Когда художник Сайед Хайдер Раза (1922-2016) был ребенком, жившим в небольшой лесной деревне в центральном индийском штате Мадхья-Прадеш, его учитель нарисовал на доске круг и сказал ему сосредоточиться на нем, чтобы не отвлекаться.
Спустя годы круг вернулся в жизнь художника, на этот раз нарисованный самим С.Х. Разой на его ставших культовыми картинах, изображающих бинду. В переводе с санскрита бинду означает "капля", "острие" или "зерно" и является символом космоса и точкой отсчета всего творения в индийской философии. Черные бинду С.Х. Разы вспыхивают и закрепляют его абстрактные геометрические картины в горящих желтых, оранжевых, зеленых и красных тонах. Это заходящее и восходящее солнце в интерьере, символические пейзажи, где иногда появляются строки поэзии на хинди или других местных языках.
Эти шедевры, включая исследования родной земли, характерны для картин Разы, созданных в основном в период с 1960-х по 80-е годы, и служат зажигательными, стремительными точками входа в его творчество. Они говорят на своем собственном, загадочном языке в диалоге одновременно с его западными современниками и его индийским наследием. Они также являются перезрелым введением в часто неправильно классифицированную и недостаточно признанную вселенную современного индийского искусства, ведущей фигурой которого был С.Х. Раза.
В запоздалой попытке помочь исправить ситуацию, картины С.Х. Разы были объединены в редкую, хотя и сдержанную коллекцию из примерно 90 картин в Центре Помпиду в Париже, которая будет демонстрироваться до 15 мая. Выставка является первой ретроспективой художника во Франции, где он жил с 1950 по 2011 год, и освещает его ранние, менее известные экспериментальные работы. К сожалению, его новаторские абстрактные геометрические картины, которые достигли своего крещендо в начале 80-х годов, представлены на выставке относительно поздно, в результате чего чувствуется их недостаточная представленность. Тем не менее, живописный путь С.Х. Разы, представленный на этой хронологически организованной выставке, открывает захватывающую жизнь художественных вопросов и ответов, сражающихся на холсте.
Во время своего пребывания во Франции С.Х. Раза ежегодно ездил в Индию, фактически разделив оба континента и отказываясь быть привязанным к одному из них. Он "жил с двойной принадлежностью и двойным сознанием", - говорит Рубина Кароде, директор и главный куратор Музея искусств Киран Надар, который является важным кредитором выставки. "Ему очень не нравилось, когда люди говорили, что он индийский художник в Париже. Он пытался достучаться до космоса, охватить все сущее и разрушить это узкое видение".
Раза - один из самых знаменитых художников Индии, сооснователь известной в стране Группы прогрессивных художников (PAG), наряду с М.Ф. Хусайном, Ф.Н. Соузой, С.К. Бакре и другими. Созданная накануне независимости Индии в 1947 году, группа восстала против предыдущих художественных движений колониальной эпохи, таких как Бенгальская школа живописи, которые фокусировались на "истинно индуистском искусстве" или работах, "свободных от колониальной инфекции", как пишет Парта Миттер в книге "Индийское искусство 20-го века", недавнем обзоре, опубликованном издательством Thames & Hudson.
Вместо этого художники PAG исследовали, что может повлечь за собой новая национальная идентичность. Они обращались к философским и художественным традициям коренного населения, в то же время принимая форму интернационализма, которая была любопытна по отношению к западному искусству, но не являлась его производной, как это часто неправильно понимается.
Художники PAG "боролись с желанием быть замеченными в глобальном масштабе, за пределами Индии, потому что они чувствовали себя одинаково компетентными и одинаково вовлеченными в практику модернизма", - сказал Кароде в интервью ARTnews. "Они были открыты для влияний, но на самом деле пытались понять, что значит быть современным в своем собственном контексте".
И, как отметила Кароде, восточная философия оказала сильное влияние на европейский модернизм. "Это пересечение влияний происходит постоянно, но [в историографии принято говорить, что] это всегда начиналось с Запада. То, что приходит из [Индии], не получает такого же признания, а это признание - то, над чем страстно работали эти художники", - сказала она. "Это не была улица с односторонним движением".
Куратор выставки Помпиду Катрин Давид согласилась с тем, что "вопрос о производных встает перед каждым современным произведением искусства, которое не относится к самопровозглашенным центрам современности. Его очень сложно деконструировать, но мы работаем над этим". Уже в 19 веке индийские художники использовали свои собственные способы выражения, "которые ни в коем случае не являются копиями", формируя современное и новейшее искусство, которое является квинтэссенцией фигуративности, объяснила она.
Раза, однако, выбрал периферийный курс по отношению к своим индийским коллегам, несмотря на сохранение тесной связи со своей творческой когортой и происхождением. Он дистанцировался от их доминирующего фигуративного искусства, двигаясь в сторону абстракции. На выставке это развитие иллюстрируют редко встречающиеся ранние акварели на бумаге, изображающие индийские города, женские фигуры и геометрические пейзажи, лишенные людей, напоминающие Бернара Бюффе, Ван Гога, Гогена, а также члена и друга PAG Ф.Н. Соузу.
