Как пространство музея влияет на продвижение музея и привлечение посетителей
Вы когда-нибудь задумывались, как организация пространства вокруг музейных экспонатов влияет на восприятие истории? Почему некоторые музеи кажутся тихими храмами искусства, а другие – оживленными театрами памяти, привлекающими толпы посетителей? Грамотное использование музейного пространства играет ключевую роль в продвижении музея, формировании уникального музейного опыта и увеличении посещаемости. Дизайн экспозиции и архитектурные решения – мощные инструменты, способные удержать внимание посетителей, вызвать эмоциональный отклик и сделать посещение музея незабываемым.
Исследование музейного пространства и продвижение музея: работа Шуайнина Не
Шуайнин Не, талантливый студент Школы дизайна НИУ ВШЭ, посвятил свое эссе изучению того, как мемориальные музеи могут трансформироваться из мест скорби в пространства для диалога с прошлым. В своей работе он исследует, как пространство экспозиции помогает посетителям выйти за рамки сухих цифр и прочувствовать личные истории людей, стоящих за трагическими событиями. Его исследование подчеркивает важность пространственных решений для продвижения мемориальных музеев как значимых культурных центров.
Визуальные образы и пространство в музейном продвижении: эмоциональное воздействие экспозиции в Мемориальном зале Нанкинской резни
В Мемориальном зале Нанкинской резни посетителей встречает мощный визуальный образ – статуя «Разрушенная семья», изображающая взрослого, держащего на руках мертвого ребенка. Этот визуальный акцент мгновенно вызывает сильный эмоциональный отклик, проводя параллель со сценой из фильма «Список Шиндлера» с девочкой в красном пальто. Такие визуальные решения в музейном пространстве не только привлекают внимание, но и делают трагические события более личными и понятными, усиливая эмоциональную связь посетителя с экспозицией. Шуайнин Не подчеркивает: «Эмоция без понимания быстро угасает». Именно поэтому архитектура музея и планировка пространства должны работать в тандеме с нарративом, создавая эффект полного погружения и способствуя эффективному продвижению музея.
Личные истории и пространство как инструменты продвижения музея: опыт Мемориального музея Холокоста в Вашингтоне
Пример Мемориального музея Холокоста в Вашингтоне демонстрирует, как личная история может оживить сухие статистические данные и вовлечь посетителей в музейное повествование. Экспозиция «История Даниэля» предлагает посетителям пройти жизненный путь маленького еврейского мальчика, превращая безликие факты в глубокий эмоциональный опыт. Шуайнин Не отмечает: «Гораздо важнее показать одну судьбу, чем озвучить тысячи безликих чисел». Такие подходы к организации музейного пространства формируют у посетителей глубокую связь с экспонатами и значительно усиливают впечатление от посещения музея, способствуя его продвижению и положительному имиджу.
Пространственные решения для усиления впечатлений посетителей и продвижения музея:
- Архитектура для эмоций: Наклонные стены, узкие проходы и световые акценты создают атмосферу тревоги или покоя, управляя эмоциональным состоянием посетителя и усиливая воздействие экспозиции.
- Визуальные маркеры: Цветовые контрасты и акцентные экспонаты эффективно привлекают внимание и акцентируют ключевые моменты экспозиции, улучшая навигацию посетителей в музейном пространстве.
- Сила личных историй: Нарративы о конкретных людях помогают зрителям эмоционально вовлечься в историю, делая ее более личной и значимой, что способствует глубокому погружению и запоминающемуся музейному опыту.
- Интерактивные элементы: Современные технологии позволяют посетителям самим стать частью экспозиции, взаимодействуя с цифровыми инсталляциями и интерактивными стендами, что усиливает вовлечение и делает посещение музея более динамичным и интересным, способствуя позитивному восприятию музея и его продвижению.
Откройте для себя новые грани музейного опыта и стратегии продвижения музея
Хотите углубить свои знания о том, как музеи работают с пространством и создают незабываемые впечатления, а также узнать больше о современных методах продвижения музеев? Ознакомьтесь с эссе Шуайнина Не, опубликованным на сайте Школы дизайна НИУ ВШЭ: [Читать статью]. Погрузитесь в увлекательное исследование, которое поможет вам взглянуть на музеи под новым углом и лучше понять их важную роль в современном культурном пространстве.
