Сезанна, Гогена, Ван Гога и теми, кто начинал свою карьеру в первые годы после Второй мировой войны.
Не теряя совей индивидуальность, скорее, наоборот, являясь камертоном для многих художественных процессов модернизма, он чутко откликался на творческие поиски других деятелей искусства.
Через биографию красной нитью проходят мотивы экспрессионизма (фовизм, можно сказать, был, отчасти, в его орбите), обращения к беспредметности, наивного искусства, неоклассицизма и, возможно даже, сюрреализма.
В 1947 году он создает серию работ, где на каждом из рисунке обращается к одному и тому же сюжету - двум девушкам, сидящим у окна. Однако, несмотря на повторяющийся сюжет, работы совсем разные по своему звучанию и по той энергии, которую они передают.
Такой подход кажется уже почти постмодернистским, ведь речь идет не героическом создании новых знаков реальности, но о бесконечной пересборке уже имеющихся, к игре с ними. Где все - для всех и с другой стороны ничего не подлинно настолько, чтобы претендовать на изменения миропорядка и быть Творцом.
В этом поздний Матисс, разумеется, больше похож на Уорхола с его серий изображений Мерлин Монро, чем на Малевича с его амбицией уникальности своего супрематического акта.
12 - Серия "Джаз"
Серия "Джаз", представляющую собой особый вид искусства - "книгу художника", является своего рода квинтэссенцией творчества французского мастера и может, благодаря своей уникальности, быть выделенной в одну из наших категорий.
Матисс, будучи уже почти 80-летним человеком, мэтром, умеющим в искусстве абсолютно все, соединил в своем проекте мудрость и детскую непосредственность, трагизм и трепетную легкость, добившись выхода к "реальности", о котором он так долго мечтал. Обратившись после проведенной тяжелой операции в 1943 году к технике декупажа - вырезанию из цветной бумаги ножницами (ему стало сложнее работать кистью), он понял, что новый метод дает ему небывалые средства к достижению той спонтанности и легкости, к которой он стремился всю свою жизнь.
Передавая формы, упрощенные до их сути, Матисс писал, "что реальность начинается тогда, когда художник не знает, что делает". Упрощая формы до их сути, до легкого шелеста явлений, их "эйдоса", он говорил, что "цветы повсюду для тех, кто хочет их видеть".
Можно сказать, что книга с ее пластическими и текстовыми находками стали для Анри Матисс своего рода, подведением итогов его творческого пути и посланием грядущим поколением.
Автор статьи - старший научный сотрудник Центра пропаганды изобразительного искусства Евгений Лятовицкий.