Работы в этом стиле принесли Разе относительное раннее признание, особенно в те годы, когда он был более тесно связан с Парижской школой художников. Он стал первым неевропейским художником, получившим Приз критики в 1956 году, и выставлялся в крупных международных городах, включая Венецианскую биеннале в 1956 году. Галерея Лара Винси представляла его во Франции, и он пользовался широкой известностью и в Индии. В 1959 году он женился на французской художнице Жанин Монгиллат (1930-2002), с которой познакомился через друзей из Национальной школы изящных искусств Парижа, где он учился по стипендии с 1950 по 1953 год. К сожалению, ни одна из интригующих работ Mongillat, включая странные, раскрашенные скульптуры и коллажи из найденных предметов и бумажного маше, не включена в экспозицию, чтобы подчеркнуть еще один источник влияния Разы.
К 60-м годам в его практике наметились серьезные перемены. "Раза начал беспокоиться, чувствуя, что в нем мало Индии", - сказал поэт Ашок Ваджпейи, давний друг покойного художника и глава Фонда Разы. "Поэтому он начал двигаться в другом направлении и перешел к абстракции".
Он начал все чаще обращаться к раджпутским миниатюрам на бумаге, датируемым 16-19 веками, и его вдохновила "их сила, с точки зрения композиции, пространства и цвета", - сказал Дэвид. "Постепенно Раза закончил с фигуративностью и приступил к процессу деконструкции, к взрыву цвета, пока мы не остались с цветной композицией".
Абстрактная картина, в основном черная и коричневая с оттенками зеленого, красного, желтого и белого.
Вскоре появились большие, плоские участки вибрирующего пигмента, составленные из линейно разделенных сегментов холста под влиянием Марка Ротко и других американских абстрактных экспрессионистов. Он отказался от парижских оттенков и выбрал цвета, напоминающие о жарком, влажном индийском лете. Его детские воспоминания о ночных прогулках в одиночестве по лесу привели к созданию ключевой серии работ 1970-х годов под названием "La Terre" ("Земля"), где также прослеживается влияние поэзии Райнера Марии Рильке. В этих работах светящиеся точки света пробиваются сквозь тьму и хаос.
Примерно в это же время, рассматриваемое примерно на трети экспозиции, ссылки на индийскую духовность становятся более распространенными, включая ранние ссылки на биндус, а также аснагас, кундалини, индийскую поэзию и классическую музыку, известную как рага. На последнем этапе выставки Раза фактически переходит к своей хорошо известной "радикальной и символической геометрической абстракции", согласно тексту на стене. Его шедевры под названиями "Маа (Мать)", "Раджастхан" и "Саураштра", и другие, могут включать биндусы, нарисованные с совершенством транспортира, наряду с плотными, грубо жестикулированными геометрическими формами и цветом, нарисованными в пределах прямоугольных полос и квадратных сегментов. Последние работы, представленные на выставке, более простые, чистые и однородные, утратившие большую часть своей живости и необычности. Символические, упорядоченные формы Раза часто ссылаются на обновление и циклическую концепцию времени, а также служат опорой для медитации в индуистской, буддийской и даосской традициях.
Отец Разы, родившийся в мусульманской семье, был лесничим и вольно трактовал ислам, что привело к тому, что его сын заинтересовался индуизмом и христианством, и все три эти темы упоминаются в его работах. "Он создавал косвенное повествование вокруг элементов своей собственной культуры и цивилизации, и для меня это был очень важный аспект его работ", - говорит художник Маниш Пушкале, ученик Разы, который ранее выставлялся вместе со своим учителем.
В последнее десятилетие спрос на работы С.Х. Разы достиг рекордных высот, их стоимость на аукционах с середины 1990-х по 2010-е годы выросла на 800 процентов, достигнув максимальной цены в 4,45 миллиона долларов на аукционе Christie's в Нью-Йорке в 2018 году. "Самое сложное для нас - найти источники этих невероятных работ", - говорит Дамиан Весей, специалист по современному и новейшему искусству Южной Азии в Christie's.
На переполненном открытии в Помпиду посетители, многие из которых прилетели специально для этого события, были одеты в мириады сверкающих сари, придавая мероприятию праздничный оттенок, не противоречащий выставленным работам.
"Я думаю, у Разы был инстинкт празднования, в отличие от обычных модернистов, где есть нарушение, смещение, напряжение", - сказал Ваджпейи. "Раза пытался, с другой стороны, достичь созвучия, спокойствия. Он пытался применить другой вид модернизма, который устраняет дихотомию между чувственным и духовным. Для него они были более или менее одним и тем же".
Описывая Раза как "мастера колористики", Ваджпейи добавил: "Наследие Раза в том, что цвета могут говорить. Они могут петь".