Для тех, кто стремится к более глубокому пониманию мира искусства и культуры, рекомендуем журнал ART – издательский проект Школы дизайна НИУ ВШЭ. Журнал ART – это коллекционное подписное издание (4 выпуска в год), сочетающее академическую глубину исследований и визуальное совершенство альбома. Темы выпусков 2024/2025 годов охватывают широкий спектр тем: «Россия. ХХ век», «Восток — Запад», «Книга», «Театр». В 2025/2026 годах планируются номера, посвященные фотографии, архитектуре, русской иконописи и средневековому искусству.
Перформансы как инструмент продвижения музея и деколонизации культурного пространства
Вы когда-нибудь задумывались о роли перформансов в современном музее? Как художественные перформансы могут стать мощным инструментом деколонизации музея, изменяя устоявшиеся представления о культуре и истории? Классический музей, традиционно созданный для демонстрации коллекций и фиксации определенных нарративов, часто невольно ограничивает разнообразие культурных выражений, создавая бинарную оппозицию «свое» и «чужое». В этой ситуации перформансы выступают как катализатор перемен, способствуя продвижению музея как пространства инклюзивности и диалога.
Музей как колониальный институт и необходимость деколонизации через перформанс
Музеи, как социально-культурные институты, имеют сложную историю, тесно связанную с колониализмом и культурным доминированием. Исторически музеи служили местом, где представители европейских держав собирали и демонстрировали артефакты и культурные ценности, вывезенные из колонизированных стран. Это привело к тому, что культуры многих народов оказались лишены контекста, став объектом экзотического интереса для европейской публики. Однако сегодня мы наблюдаем важный сдвиг парадигмы в музейном деле. Перформанс, как форма современного искусства, становится ключевым средством деколонизации музеев, предоставляя площадку для возрождения утраченных голосов и альтернативных перспектив. Перформансы в музее позволяют разным сообществам выражать свою культуру, традиции и идентичность в постколониальном мире, способствуя продвижению музея как открытого и релевантного пространства.
Социальная и политическая роль перформанса в музее: привлечение внимания к проблемам неравенства
Перформансы в музее не только деколонизируют пространство, но и позволяют разным народам артикулировать свои социальные и политические проблемы, привлекая внимание общественности к вопросам неравенства и исторической несправедливости. Перформанс – это искусство в движении, обладающее уникальной способностью вовлекать зрителей и провоцировать диалог вокруг острых тем. Благодаря эмоциональной силе перформанса, художник получает возможность воздействовать на «болевые точки» общества, связанные с колониализмом, расизмом и социальным неравенством, тем самым усиливая социальную значимость музея и его продвижение в качестве платформы для критического осмысления истории.
Демеханизация музея через перформанс: цитата Элеоноры Фабиан
Элеонора Фабиан, исследовательница перформативного искусства, точно определила задачу перформанса: «демеханизировать, двигаться против течения. Речь идет о поиске альтернативных способов борьбы с истеблишментом, экспериментировании с измененными психофизическими состояниями, создании ситуаций, распространяющих разнообразные диссонансы: экономические, эмоциональные, биологические, идеологические, психологические, духовные идентичности, сексуальные, политические, эстетические, социальные, расовые […]». Это определение подчеркивает деструктивный потенциал перформанса по отношению к традиционным музейным форматам, открывая путь для новых подходов к продвижению музея как живого и динамичного пространства.
Концепция "Другого" в контексте деколонизации музея
Важным понятием в контексте деколонизации музея является концепция «Другого». «Другой» – это человек, принадлежащий к колонизированной культуре, чье восприятие и идентичность формируются в противопоставлении к доминирующей культуре колонизатора. Деколонизация музея направлена на трансформацию сознания колонизаторов, на преодоление оппозиции «Я» — «Другой» и на создание инклюзивного пространства, где голос каждого культуры может быть услышан. Перформансы играют ключевую роль в этом процессе, предлагая альтернативные нарративы и разрушая стереотипы, что способствует продвижению музея как пространства межкультурного диалога.
