Винсент ван Гог (1853–1890) — знаменитый голландский художник. Винсент выразил свою жизнь через свои работы. Как он сказал однажды:
"Настоящие художники не рисуют вещи такими, какие они есть... они рисуют их такими, какими они сами себя ощущают".
Несмотря на то что за всю свою жизнь он продал всего одну картину, сейчас Ван Гог является одним из самых популярных художников всех времён. Его полотна с плотными, заметными мазками кисти, выполненными в яркой, насыщенной палитре, подчёркивают индивидуальность Ван Гога. Каждая картина даёт непосредственное представление о том, как художник воспринимал каждую сцену, интерпретируя ее своим умом и сердцем.
Это раннее полотно считается первым шедевром Ван Гога. Ван Гог писал картины, живя среди крестьян и рабочих в Нюэнене, Нидерланды, и стремился правдиво изобразить людей и их жизнь. Изобразив сцену в унылой палитре, он показал серые условия жизни крестьян, использовав при этом уродливые модели. Он использует свободные мазки для описания лиц и рук крестьян, когда они собираются вокруг единственного маленького фонаря и едят свою скудную трапезу. Эта картина не считалась удачной до самой смерти Ван Гога. На момент написания этой работы импрессионисты уже более десяти лет доминировали в парижском авангарде благодаря своим цветовым палитрам. Неудивительно, что брат Ван Гога, Тео, счёл невозможным продавать картины, относящиеся к этому периоду карьеры своего брата. Однако эта работа не только демонстрирует приверженность Ван Гога к изображению эмоционально и духовно насыщенных сцен в своём искусстве, но и закрепляет идеи, которым Ван Гог следовал на протяжении всей своей карьеры.
Во время пребывания в Париже Ван Гог познакомился с множеством художественных стилей, в том числе с японской гравюрой на дереве Укие-э. На Западе эти гравюры стали доступны только в середине XIX века. Ван Гог коллекционировал работы японских мастеров Укие-э, таких как Хиросигэ и Хокусай, и утверждал, что эти работы не менее важны, чем работы европейских художников, таких как Рубенс и Рембрандт. На создание этой картины Ван Гога вдохновила репродукция гравюры Кейсая Эйсэна, появившаяся на обложке журнала Paris Illustré в мае 1886 года. Ван Гог расширил образ куртизанки, созданный Эйсэном, поместив её на контрастном золотом фоне, окаймлённом пышным водным садом, по мотивам пейзажей с других его гравюр. Этот сад населён лягушками и журавлями, которые на французском сленге являются намёками на проституток. Стилистические особенности, проявившиеся в этой картине, в частности, чёткие тёмные контуры и яркие цветовые гаммы, стали определяющими для зрелого стиля Ван Гога. Работая красками, а не гравюрой на дереве, Ван Гог смог смягчить рисунок, полагаясь на видимые мазки кисти, которые придавали объём фигуре и её окружению, а также создавали динамическое напряжение по всей поверхности, отсутствующее в оригинальных гравюрах.
Это была одна из сцен, написанных Ван Гогом во время его пребывания в Арле, и картина, в которой он использовал свой яркий ночной фон. Используя контрастные цвета и полутона, Ван Гог добился создания светящейся поверхности, которая пульсирует внутренним светом, почти вопреки темнеющему небу. Все линии композиции указывают на центр работы, приковывая взгляд к тротуару, как будто зритель прогуливается по мощёным улицам. Кафе существует и по сей день и является "меккой" для поклонников Ван Гога, посещающих юг Франции. Описывая эту картину в письме к своей сестре, он писал:
"Перед вами ночная картина без чёрного, в которой нет ничего, кроме прекрасного синего, фиолетового и зелёного цветов, и в этом окружении освещённая область окрашивается в бледно-желтый и лимонно-зеленый цвета. Меня чрезвычайно забавляет рисовать ночь прямо на месте..."
