Московская художница и писательница Анастасия Коваленкова приехала в Тульский историко-архитектурный музей с выставкой «Простое Важное», которая продлится до 28 мая. Tula.aif.ru узнал, чему посвящено её творчество.
Поиски через классику
Полина ЗУБАКОВА, tula.aif.ru: Кто был Вашим наставником? Чьи работы вызывают у Вас восхищение и по сей день?
Анастасия Коваленкова: Так как я с детства занимаюсь изобразительным искусством, учителей у меня было много. После получения академического образования я продолжала черпать знания у разных художников.
Моими «наставниками» стали классики. Стиль я искала чаще всего через творчество итальянского живописца Пьера делла Франческа и минималиста Джорджо Моральди.
Цвету меня научил испанский «мастер кисти» Жоан Миро, работы которого удивительны и по сей день. Как нужно чувствовать один только цвет, чтобы с помощью него вступать со зрителем в диалог! Современные художники взяли курс на концептуализм. Произведения направлены на идею, которую можно пересказать другому человеку.
Лично мне не близок этот подход. Подхожу я, например, к нарезанной дольками акуле в стеклянном коробе и просто на неё смотрю как на отдельный выставочный предмет. Эта картина интересна и по-своему умна, но не пластична. Её не захочется пересматривать.
Пластичное искусство и его фундаментальные образы излучают больше жизни. Оно переносит человека в другую плоскость. Дарит радость, успокоение и способность мечтать. Эти чувства индивидуальны и могут быть понятны лишь тому, кто лично присутствует в выставочном зале.
Иконы жизни
- О чём Вы хотите сказать в своём творчестве зрителю?
- Для меня важно передать людям восприятие мира, которое приносит свет и покой. В моих картинах отсутствует город. В нём мало воздуха. Больше всего люблю рассказывать зрителям о первозданном – о природе.
Я не вкладывала в свои работы конкретную идею, как это делают приверженцы концептуального искусства, а опиралась на суть житейскую. Озеро, поле, месяц, дом – всё это неотъемлемая часть жизни человека. При слове «дерево» в голове рождается не ель, пихта, осина или кедр, а собирательный образ с круглой кроной, знакомый каждому из нас по простым детским рисункам. При разговоре о фруктах в воображении всплывает яблоко – «сутевой», библейский плод. Он точно присутствует в нескольких моих работах.
Создание картины – молитва, в которой всё предельно понятно для зрителя. В моей выставке преобладают простые геометрические формы, наполненные серьёзным смыслом. Я не могу назвать свои произведения ни абстракцией, ни фигуративизмом. Они близки к иконописи.
- Какие цвета Вы чаще всего используете для создания образов?
- Чаще всего использую рыжий и жёлтый цвета, которые словно «вдыхают» жизнь в голубую и серую краски. Они вступают друг с другом в контраст, в результате чего посетители ощущают не холод и отчуждённость, а тепло и внутренний подъём. Яркий тому пример – картина «Озеро»: леденящую синеву сглаживают берега песочных оттенков. Или «Бесконечный пейзаж», где облака, сквозь которые летит самолётик, «сияют» от нежного солнечного света.
Я избегаю пёстрой и кричащей палитры, чтобы не отвлекать человека от осмысления образа. К тому же, я не лакирую готовые произведения, чтобы они не потеряли объём.
- А о чём Ваши литературные произведения?
- «Хорошие люди» и «Мышонок, который там» тоже можно назвать «иконами жизни». Если в первом произведении описываются человеческие типажи, которые встречались каждому из нас хотя бы раз в жизни, то во второй книге добрый и открытый главный герой сталкивается с трудностями окружающего мира.
Однако их объединяет идея понимания и всепрощения. Не нужно на зло отвечать злом: достаточно сказать «голодной лисе», что она прекрасна, но без угрожающего оскала. Нужно полюбить ближнего своего, каким бы он ни был. Тогда и мир не будет казаться таким страшным и враждебным.