Визуальное исследование: перформанс как инструмент деколонизации музея
Визуальное исследование, представленное в данной статье, направлено на анализ влияния перформансов на деколонизацию музея. Целью исследования является выявление ключевых тем, к которым чаще всего обращаются художники-перформеры, стремящиеся к деколонизации музейного пространства. В рамках исследования рассмотрены четыре основных блока, раскрывающие разные аспекты деколонизации музея через перформанс:
Возвращение исторических артефактов на родину: Перформансы, привлекающие внимание к проблеме культурной апроприации и колониального наследия.
Реконструкция "Человеческих зоопарков": Перформативные практики, разоблачающие расистские стереотипы и дегуманизацию "Другого".
Насилие и неравенство: Перформансы, посвященные теме колониального насилия, социального неравенства и телесных наказаний.
Протест и национальная идентичность: Перформансы, выражающие гордость за национальную идентичность и стремление к культурному самоопределению.
Исторические артефакты и перформанс: борьба за культурное наследие в музее
Художники-перформеры часто используют свое творчество, чтобы привлечь внимание к проблеме культурной апроприации и колониальной истории. Украденные артефакты становятся символом угнетения и лишения культурных ценностей целых сообществ. Перформансы позволяют поднять вопрос реституции и привлечь общественное внимание к необходимости возвращения культурных ценностей на родину, способствуя восстановлению исторической справедливости и продвижению музея как этичного и ответственного института.
Перформанс Джеймса Луны «Часть артефакта» в Музее человека Сан-Диего
Перформанс Джеймса Луны «Часть артефакта», представленный в Музее человека Сан-Диего, стал мощным вызовом современной американской культуре и музейной репрезентации коренных народов. Художник поместил себя в музейную витрину, в отделе, посвященном индейцам Кумеяай, ранее населявшим округ Сан-Диего. Одна витрина содержала текстовые панели и песок, где художник лежал в набедренной повязке, а другая была заполнена его личными вещами, символизирующими живую и развивающуюся культуру, в противовес музейной репрезентации, изображающей его расу как «практически вымершую и исчезнувшую». Перформанс Луны критикует музейную систему за систематическую идентификацию коренных народов как исчезнувших или застывших в прошлом, подчеркивая динамичность и изменчивость культуры и идентичности. «Часть артефакта» вызвал широкий резонанс и оказал значительное влияние на музейное сообщество и последующие перформансы, направленные на деколонизацию музеев. В 2020 году галерея Гарта Гринана организовала посмертную презентацию перформанса, подчеркивая долгосрочное значение работы Луны для продвижения идей деколонизации в искусстве.
Перформанс Вуры-Наташи Огунджи «Поцелуйная маска» и оживление украденных реликвий
Вура-Наташа Огунджи в своем перформансе «Поцелуйная маска» обращается к теме украденных артефактов, вдохновляясь рисунком Руби Ониньечи Аманзе «Кого ты целуешь, когда целуешь маску?». Для Огунджи маска символизирует украденную реликвию, лишенную связи с Африкой и нуждающуюся в «оживлении» через «поцелуй». Художница использует маску в перформансе, чтобы нарушить стандартные представления об искусстве и вызвать неожиданную реакцию зрителей. Надевая маску, Огунджи десакрализует ее, лишая статуса священного объекта и восстанавливая связь между прошлым и настоящим. Перформанс Огунджи предлагает новый взгляд на реституцию культурных ценностей, подчеркивая важность эмоционального и телесного взаимодействия с историческим наследием для продвижения музея как пространства живой памяти.
Акция-перформанс Мвазулу Диябанзы в Лувре и радикальные методы репатриации
Мвазулу Диабанза, позиционирующий себя как политический активист, а не художник-перформер, использует радикальные методы для возвращения артефактов африканского наследия на родину. Его акции, которые можно рассматривать как перформансы, направлены на прямое действие и привлечение внимания к проблеме реституции. Первое «хищение» Диабанза совершил в парижском Этнографическом музее, забрав погребальный столб, символизирующий связь человека с землей предков. Свои действия он объясняет необходимостью вернуть украденное «у вора», критикуя музеи за получение прибыли от демонстрации награбленных предметов. Диабанза открыто совершает «хищения» в разных европейских музеях, сопровождая их лекциями о колониальном наследии и транслируя в социальных сетях, тем самым привлекая внимание широкой общественности к вопросам реституции и этике музейного дела, способствуя продвижению идеи деколонизации музеев в публичном пространстве.
