Приветствую!
На днях впервые посетила «Государственный Эрмитаж, Главный штаб» – там проходила лекция преподавателя и историка фотографии И. В. Лебедева «Краткий экскурс в историю американской фотографии». И мне бы хотелось поделиться здесь своими впечатлениями по этому поводу. Тем, кто интересуется историей фотографии как искусства, эта статья может быть полезна.
Внимание, лонгрид!! Но с классными картинками!
Итак, экскурс действительно можно назвать кратким – сделать обзор всей истории американской фотографии за 2,5 часа – это вам не анекдот рассказать. Однако профессор на то и профессиональный лектор, чтобы проделывать такие вещи и уметь посвятить заинтересованную аудиторию, где не все могут обладать специальным образованием в данной области, и при этом, чтобы люди не заскучали.
По крайней мере лично мне скучно не было, но я, наверное, была слишком заинтригована, и к тому же тема моей текущей (вялотекущей правда, на данный момент, но я в процессе её освоения) магистрской – Литература и Фотография – интересу моему способствовала.
Не буду сильно распинаться, просто выпишу сюда в виде конспекта моменты, озвученные лектором, которые мне понравились.
Но в начале ремарка.
***
Наверняка многие из вас знакомы с таким понятием, как дагеротип (дагерротип).
По сути, это один из самых ранних фотографических способов запечатлеть окружающую действительность: к этому изобретению пришли создатель первой диорамы Луи Дагер (Louis Jacques Mandé Daguerre) и создатель гелиографии Жозеф Нисефор Ньепс (Joseph Nicéphore Niépce). Французские изобретатели с 1829 г. совместно работали над проблемой проявления изображения, основываясь на светочувствительности йодистого серебра, и только в 1837 году Дагеру (Ньепс, к сожалению, не дожил до этого момента) таки удалось совершить открытие: слабое скрытое изображение проявилось на пластинке накладного серебра, обработанной иодом, при помощи паров ртути.
Эта технология была совершенно не похожа на уже существующие на тот момент, поэтому её назвали в честь изобретателя: дагеротипия.
Это удивительно, на самом деле. Уже давно я порывалась тщательнее разобраться в этом вопросе, поскольку получение изображений через камеру мне всегда представлялось каким-то магическим действом, неким маленьким таинством Вселенной, хотя умом я понимаю, что всё вполне естественно объясняется физическими и химическими процессами. И всё-таки, даже зная технологию, с помощью которой человек научился запечатлевать всё что угодно в маленькую коробочку и переносить полученную картинку, весь этот собирательный образ на плоскость (будь то снимок или экран), до сих пор кажется странным чудом. А каковым этот процесс казался людям той эпохи?
Это была первая треть XIX века – мир экипажей с лошадьми (первый автомобиль появился в 1885), мир, в котором люди поддерживали связь через письма (первую телеграмму отправил С. Морзе в 1844 – кстати, он ещё был художником, и был знаком с Дагером), самолёты ещё не летали (они только на рубеже 19 и 20 веков появились), а железную дорогу с поездами буквально только-только пустили в ход (первая ж/д с паровой тягой была построена в Англии в 1825 Д. Стефенсоном).
С нашим современным мировосприятием такое сложно представить, не правда ли?
***
«Прибы́тие по́езда на вокза́л Ла-Сьота́» (фр. L’Arrivée d’un train en gare de la Ciotat) братья Люмьер показали зрителям в 1896 году – вот у людей стресс был, когда на них из экрана с грозный видом надвигался паровоз. Но это уже было всё гораздо позже, когда люди понемногу начали привыкать к перманентно возникающим тут и там изобретениям и открытиям, поэтому вернёмся ко времени, когда своё развитие начала фотография.
Я обещала не распинаться, и всё же Остапа, как говорится, понесло.
Так что вот обещанные мысли и примеры!
