Русская музыка весьма самобытна и интересна, но важно учесть, что она не появилась сама по себе. Так уж вышло, что Россиюшка находится между Европой и Азией, и это не могло не отразиться на культуре, а следовательно кое где придется писать и о забугорных тенденциях. Хотя, в большинстве своём данная статейка таки будет именно что о наших достижениях в музыкальной сфере.
Первое, что стоит понимать - это характер отечественного звучания. Западная музыка полна конфликта и тревоги, а восток, как раз наоборот, стремится к безмятежности и покою. Наш звук это, что-то среднее. Мы, конечно, можем нагнать драмы, но предпочитаем мягкие разрешения.
Древняя русская музыка дошла до нас в недостаточном объеме. Есть народное творчество, но оно всё датируется каким-нибудь XIX веком. Тем самым периодом, когда наши великие умы наконец-то спохватились и начали ездить по деревням и записывать всякие песенки, которые из поколения в поколение передавались устным образом. Естественно, большая часть произведений затерялась и не дошла до наших дней. Так же нельзя не учесть величайшую роль церкви в вопросах развития отечественной музыкальной мысли. Церкви образовывали людей, создавали хоры, заказывали всякие религиозные произведения у авторов и взрастили такое необычное направление в мире музыки, как колокольный перезвон. Именно это, необычное решение, заменило у нас всякую там органную музыку. Это при условии, что сами колокола у нас долгое время заказывали в Германии.
Народные музыкальные инструменты: балалайки, домры, гусли и тп. Это творения не вполне истинные. В XVII веке, царь Алексей Михайлович Тишайший, устроил гонения на скоморошескую культуру, в результате чего не только загубил добрую половину скабрезных народных песенок (частушек и припевок), но и сжег весь звукоизвлекающий инструментарий. Только в XIX веке наши мастера начали восстанавливать, а чаще заново придумывать русский звук. В связи с этим можно услышать немало едких замечаний в сторону той же балалайки, мол это новодел и к русской музыке она не имеет никакого отношения. Поверьте,не стоит чрезмерно прислушиваться к этим душнилам, мало ли кто там из себя какую гадость изрыгнет.
Самым главным поворотом в русской музыке является событие напрямую с культурой несвязанное. Петр I, русский император, прорубает окно в Европу и с этого момента вся наша самобытность тонет в бесконечном потоке западной крутоты. Повсеместно отечественные мастера, с подачи императора и его последователей стали отправляться за бугор набираться опыта. И сия благая тенденция не обошла стороной и музыкантов. Сначала, конечно, к русскому двору зазывали уже опытных европейских творцов, а потом и начали создавать своих собственных.
Первыми творцами серьезной, конкурентной русской музыки является триада композиторов из Украины: Березовский, Бортнянский и Ведель. Их откопали из народа во времена Екатерины II, которая будучи немкой очень беспокоилась о том, чтобы у русских не было комплекса неполноценности и вместо того, чтобы оплачивать чужестранцев, решила взрастить своих моцартов с бахами.
Все три композитора учились писать музыку у Итальянцев. Березовский и Бортнянский, так вообще, ездили в саму музыкальную мекку. Туда они прибывали простыми мальчиками из церковного хора, а назад возвращались супер-мега прошаренными мастерами.
Березовский стал специалистом по религиозной музыке, но до того преисполнился в своём познании Бога, что пропал с радаров и до сих пор мы даже не знаем как выглядел этот гений отечественной композиции.
Бортнянский это самый удачливый композитор из троицы. Он быстро смекнул какой вкус у Екатерины и начал штамповать всякую музычку на западный лад. Написал шесть опер, всякую другую прикольную музычку. Значится творцом первого гимна Российской Империи «Коль славен наш Господь в Сионе».
Ведель, в отличие от своих побратимов за границу не ездил. Учился в пределах отечества, и запомнился народу, аки самый главный музыкальный новатор. Работал с опорой на низовое искусство. Народные мотивы красной нитью проходят сквозь его творчество. Свою жизнь закончил печально, был объявлен сумасшедшим.
Именно Березовский, Бортнянский и Ведель сформировали русское хоровое пение и благодаря именно этим красавчикам сегодня в церквях наши ушки радуются, мозги очищаются, а души преисполняются благодати.