Человеческий зоопарк в музее: перформансы против дегуманизации и расизма
«Человеческие зоопарки», существовавшие в Европе с 1850-х по 1960-е годы, являются символом колониального расизма и дегуманизации «Другого». Выставки людей небелых этнических групп, похищенных со своей родины, стали прибыльным бизнесом, отражая колониальное отношение к «не белым» телам как к объектам для зрелища. Современные художники обращаются к теме «человеческих зоопарков» в перформансах, используя тело как символ колониального насилия и возрождая прошлые социальные ситуации для критического осмысления истории и борьбы с расизмом в современном мире, способствуя продвижению музея как пространства критической рефлексии.
Перформанс Джеймса Луны «Сфотографируйся с настоящим индейцем»: критика стереотипов и романтизации колониализма
Перформанс Джеймса Луны «Сфотографируйся с настоящим индейцем» представляет собой саркастическую критику стереотипных представлений о коренных американцах и избирательной романтизации колониализма в американской культуре. Художник предлагал зрителям сфотографироваться с «настоящим индейцем», позиционируя себя как «туристическую достопримечательность» и стереотипный персонаж. Луна критикует превращение коренных американцев в «товар» и объекты романтического интереса, подчеркивая необходимость преодоления стереотипов и признания живой и развивающейся культуры коренных народов. Перформанс Луны, сохраненный в виде инсталляции в галерее Гарта Гринана, продолжает провоцировать диалог о колониальном наследии и репрезентации коренных народов в музеях, способствуя продвижению идей деколонизации в современном искусстве.
Перформанс Коко Фуско и Гильермо Гомес-Пеньи «Два неоткрытых индейца…»: разоблачение европоцентризма и дегуманизации
Коко Фуско и Гильермо Гомес-Пенья в своем перформансе «Два неоткрытых индейца…» воссоздают проявления социального неравенства и дегуманизации, характерные для «человеческих зоопарков». Представляя себя «неоткрытыми американскими жителями» в музеях и галереях, художники иронизируют над европоцентристской идеей «открытия» Америки и критикуют институционализированные исторические места за присваивание артефактов и демонстрацию «Других» в отрыве от культурного контекста. Разделение пространства между художниками-перформерами и зрителями символизирует физическое и социальное разделение между западной аудиторией и «выставленными» «Другими», подчеркивая дегуманизирующий эффект такого разделения. Перформанс Фуско и Гомес-Пеньи является мощным высказыванием против колониализма и расизма, способствуя продвижению музея как пространства критического диалога о колониальном наследии.
Перформанс Терезы Марии Диас Нерио «Оммаж к Саре Баартман»: критика объективации и расовой кодификации женского тела
Сара Баартман, представительница южноафриканского народа готтентотов, стала одной из самых известных жертв «человеческих зоопарков». Перформанс Терезы Марии Диас Нерио «Оммаж к Саре Баартман» посвящен критике объективации женщины в обществе и искусстве, а также расовой кодификации черного женского тела как «Другого». Художница, одетая в кожаный комбинезон, имитирующий образ «первобытной женщины», стоит неподвижно на постаменте, пародируя музейную экспозицию и превращая свое тело в «живой экспонат». Перформанс Диас Нерио возвращает тело Баартман в монументальную позу, протестуя против расизма и сексизма, и способствуя продвижению музея как пространства феминистской и антирасистской критики.
Неравенство, насилие и телесные наказания в перформансах как деколонизирующий жест
Перформансы также обращаются к теме колониального насилия, социального неравенства и телесных наказаний, разоблачая жестокость колониальной системы и ее долгосрочные последствия. Художники используют перформативные практики, чтобы визуализировать боль и страдания жертв колониализма, привлечь внимание к современным проявлениям расизма и неравенства, и призвать к социальной справедливости, тем самым усиливая социальную роль музея и его продвижение как пространства активизма и сопротивления.