★ В середине XIX в., когда развитие фотографии в Америке начало набирать свои обороты, фото делилось на два типа: документирование (преимущественно портреты) и художественное воплощение, сравнимое с попыткой живописи (просто взгляните на фотографию слайда с фотографиями);
★ Лектор приводил в пример множество примечательных фотографов, которые запомнились миру своими новаторскими решениями, уникальным взглядом и выдающимся стилем (в моём маленьком блокноте получилось аж 17 страниц этих прекрасных имён и комментариев к ним)
Вероятно вам будет интересно взглянуть на работы Чарльза Шилера/Charles Sheeler и Эдварда Стайхена/Edward Steichen – это о том, как развивалась фотография в принципе, расцвет стиля модерн, моды, американского кинематографа, где актрисы умели вести себя перед камерами, где сюжеты были заранее продуманы и мастерски воплощены в фотографическом искусстве;
★ Эдвард Уэстон/Edward Henry Weston, его «Ню» 1926 г., и его феноменальные работы с формами, повлиявшие на американскую фотографию 1930-х и далее:
«Изображение подсознательно бесконечно воспроизводит само себя, оно запоминается навсегда.»
★ Джордж Харрелл/George Edward Hurrell – профессиональный фотограф Голливуда; Беренис Эббот/Berenice Abbott – знаковая фигура в области американской фотографии 1930х и первая женщина-фотограф, добившаяся признания в этой профессии;
★ Визуальная антропология – направление, зародившееся в конце XIX века как вспомогательная дисциплина этнографии, и развившееся в широкий аспект, в котором сейчас рассматривается фотография;
★ Виджи/Weegee – американский фотожурналист, фиксировавший события уличной жизни Нью-Йорка.
«Фотографии момента. Фотографии, показывающие правду, которую люди не хотели видеть.»
«Сфотографировать человека — значит совершить над ним некоторое насилие: увидеть его таким, каким он себя никогда не видит, узнать о нём то, чего он не знал, словом, превратить его в объект, которым можно символически владеть. Если камера — сублимация оружия, то фотографирование — сублимированное убийство — кроткое убийство, под стать печальным, испуганным временам.
© Сьюзен Сонтаг «О фотографии (Сборник, стр. 27)
«Фотография нацелена на поиски все более драматических (как их часто характеризуют) образов, и это стало нормой в культуре, где шок — ведущий стимул потребления и источник ценности.»
© Сьюзен Сонтаг «Смотрим на чужие страдания»
То есть, мы как зрители/читатели/потребители, как бы ни хотели этого признавать, но любим смотреть со стороны на чужие страдания, в душе истытывая чувства сопереживания, эмпатию по отношению к страждущим.
«Не хотим, но смотрим!»
★ Метафизический мир фотографии. Мы смотрим на фотографию. Но что мы видим?
Diane Arbus, Jerome Liebling; William A. Garnett (новатор в пейзажной аэрофотосъёмке), George Krause (один из первых снимал портреты для надгробных плит);
★ Реальное/ирреальное или фотография обманчива, фотография всегда лжёт: Jerry Uelsmann («Маленький лес, где я увидел тебя», 1967), Ralph Gibson (книга «Сомнамбулист», 1967), Charles Henry Harbutt (жанровая фотография, которая строится на эмоциях, 1970е);
★ 1970-е: развитие концептуальной фотографии: John Hilliard (правда он британец, но всё же один из пионеров conceptual art): «из фотографии через кадрирование можно вытащить самые разные смыслы, что бы туда не закладывали»
★ Emmet Gowin (художественно поставленные фотографии), Bill Owens и тема «Пригород» (модульная жизнь в глубинке, где ничего нет), Annie Leibovitz (чувственные портреты знаменитых людей), 1971-72;
★ Thomas Barrow, серия «Вычёркивание», 1974: «Мы можем всегда вмешаться! Мы можем исследовать множество смыслов!»
★ Robert Cumming и его «Линейные структуры», 1975;
★ «Фотография требует лишь реакции человека. Его мысли и размышления – что же «она» такое?