Рисуя картины на ночной улице, Ван Гог воссоздавал обстановку именно на основе своих наблюдений — практика, унаследованная от импрессионистов. Однако, в отличие от импрессионистов, он не просто запечатлевал сцену так, как её видел его глаз, но придавал изображению духовный и психологический оттенок, который отражал его индивидуальную реакцию. Кажется, что мазки кисти передают чувство волнения и удовольствия, которые Ван Гог испытывал, создавая эту работу.
Серия работ Ван Гога "Подсолнух" была предназначена для украшения комнаты, отведённой Гогену в "Жёлтом доме", его студии и квартире в Арле. Пышные мазки кисти создавали текстуру подсолнухов, и Ван Гог использовал широкий спектр жёлтых тонов для того, чтобы описать рост подсолнухов, отчасти благодаря недавно изобретённым пигментам, которые сделали возможными новые цвета и тональные нюансы. Ван Гог использовал солнечные оттенки, чтобы передать всю продолжительность жизни растений, от полного цветения ярко-жёлтым цветом до увядания и умирания соцветий меланхоличной охрой. Традиционная роспись ваз с цветами обрела новую жизнь благодаря экспериментам Ван Гога с линиями и фактурами, который привнёс в каждый подсолнух мимолётность жизни, яркость летнего солнца Прованса.
Спальня Ван Гога изображает его жилище на площади Ламартин, 2, в Арле, известное как "Жёлтый дом". Это одно из самых известных его изображений. Использование им смелых и ярких цветов для изображения необычной перспективы своей комнаты продемонстрировало его свободу от приглушённой палитры и реалистичных изображений голландской художественной традиции, а также пастели, обычно используемой импрессионистами. Он трудился над темой, цветами и композицией, написав Тео много писем по этому поводу:
"На этот раз это просто моя спальня, только здесь всё решает цвет, и благодаря своему упрощению он придаёт вещам более величественный стиль, наводит на мысль об отдыхе или о сне вообще. Одним словом, созерцание этой картины должно дать отдых мозгу или, скорее, воображению."
Хотя на первый взгляд может показаться, что ярко-жёлтые и синие тона вызывают чувство беспокойства, яркие оттенки напоминают о солнечном летнем дне, вызывая ощущение тепла и спокойствия, как и задумывал Ван Гог. Эта личная интерпретация сцены, в которой особые эмоции и воспоминания управляют композицией и палитрой, является важным вкладом в модернистскую живопись.
После того как Ван Гог отрезал часть мочки своего левого уха во время маниакального приступа в Арле, он написал автопортрет с перевязанным ухом, выздоравливая и размышляя о своей болезни. Он верил, что занятие живописью поможет восстановить равновесие в его жизни. Картина свидетельствует о том, что художник вновь обрёл силу и контроль над своим искусством, поскольку композиция выполнена с нехарактерным для него реализмом, где чётко прорисованы все черты его лица и уделено пристальное внимание контрастным текстурам кожи, ткани и дерева. Художник изображает себя перед мольбертом с практически пустым холстом и японской гравюрой, висящей на стене. Отчётливо видны свободные и выразительные мазки, характерные для Ван Гога. Чёткие очертания его пальто и шляпы повторяют линейность японской гравюры, изображённой художником. Ван Гог применил технику импасто, или непрерывного наложения слоёв влажной краски, для создания богато текстурированной поверхности, которая усиливает глубину и эмоциональную силу холста. Этот автопортрет, один из многих, созданных Ван Гогом за время его карьеры, обладает непревзойдённой для своего времени интенсивностью, которая проявляется в откровенной манере, в которой художник изображает нанесённую самому себе рану, а также в выразительном изображении сцены. Сочетая в своих картинах такие разнообразные влияния, как свободный почерк импрессионистов и чёткие контуры японской ксилографии, Ван Гог пришёл к поистине уникальному способу самовыражения.