Партизанский перформанс «Судака»: протест против экономического неравенства на ярмарке ARCO
Предприятие «Судака» представляет собой партизанский перформанс, проведенный на ярмарке латиноамериканского искусства ARCO. Художники, одетые в маски и национальные шапки, продавали футболки с текстом, противопоставляющим стоимость латиноамериканского искусства на ярмарке стоимости выживания нелегального латиноамериканского иммигранта в Испании. Перформанс «Судака» критикует экономическое неравенство и эксплуатацию мигрантов, разоблачая лицемерие мира искусства, который может праздновать латиноамериканскую культуру, игнорируя социальные проблемы латиноамериканского сообщества в Испании. Акция «Судака» является актом протеста против неравенства и голосом в защиту прав мигрантов, способствуя продвижению идеи социальной ответственности музеев.
Перформанс Ребекки Белмор «Индийская фабрика»: борьба с расовым насилием в музее
Перформанс Ребекки Белмор «Индийская фабрика», представленный в музее Саскауна, посвящен борьбе с расовым насилием по отношению к коренным народам. Художница вошла в музейное пространство в символическом костюме, сочетающем рабочую форму и элементы коренной идентичности, выражая гнев и скорбь о потерях коренных народов. Белмор наносила штукатурку на мужские куртки, символизируя жертв расового насилия и создавая «полые формы» как признание трагедии коренных общин. Перформанс «Индийская фабрика» является актом памяти и протеста против расового насилия, призывая к осознанию исторической травмы коренных народов и борьбе за социальную справедливость, усиливая роль музея как пространства социальной акции.
Перформанс Жанетт Элерс «Whip It Good»: ответный удар жестокой истории рабства
Жанетт Элерс в своем перформансе «Whip It Good» демонстрирует жестокий метод наказания, использовавшийся во времена рабства – порку кнутом. Художница наносит удары кнутом по белому холсту, создавая противоречивый художественный акт наказания, направленный на разоблачение жестокости рабства и колониализма. Белый холст символизирует использование белого цвета в гаитянской и африканской культурах, а удары кнутом становятся метафорой ответного удара против жестокой истории рабства и колониализма, а также доминирования белого мужского искусства. Элерс предлагает зрителям «закончить картину», вовлекая их в процесс осмысления исторической травмы и ответственности, способствуя продвижению музея как пространства критической рефлексии о колониальном прошлом.
Протест и гордость за национальную идентичность в перформансах как деколонизирующий акт
Постколониальные художники используют перформансы не только для протеста против колониализма, но и для выражения гордости за национальную идентичность и культурное самоопределение. В своих работах они обращаются к истории, культуре и традициям родины, стремясь преодолеть последствия колониального влияния на национальную идентичность и утвердить собственный голос в мире искусства, тем самым усиливая культурную значимость музея и его продвижение как пространства культурного самовыражения.
Перформанс Ребекки Белмор «Театр храбрых»: голос коренных народов и возвращение к своим корням
Перформанс Ребекки Белмор «Театр храбрых» стал мощным высказыванием о самоопределении коренных народов. Белмор, проецируя свое лицо в бумажной маске индейца на экран, обращается к земле и своему народу, утверждая их право на собственную историю и культурное наследие. Перформанс вдохновлен историей индейца Микмака, увезенного во Францию в XVI веке и превращенного в «живой экспонат» для развлечения европейской публики. «Театр храбрых» возвращает голос коренным народам, протестуя против колониальной репрезентации и утверждая ценность собственной культуры и идентичности, способствуя продвижению музея как пространства уважения к культурному разнообразию.
Перформанс Вонгечи Муту «Банановый удар»: символика обретения независимости Кенией и африканский пейзаж
Вонгечи Муту в перформансе «Банановый удар» обращается к символике обретения независимости Кенией в 1960-70-х годах. Пустое пространство с двумя белыми досками, на которые проецируются видео с кенийскими пейзажами, создает атмосферу дома и ностальгии. Муту читает текст «Далеко от Африки» Дерека Уолкотта, погружая банановые листья в чернила и разбрызгивая краску на холст, создавая абстрактные мазки, перекликающиеся с кенийским пейзажем на экране. «Банановый удар» является поэтическим размышлением о колониальном прошлом и обретении независимости, выражением гордости за африканскую культуру и стремлением к возвращению к своим корням, способствуя продвижению музея как пространства культурного самовыражения и диалога.