После смерти Екатерины II развитие русской музыкальной мысли несколько обмельчало. Вместо больших жанров начали развиваться камерные жанры. Во всю мощь грянул русский романс. Некоторые жемчужины с той поры хорошо известны нам и сегодня.
Первым классическим русским композитором стал Михаил Иванович Глинка. В его бытность, всю музыкальную нишу нашего отечества занимали приглашенные специалисты из-за бугра, но благодаря тому, что Михаил был из богатой семьи, он смог обеспечить себе достойное образование. По итогу он стал любимчиком царского двора. А следовательно подвинул всяких там итальяшек и французишек. Глинка первый композитор на Руси, который спустя долгое время вернул государству интерес к своей идентичности. Есть, конечно, и своя ложка дегтя в этой прекрасной истории. Во-первых. Михаил Иванович не придумал отечественную классическую музыку, а просто переложил всё то, что давным-давно придумали в Европе на отечественный лад. Глинка взял отечественный сюжет, взял родную мелодику, но форму оставил чисто итальянскую. Это произошло не потому, что Глинка был дурачок и не смог ничего своего придумать, просто он понимал, что элитка не воспримет что-то кардинально новое. ЛОЗУНГ «ДАЙТЕ МНЕ ТОЖЕ САМОЕ, НО ДРУГОЕ!» - работал во все века.
Что за форма такая, спросит любопытный читатель? А я отвечу. Европейская музыка благодаря ряду случайностей и скурпулезных наблюдений, вывела закономерности, которые давали вероятность 60-70%, что написанный Вами трек залетит. Вот эти закономерности:
- Аккорды между собой должны сочетаться. Нельзя в случайном порядке разбросать звуки на нотной бумаге, это не вызовет у людей ничего кроме смятения. От самых Древних Греков музыкант искали идеальные созвучия и выработали схему по которой звуки нужно организовывать, чтобы было красиво.
- Аккомпанемент должен быть подчинен мелодии. Оркестр, или концертмейстер не должны громыхать заглушая вокалиста. Мелодия - это суть произведения. Аккомпанемент - это настроение.
- Номера в большом произведении, таком как опера, должны быть отделены друг от друга. Нельзя выход главного героя смешать с хором, или поместить во внутрь хора, а потом ещё прицепить к нему дуэт и закончить трио.
- Вокалисту всегда нужно дать возможность показать свой голос, даже если это не очень-то уместно. Очень в этом деле важны всякого рода юбиляции (это когда одно слово выпевают полчаса: я тебя люууууууууууублюууууууууууууууууууууу).
- Большому произведению необходим большой сюжет. Если оперу писать, так только про что-нибудь грандиозное и эпичное.
У Михаила Ивановича Глинки есть четыре культовых произведения, о которых должен знать каждый: опера «Жизнь за царя/Иван Сусанин», опера «Руслан и Людмила», симфоническое нечто «Камаринская» и «Вальс Фантазия».
Первые два произведения вопросов не вызывают. Опера - это большой жанр, сам факт написания оперы уже вызывает восхищение. А вот чем так приметен вальс? Дело в том, что вальс, хотя и не является, русским народным танцем, но очень крепко засел в голове у нашей элитки. Как Вы понимаете, тогда народ был слегка скромнее нынешнего и потому потрогать друг друга до свадьбы можно было лишь в контексте танца. Вальс был чем-то сверх интимным. А Глинка, в свою очередь, написал очень годный вальс. Он занес туда столько боли и тоски, что буквально пронзил сердечко каждого элитного россиянина, про низкопробных россиян скажем ниже.
Симфоническое произведение «Камаринская» на тот момент воспринималась, как фильмы Звягинцева. Что-то в духе, ну давайте слуханем, чо там «быдло» поёт. Сам факт превращения похабной русской песенки в симфоническую поэму - это был супер прикол. А посему, хоть Глинка безумно перся от русской мелодики и искренне надеялся, что общество его любовь разделит, Камаринскую особо всерьез никто не воспринял.
