Доброго дня, с вами Настя и это рубрика «Картавое Искусствоведение», где я кратко и простыми словами рассказываю о шедеврах мировой культуры. Сегодня мы поговорим о работе художника, про картины которого часто говорят «не, ну так и я могу нарисовать ... Да у меня ребёнок пятилетний лучше рисует, мазня какая-то!». Другие же говорят что в его работах заключён глубокий смысл, а кто с этим не согласен – тот просто неуч и ничего не понимает в искусстве. Кто прав? Кто виноват? Что делать? И как с этим жить? – вот вопросы, которыми мы сегодня будем задаваться. Итак вашему вниманию Пабло Пикассо – Девочка на шаре.
Пабло Пикассо родился на юге Испании, в городе Малага, в 1881 году. Полное имя художника... Вдохнули поглубже и читаем вслух:
Па’бло Дие’го Хосе’ Франси’ско де Па’ула Хуа’н Непомусе’но Мари’я де лос Реме’диос Сиприа’но де ла Санти’сима Тринида’д Ма’ртир Патри’сио Руи’с-и-Пика’ссо.
Прости Господи.
В этих ваших интернетах спорят, как ставить ударение правильно, ПикАссо или ПикассО. Правильны оба варианта: ПикАссо, потому что это фамилия итальянского (а не испанского, как многие думают) происхождения и ПикассО потому что художник долгое время жил и работал во Франции.
Многие, кто считают работы Пикассо мазнёй, думают, что он вообще не умел рисовать. Конечно же это не так, и об этом нам говорит первый период творчества художника. Из-за частой смены стиля и богатого наследия – более 20 тысяч работ! – для удобства его творческий путь поделён на 10 периодов: ранний, голубой, розовый, африканский, кубизм, классический, сюрреализм, военный, послевоенный, и период поздних работ. Так же некоторые искусствоведы делят период кубизма на два - аналитический кубизм и синтетический кубизм.
Итак, начнём с раннего периода:
Пикассо с юных лет был увлечён рисованием под наставничеством своего отца Хосе Руиса Бласко. Первую свою работу маслом «Пикадор» Пабло Пикассо написал в восемь лет.
В 14 лет он поступил в школу изящных искусств Ла-Хонха в Барселоне. Конечно, он был ещё слишком юн, чтобы там учиться, но его отец уговорил руководство школы, дабы они допустили юное дарование к экзаменам. И не зря – Пабло блестяще сдал вступительные экзамены и приступил к учёбе. Он прекрасно справлялся с программой, выполняя реалистичные работы, но рамки академизма слишком быстро наскучили художнику. Поэтому три года спустя, не закончив учёбу в Барселоне, он отправляется в Мадрид и поступает уже в Королевскую Адемию «Сан-Фернандо», но и там ему быстро стало скучно. Вместо уроков он посещает музеи, где вдохновляется работами Веласкеса, Гойи и Эль Греко.
То есть что мы сейчас видим – что Пикассо мастерски владел навыком живописи и академического рисунка. Но начинается двадцатый век и академизм не интересен ни молодёжи ни самому Пабло, поэтому он отправляется в Париж, вместе со своим другом , Карлосом Касагемасом, дабы найти для себя вдохновение.
Есть известный афоризм «увидеть Париж и умереть». Так и поступил Касагемас и благодаря этому начался новый период в творчестве Пикассо - «голубой».
Такое название период получил не случайно – о смерти своего друга Пабло узнал будучи в Мадриде и эта новость выбила художника из колеи. Он вернулся в Париж, но всё вокруг напоминало ему о его почившем друге. Художник буквально впал в депрессию и его переживания отчётливо видны на картинах – работы выглядят мрачно, печально, и чем дальше, тем всё меньше цветов он использует. Он уходит от крассической перспективы, работы выглядят всё более плоско. Такие работы голубого периода как Гладильщица, слепой гитарист и любительница абсента известны многим, но мне более интересными кажутся Портрет Биби-Ла-Пюре, Портрет Петруса Манача и Женщина с вороном.
Не смотря на то, что в настоящее время работы голубого периода являются одними из самых популярных – в годы их написания они продавались очень плохо.
Но жизнь продолжается, чувства притупляются и бедность уже не так давит на пятки, и в жизни художника начинается так называемый розовый период.
В этот период художник вдохновлялся цирком, расположенным недалеко от его места проживания, поэтому он часто изображает клоунов, акробатов и остальных работников цирка. В работах Пикассо начинают появляться розовые и охристые тона. Так же он начинает заигрывать с примитивизмом, это заметно на автопортрете художника 1906.
В больший примитивизм он уйдёт в свой африканский период, который начался с его знаменитой картины «Авиньонский девицы».
Но это мы забегаем уже вперёд. Пока что на дворе 1905 год:
- Родились Хармс, Шолохов и Сартр
- Умирает Жюль Верн
- Изобретён пылесос
- Происходит восстание матросов на броненосце «Потёмкин»
А Пабло Пикассо в это время пишет картину - «Девочка на шаре» - Давайте рассмотрим её поближе.