Трилогия Жаннет Элерс «We’re Magic. We’re Real»: волосы как символ коллективного сопротивления и африканской диаспоры
Трилогия Жаннет Элерс «We’re Magic. We’re Real» использует волосы как мощный символ коллективной идентичности и сопротивления колониализму в африканской диаспоре. В первой части трилогии «We’re Magic. We’re Real #1», Элерс заменяет скульптуру Купидона и Психеи в музее Торвальдсена на пустой постамент, заполненный черными волосами, создавая «коллективный портрет народа, который забыт и не представлен в музее». Вторая часть «We’re Magic. We’re Real #2» представляет собой перформанс с гигантской «прической» из синтетических афро-волос, символизирующей освобождение черной культуры. Заключительная часть «We’re Magic. We’re Real #3» изображает девушек со «сросшимися» волосами, символизирующих коллективное сопротивление колониализму внутри африканской диаспоры. Трилогия Элерс является мощным художественным высказыванием о коллективной памяти, сопротивлении и культурной идентичности, способствуя продвижению музея как пространства инклюзивности и диалога о колониальном наследии.
Выводы: перформанс как инструмент деколонизации и продвижения музея
Перформансы играют ключевую роль в борьбе с колониальными порядками в музейном пространстве. Этот вид искусства позволяет ярко выразить эмоции, переживания и стремление к культурной идентичности, а также привлечь внимание к важным социальным и политическим вопросам. Эмоциональная сила перформанса делает его эффективным инструментом воздействия на зрителей, позволяя художникам «давить на болевые точки» общества и провоцировать критическое осмысление истории. Перформансы в музее способствуют переосмыслению исторических событий и пониманию их влияния на национальную идентичность, а также создают пространство для диалога и взаимопонимания между разными культурами, что в конечном итоге способствует продвижению музея как современного и релевантного культурного центра. Разнообразие художественных подходов в перформансе позволяет каждому художнику найти свой уникальный инструмент воздействия на зрителя, будь то демонстрация телесной памяти, использование юмора как инструмента обезоруживания и противостояния, или поэтическое размышление о культурной идентичности.
Часть материала для данной статьи была подготовлена на основе видеолекций Александры Першеевой, академического руководителя программы «Современное искусство» в Школе дизайна НИУ ВШЭ, заведующей кафедрой «История искусств», кандидата искусствоведения, исследователя, кинорежиссера и видеохудожника. Ее экспертное мнение о деколонизации музея и роли перформанса в этом процессе, а также анализ современных перформативных практик оказались ценным вкладом в данное исследование.
Хотите углубиться в мир современного искусства и музейных инноваций? Обратите внимание на журнал ART – издательский проект Школы дизайна НИУ ВШЭ. Журнал ART – это коллекционное подписное издание (4 выпуска в год), предлагающее глубокий анализ актуальных тенденций в искусстве и культуре, сочетая академическую экспертизу и визуальное наслаждение. Темы ближайших выпусков 2024/2025 годов позволят вам исследовать различные периоды и направления искусства, а также современные стратегии продвижения культурных проектов, включая музейные перформансы: «Россия. ХХ век», «Восток — Запад», «Книга», «Театр». В 2025/2026 годах вас ждут номера, посвященные фотографии, архитектуре, русской иконописи и средневековому искусству.
Подписка на журнал ART – это не только доступ к качественному контенту, но и членство в ART ВЫШКА КЛУБ, открывающее возможность посещать лекции и дискуссии с ведущими экспертами в области искусства и культуры. Выберите подходящий вариант подписки:
- Печатная подписка: 35 000 ₽ (4 коллекционных номера + членство в клубе для цените
лей искусства).
Оформите подписку на журнал ART и станьте частью сообщества ценителей искусства и культуры: Оформить подписку на Журнал ART.