Буквально в стык с Глинкой эстафету русификации отечественной музыки принял Александр Сергеевич Даргомыжский. Данный композитор был смелее Михаила Ивановича и сразу начал громить вкусы своих слушателей истинно русским стилем и новым подходом к взаимодействию слова и звука. Главное, что сделал Александр Сергеевич - это выдвинул тезис, что нельзя распевать слово. Слово должно звучать как слово, то есть всякие там красивости в музыке отменялись. Так же композитор завез на сцену немного социалочки. То есть, если раньше композиторы воспевали эпичные события из истории, или мифологические сюжеты - то с момента, как на сцене появилась опера «Русалка» творцы смекнули, что и про брошенку с прицепом в опере тоже можно что-то затереть.
Александр Сергеевич Даргомыжский очень хотел написать такую оперу, где люди почти что говорили бы, но в сопровождении музыки. Это называлось бы речитативная опера, однако деньжищ на такой эксперимент особо никто не выделял и по факту композитора больше помнят за романсы на тему супружеской измены и нелегкой судьбы низких чинов.
Даргомыжский и Глинка своим творчеством пробудили целую плеяду мощнейших истинно русских творцов. Самыми яркими деятелями стали активисты музыкального формирования МОГУЧАЯ КУЧКА (своего рода кружок по интересам).
Важно отметить, что до XX века композиторство на Руси особо профессией не считалось. Все, о ком речь пойдет ниже, работали на вполне себе человеческих службах. Музыка была их побочной деятельностью и наше большое счастье, что вместо того, чтобы играть в карты и стреляться после крупного проигрыша, они выбрали путь получения жалких копеек за свои мега шедевры.
Слово сочетание МОГУЧАЯ КУЧКА вызывает приступы смеха у неполовозрелых индивидуумов ровно так же, как и слово МНОГОЧЛЕН. Однако сами участники кучки себя позиционировали, как Балакиревский кружок.
Милий Алексеевич Балакирев выдающийся русский творец-концептуалист. Трудяга и стесняша. Очень грустно осознавать, что на просторах матушки России практически невозможно найти человека, который назвал бы Алексеевича своим любимым композитором. А вместе с этим, именно Балакирев выдвинул отечественную музыку на огромную высоту. Он лишний раз сам ничего не писал, самому себе концертов не устраивал, а всё трудился, чтобы более талантливые коллеги не остались незамеченными.
Первым кого в спину толкал бедный Милий Алексеевич был Александр Порфирьевич Бородин, в миру химик и создатель пластмассы, а для всех музыкально одаренных великий гений и автор оперы «КНЯЗЬ ИГОРЬ».
Бородин вошел в историю не только как талантливый композитор, но и как очень ленивый. Он воспринимал музыку, как развлечение и занимался ею лишь в свободное от основной работы время. Товарищи по Могучей кучке всегда желали ему побольше болеть, чтобы он чаще выдавал шедевры. Но что поделать, вести медицинские курсы для женщин Александр Порфирьевич считал более важной деятельностью.
Главное произведение своё «Князь Игорь» Бородин так и не успел закончить. В первую очередь благодаря неистовому перфекционизму. Тут важно понять, что неоконченные произведения особо в памяти людей не остаются, однако стараниями Николая Андреевича Римского-Корсакова опера всё же приобрела законченный вид. О носители самой роскошной бороды и самой длинной фамилии мы и поговорим ниже.
Николая Андреевича стоило бы поминать исключительно с приставкой СВЯТОЙ. А всё дело в том, что наравне с Балакиревым он является главным виновником грандиозного успеха КУЧКИСТОВ. Шутки в сторону, до сих пор во всём миру эту шайку русских музыкантов считают чуть ли не главным событием во всей русской музыке. И если Милий Алексеевич всех вдохновлял, то Николай Андреевич дописывал за каждым гением буквально тонны нотного текста. И ладно бы он ничем кроме этого не занимался, так он ещё успевал писать критические статьи, музыкальные учебные пособия и сам насочинял громадье первосортных шедевров. А ещё Николай Андреевич выучил несколько талантливых композиторов.
Сложно назвать главные произведения Римского-Корсакова. Их много. Но если пройтись чисто по операм, то стоит выделить следующие: «Снегурочка», «Садко», «Царская Невеста», «Сказка о царе Салтане» и «Золотой петушок».