"Звёздная ночь" часто считается вершиной творчества Ван Гога. В отличие от большинства его работ, "Звёздная ночь" была написана по памяти, а не на натуре. Акцент на внутренней, эмоциональной жизни очевиден в его вихревом, бурлящем изображении неба — радикальном отходе от его предыдущих, более натуралистичных пейзажей. Здесь Ван Гог следовал строгому принципу структуры и композиции, в соответствии с которым формы распределены по поверхности холста в точном порядке, чтобы создать баланс и напряжение среди кипарисов и ночного неба.
В результате получился пейзаж, кажущийся хаотичным, переданный с помощью изгибов и линий.
"Звёздная ночь", олицетворяющая духовность, которую Ван Гог находил в природе, знаменита тем, что выводит процесс рисования за рамки представления физического мира.
После того как Ван Гог покинул лечебницу в Сен-Реми в мае 1890 года, он отправился на север, в Овер, недалеко от Парижа. Церковь в Овере — одно из самых известных изображений последних месяцев жизни Ван Гога. Наполняя пейзаж движением и эмоциями, он изобразил сцену с помощью палитры ярко контрастирующих цветов и мазков кисти. Ван Гог исказил архитектуру церкви и изобразил ее окружённой собственной тенью, что отражает его собственное сложное отношение к духовности и религии. Ван Гог передаёт ощущение того, что истинная духовность находится в природе, а не в зданиях, построенных человеком. Продолжающееся влияние японской ксилографии заметно в густых тёмных контурах и ровных полосах цвета крыш и ландшафта, в то время как видимые мазки кисти импрессионистов удлинены и подчёркнуты. Использование кислотных тонов и темнота церкви намекают на надвигающееся душевное расстройство, которое в итоге разовьётся в душе Ван Гога и приведёт к его самоубийству. Это чувство нестабильности преследовало Ван Гога на протяжении всей его жизни, придавая его работам уникальное сочетание очарования и напряжения.
Доктор Гаше был врачом-гомеопатом, который лечил Ван Гога. Художник писал своей сестре:
"В лице доктора Гаше я нашёл настоящего друга, что-то вроде брата, настолько мы похожи друг на друга физически и ментально".
Ван Гог изображает Гаше сидящим за столом, с двумя жёлтыми книгами и наперстянкой в вазе у его локтя. Доктор смотрит мимо зрителя, и в его глазах читается внутренняя печаль, которая отражает душевное состояние не только доктора, но и Ван Гога. Ван Гог сосредоточил внимание зрителя на изображении выражения лица доктора, окружив его неуловимо разнообразным синим цветом пиджака и холмами на заднем плане. Ван Гог написал Гогену, что хотел бы создать по-настоящему современный портрет, который бы отражал "выражение разбитого сердца нашего времени". Передав выражение лица Гаше через смесь меланхолии и аристократизма, Ван Гог создал портрет, который с момента своего создания находит отклик у зрителей. Недавний владелец этой картины, Реэй Сайто, даже заявил, что планировал кремировать картину вместе с собой после своей смерти, так как был тронут этим изображением.
Сила эмоций, которую Ван Гог вкладывал в каждый мазок кисти, — вот что делало его работы такими привлекательными для зрителей на протяжении десятилетий.
Его радикально своеобразный, вызывающий эмоциональные воспоминания стиль продолжает оказывать влияние на художников и движения на протяжении всего XX века и по сей день, гарантируя значимость Ван Гога в будущем.
🎨 Если статья была вам интересна, то прошу поставить лайк или написать комментарий. Мне интересно знать ваше мнение.
Источники:
1. "Винсент Ван Гог: Биография", автор Джулиус Майер-Грефе
2. "Незнакомец на Земле: Психологическая Биография Винсента Ван Гога", автор Альберт Дж. ЛюЛюбин.
3. The Vincent Van Gogh Museum
4. The Vincent Van Gogh Gallery