Картина написана маслом, на холсте. Размер её 95 на 147 сантиметров. На картине изображена группа акробатов. В центре композиции находятся фигуры силача и гимнастки. И противопоставление одного персонажа другому напоминает композицию «Пьеты» – мужчина и женщина (хоть и юная), шар и куб, безмятежное лицо девочки при её неустойчивой позе и напряжённое лицо мужчины в позе устойчивой, округлые черты – грубые черты. Девочка выглядит пропорционально, а в телосложении атлета мы видим дисгармонию. И хоть голубой и розовый цвет не являются контрастными – в общей тусклой цветовой гамме они действительно контрастируют. Так же мы видим, что картина находится ровно на границе голубого и розового периода Пикассо.
Сюжет выглядит обыденно – в период написания картины Пикассо общался с циркачами, артистами, акробатами и писал картины по мотивам их быта. Картине «девочка на шаре» предшествовало несколько эскизов под названиями "семья акробата" и "семья акробатов".
На одном из них мы можем наблюдать похожую сцену с шаром, и сравнить с тем, как Пикассо доработал её в сегодняшней работе. Да и интерес Пикассо к жизни работников бродячих цирков совершенно не случаен – с одной стороны они свободны, с другой – бедны. Как и сам художник в те годы.
Обратите внимание, столько времени спустя после ренессанса в картине снова главенствует линия а не пятно. Если мы используем на картине чёрно-белый фильтр, мы увидим, что не смотря на контрастность голубого и розового цвета они на одном уровне насыщенности, и разделяет их друг от друга именно линия.
В данный момент картина находится в Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в городе Москве.
Почему именно эту работу мы сегодня обсуждаем? Ведь у Пикассо столько сложных работ, в которых можно многое увидеть, а «Девочка на шаре» – это так обыденно и банально.
По моему мнению, в этой «банальной» композиции и есть вся прелесть картины. Картина называется «Девочка на шаре» – и что мы видим? Правильно, девочку, стоящую на шаре. И даже если бы мы не знали как картина называется, мы бы всё равно поняли что происходит на картине и, допустим, смогли бы написать об этой картине сочинение на уроке МХК, без потребности погружения в поиски глубокого смысла. Хотя нам конечно ничего не мешает в них погрузиться, вот автор на одном сайте о психологии так увлёкся СПГС, что видит в картине Лолиту, соблазняющую собственного отца, а батя кремень и не поддаётся. Как говорится, добрый вечер, дедушка Фрейд.
Ладно, отпустим кубизм, о нём я вообще не могу говорить без перехода на личности, мы затронем более сложное и позднее произведение Пикассо из военного периода под названием «Герника», тем более это же так актуально. Готова ловить в свой адрес тухлые помидоры, но мне не нравится "Герника" и я её не понимаю.
Вы меня спросите «что ты за чёрствый человек, Настя? Разве ты не понимаешь, что эта бомбардировка была ужаснейшим событием, столько человек погибло под завалами». Да я всё понимаю, это позорная часть мировой истории, но я просто не понимаю как трагедия в Гернике связана с этим полотном. «Ты что, не видишь что ли, кричащая лошадь это страдающий народ, а бык – это фашисты». Нет, я не вижу.
Да, я понимаю, что Пикассо изображает ужас происходящего в примитивной манере потому что страх – это чувство, которое зародилось в человеке раньше чем род человеческий освоил прямохождение. И я понимаю ,что монохромную палитру он выбрал по той причине, чтобы оставить на полотне самое важное – линию. И линия на картине дисгармонична, как и и композиция, чтобы зритель, смотря на Гернику, испытывал неприязнь к происходящему и жуткий дискомфорт. Но, как говорится, если нужно объяснять – то не нужно объяснять.
И именно поэтому "Девочка на шаре" мне нравится, а "Герника" – нет. "Герника" – это компиляция искусства 20 и в последствии 21 века, то есть - Смысл картины зачастую не на самой картине, а в том, как художник её подписал. С одной стороны – это расширяет творческие границы, с другой привело к тому, что, цитирую один из своих любимых фильмов «у чувака кровь носом пошла и он хочет за это 10 тысяч евро».
И вот существование картин, смысл которых читаем только с подписью под ними, натолкнуло меня на идею о новой настольной игре. Из-за того что наличие такого понятия, как авторские права, не позволит мне её выпустить в коммерческих целях – делюсь с вами. На карточках печатаем картины пикассо в стиле кубизма. Достаём карточку и игроки должны угадать ,что находится на картине, например: гитарист, пейзаж или, допустим, обнажённая женщина. Чья догадка близка к верному ответу – тот получает балл. Выигрывает тот ,кто набрал больше всех баллов. Или игра для взрослой выпивающей компании – угадавший выпивает бокал вина. Игра заканчивается тем, что все, будучи трезвыми, расходятся по домам. Пользуйтесь.
Подытожим. Гений Пикассо заключается в том, что его творчество никого не оставляет равнодушным. Давайте честно – фамилии Поленов, Гойя, Хокусай, Куджо знакомы далеко не всем. Но вот Пикассо – это уже имя нарицательное. ДАже если человек совершенно не увлечён искусством, в музеи не ходит и Мазаччо для него это то, что на хлеб мажут – мнение о Пикассо у него есть. А какое ваше мнение о Пабло Пикассо?
На этом всё. С вами было картавое искусствоведение. Всего доброго. До новых встреч.