Даже если бы в Могучей Кучке состояли только вышеобозначенные композиторы этого уже было бы достаточно для того, чтобы считать кружок успешным. Однако среди всех этих мастодонтов закрался ещё один гений, на которого молились даже некоторые западные композиторы. Ну, то есть нормальные парни в Европе признают достижения всего Балакиревского кружка, но именно у этого творца они буквально учились. Даже по мнению некоторых отечественных музыковедов Модест Петрович Мусоргский был самым талантливым из всей движухи.
Важно отметить, что большинство кучкистов вдохновлялись творчеством Глинки. Они прекрасно понимали, что если бы Михаил в своё время музыки не насочинял - то их судьбы сложились бы иначе. Каждый раз участники кружка в творческом порыве старались приблизиться к вершине отца-основателя. В свою очередь, Мусоргский больше восхищался Даргомыжским. Точно так же как и его кумир, Модест старался в музыке отразить силу слова. Лучше всего это проявилось в признанной во всём мире культовой опере «Борис Годунов». Данное произведение написано по одноименной трагедии Пушкина и просто восхищает своим масштабом и красотой музыкального языка. Одним из главных достижений творчества Мусоргского стало создание бесконечного музыкального полотна.
Вот, казалось бы, можно закончить и на данном месте. Хватит с земли русской гениев, есть чем гордиться. Спасибо за внимание! Но не успела отгреметь по всему свету слава Кучкистов, как на горизонте появился ПЁТР ИЛЬИЧ ЧАЙКОВСКИЙ.
Он должен был стать обычным чиновником и лишь на досуге выдавать пару-тройку милых пьесок, а вместо этого стал чуть ли не визитной карточкой русского музыки. Пётр Ильич общался со всеми участниками Балакиревского кружка, набирался у них опыта и мог стать таким же неистовым новатором как и они, но по странному стечению обстоятельств махнул в общедоступность. Главная характерная черта всех произведений Чайковского - это простота. Буквально каждое его произведение может напеть даже тот человек, которому медведь на ухо наступил и там же слон выспался.
Главными произведениями Чайковского являются «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Лебединое Озеро» и «Щелкунчик». Конечно же, есть ещё много произведений в его послужном списке, но без этих четырех творений обойтись вообще никак нельзя.
Кроме того, что Чайковский писал отличную музыку и подрабатывал журналистом, он ещё был и педагогом. Как-то раз на защите дипломной работы одного из своих учеников он подошел к нему со скромной просьбой, чтобы его последняя опера «Иоланта» прозвучала в один вечер с «Алеко», первым большим творением Сергея Васильевича Рахманинова.
Рахманинов это один из первых наших творцов, которые вынуждены были жить за пределами родины, хотя все свои главные произведения он написал именно в России. Сергей Васильевич отличился в мире русского звука особой сложностью оркестрового звучания. Это невозможно объяснить, но легко почувствовать. Произведения композитора легко угадываются, они напевны, однако в плане гармонии он был большой мастер навернуть смыслов.
Главными произведениями Рахманинова являются… О НЕТ! Не оперы. Хотя, мы должны любить и знать «Алеко», но визитными карточками композитора являются фортепианные концерты.
Рахманинов покинул Россию ибо не смог смириться с приходом к власти большевиков. Однако ещё два очень талантливых русских композитора переехали жить за бугор в надежде заработать шальные деньжища. В случае с Игорем Федоровичем Стравинским, его побег действительно превратился в историю успеха.
Итак… давайте подведем промежуточный итог:
- Народная русская музыка - это необузданный зверь, который активничал до периода урбанизации. То есть с какого-нибудь X по XIX век можно говорить о первородном, истинно русском, искусстве.
- Русское барокко началось в XVII и закончилось в XVIII веке - очень сильно походило на всё то, что и так уже писали в Европе. Оно не имело особой русской индивидуальности.
- Русское классическое музыкальное искусство началось в XIX веке и протянулось до начала XX века. За это время на небосводе успели зажечься такие звездочки, как Глинка, Даргомыжский, Бородин, Римский-Корсаков, Мусоргский, Чайковский и… Рахманинова тоже стоит к ним отнести.
- Русский авангард зародился буквально в первое десятилетие XX века и если честно, особо это направление в искусстве не потеряло актуальности до сегодняшнего дня.