★ Эксперименты со вспышкой на ночных улицах от Mark Cohen («Мрачная улица», 1975), фототрансформации от Lucas Samaras, пейзаж, куда постоянно вторгается человек от Stephen Shore (1975), стрит-фото от Joel Meyerowitz (1976), австралийские сосны от John Pfahl (1977), трава, лезущая в камеру к John Gossage (1978), композиции от Chuck Close (1979), инсталляции от Les Krims (1980), знаки от Cindy Sherman, маргинальные образы от Joel-Peter Witkin (1981), проект «Луизиана» от William Eggleston и размышления о цвете, а также: чем профессиональная фотография отличается от любительской?
★ Фотография с точки зрения эстетики: работа с цветом, композицией, преобразованием/переработкой старого материала в нечто новое, в аспекте художественного переосмысления: Olivia Parker (проводила параллели между искусством и наукой, работала в стиле still-life photograph), Birney Imes (известный своими фотографиями американского Юга), Barbara Kasten (работы в духе супрематизма и абстракционизма), 1980-е;
★ Чёрно-белая фотография от Robert Mapplethorpe (смелое видение классической красоты/classical beauty сквозь призму веяний в искусстве того времени в отображении обнажённого тела), Tina Barney (собирательный образ вечных тем, «Часы», 1985), скелеты Marion Faller (праздник [Хэллоуин] не длится вечно, но почему-то остаётся страшно даже после того, как он проходит, 1989), Tod Papageorge (история в фотографиях: 3-4 ключевых элемента создают взаимосвязь, которая ведёт к возникновению истории)
★ 90-е и 00-е ознаменовались такими именами, как: Roland Hicks, Sally Mann, Vik Muniz, Sandy Skoglund и её инсталляции, Gregory Crewtson («Офелия», 2001), Darryl Baird («Водяной юмор», 2001), Philip-Lorca diCorcia (делал фотоловушки со светом, 2000), Peter Funch (“Babel Tales”, 2000), Ted Sabarese («портреты с рыбой», 2000);
★ Sheila Pree Bright, серия «Пригород», 2005: в отличие от 70-х, здесь запечатлены не люди, а только следы присутствия людей. Автор размышляет над вопросом: почему мы перестали фотографировать друг друга?
Бесконечные ограничения «здесь съёмка запрещена» и «необходимо разрешение на фото и видеосъёмку» ущемляют права фотографов и, как следствие, объекты притяжения взгляда фотографа – люди – как будто исчезают из поля зрения объектива, при этом не теряя духа своего присутствия: вещи, отражения, следы быта: в этом «Пригород»;
★ Augusta Wood, серия «Текст», 2005; Erika Larsen, «Юная кровь», 2007; Matt Lipps, серия «Дом», 2008; Peter Holzhauer, 2008: размышление на тему бесконечного тиражирования образов в фотографиях.
★ Will Steacy, «Эти злые улицы», 2008 (фотографии мест, где произошло что-то ужасное)
★ Elad Lassry, «Женщина», 2010.
«Наблюдающий за наблюдателем наблюдатель».
О фотографии действительно много чего можно рассказать. Это искусство, словно зеркало, отражает нашу действительность, искажает её по своему усмотрению либо по замыслу художника – в любом случае это самый точный и, вместе с этим, самый сюрреалистичный портрет нашей жизни.
Являем ли мы свой истинный образ через фотографию или чужой?
Что есть подлинная, уникальная фотография, а что – копирка?
Мы порабощены фотографией: нам необходимо постоянно всё визуализировать (особенно текст, которого так много вокруг нас). И поэтому изучать фотографию сквозь призму истории её развития, когда она ещё не была так обесценена современными технологиями и повсеместной доступностью для широких масс пользователей, вдвойне увлекательно. Разглядывая те старые работы, которые в своё время считались новаторскими и произвели фурор, мы постоянно ищем смыслы, но в то же время отрицаем реальность.
Это завораживает.
И это наводит на раздумья всякий раз, когда мы сталкиваемся с современным восприятием искусства фотографии, и взаимосвязью данного вида искусства с другими формами творческого выражения авторского Я.
***
Спасибо, что дочитали досюда! Буду очень рада лайку и отклику, поскольку интереснее делиться друг с другом мнениями!)