Авангардом мы называем передовое искусство, которое сложно для понимания. Слушать такую музыку не может ни простой народ, ни элитка. Первым это просто не интересно, а другие стараются делать вид, что им нравится, но кровь из ушей спрятать невозможно. Так что авангардом балуются только маргиналы, ещё их называют нонконформисты. Очень странный народ эти поклонники авангарда, могут с утра сжечь храм, а под вечер упасть в горку золы нагишом и каяться в грехах перед Всевышним.
Основное качество авангарда – его нельзя назвать красивым. Эта музыка дискомфортная и рождена из глубины человеческого подсознания, как реакция на лживость и бессмысленность человеческой жизни. Иногда такого рода музыку сравнивают с космосом и говорят, что она более живая. В свою очередь нонконформисты ругают классиков за искусственность и красивость.
Стравинский для написания своей музыки вдохновлялся ревом быков и мычанием коров. Главным его произведением стала «Весна Священная» - балет фантазия на тему славянской мифологии.
Важно отметить, что Стравинский писал свои произведения не для внутреннего пользования. Его непонятная музыка была ориентирована на экспорт, в Европу, где в принципе не могли воспринять Россию иначе, кроме как страну дикарей.
Ещё одним беглецом от мира русской музыки стал Сергей Сергеевич Прокофьев. Остряк, гордец и токсик. Прокофьев всегда был как заноза для всех окружающих. Он ссорился со своими педагогами, со своими друзьями, он поссорился с большевистским правительством, уехал в Америку и поссорился с Америкой, потом вернулся в Советскую Россию и всем начал рассказывать какой он крутой композитор, а советское руководство терпеть его не могло и чтобы хоть как-то заткнуть своенравного гения вручало ему деньги, награды и дачи с машинами.
Прокофьев знал, что он лучше всех. Он никогда этого не скрывал и при встрече всегда и всем об этом напоминал. Однако, не смотря на эту неистовую самовлюбленность, Сергей Сергеевич никогда не позволял себе работать спустя рукава. Он писал прекраснейшую музыку с легким налетом авангардности. А ещё он не стыдился государственных заказов. К примеру, Сталин заказал у Прокофьева музыку к фильму «Александр Невский». Получилось с ног сшибательно.
Главное творение в жизни Прокофьева, опера «Война и мир» писалась в муках. Он писал и переписывал, то результат не устраивал заказчика, в лице высшего партийного руководства, а иногда сам композитор был к себе не в меру критичен. Тем не менее, данный шедевр ставится в театрах по всему миру, по крайней мере так было до 2022 года.
Вот и закончились перебежчики, вернемся к домоседам…
Дмитрий Дмитриевич Шостакович -это главный скромняга в мире советской музыки. Очень добрый и нежный человек. Боялся даже холодильник себе вне очереди попросить. Некоторые школьники сравнивают Дмитрия Дмитриевича с Гарри Поттером. Что же, в какой-то степени он действительно был волшебником, ведь писал на столько крутую музыку, что его даже за границей считали за большую величину! Это не смотря на то, что родное правительство своего творца особо никуда не выпускало.
Шостакович в мире русской оперы совершил самую настоящую революцию. Помните про то, что Даргомыжский пытался уйти от распевности и приблизиться к человеческой речи? А потом эту инициативу подхватил Мусоргский… Так вот, в своей опере «НОС» Шостакович всё-таки довел эту идею до абсолюта. К сожалению эксперименты композитора не были по достоинству оценены, хотя государственные премии ему регулярно вручали.
За новаторскую оперу «Леди Макбет» Шостаковичу крепко прилетело от самого Сталина. Был даже организован целый (полу-судебный) процесс, где композитора ругали за непонятность (так называемый формализм). До сих пор не понятно что же стало причиной этого разбирательства. То ли действительно Сталин обозлился на хорошего композитора за то, что тот, будучи советским гением написал дерзкую, почти что порнографическую оперу. А может постановка была неудачная и не в меру активные критики раздули из мухи слона. В любом случае Шостакович, в силу мягкого характера, очень сильно расстроился и оперы писать перестал, переключился на мелкий жанр.
ДО НОВЫХ ВСТРЕЧ
Вот и закончилась кратенькая история русской музыки. Сюда вошли далеко не все композиторы и уж тем более не все произведения, какие стоило бы знать уважающему себя человеку. Вполне возможно, что статейка скоро будет дополнена. Ну, а пока что автор пойдёт заниматься иными важными делами.