Группа Nothing But Thieves ворвалась на сцену с дебютным альбомом, который сочетает в себе элементы альтернативного рока, инди и даже гранжа. Этот альбом стал важной вехой в развитии группы, позволив им завоевать внимание как слушателей, так и музыкальных критиков. Их музыка наполнена мощными вокальными партиями Конора Мэйсона, атмосферными гитарными рифами и впечатляющим продакшеном, который придаёт каждой песне уникальную глубину.
С момента выхода альбом получил множество положительных отзывов, а такие треки, как "Trip Switch" и "If I Get High", стали визитными карточками группы. Сам Конор Мэйсон отмечал:
"Мы хотели, чтобы каждая песня на альбоме рассказывала свою историю, будь то через текст, мелодию или эмоциональную подачу".
Такое сочетание экспрессивного вокала, сложных гитарных аранжировок и сильной эмоциональной составляющей делает этот альбом настоящим откровением для любителей альтернативного рока. Что же делает его таким особенным? Разберёмся!
Процесс записи
Альбом был записан в Angelic Studios в Нортгемптоншире, Англия. Продюсированием занимался Джулиан Эмери, который помог группе создать чистый, мощный и детализированный звук. По словам самих участников, процесс записи занял около двух лет, так как группа не торопилась и оттачивала каждую деталь.
Группа уделила особое внимание деталям звучания. Они записывали партии гитар с различными усилителями и эффектами, чтобы добиться необходимой глубины и плотности звука. Конор Мэйсон отметил, что его вокал записывался в несколько дублей, чтобы найти нужную эмоциональную окраску для каждой песни.
"Мы искали идеальный баланс между эмоциональностью и технической точностью", — говорил он.
Некоторые песни претерпели значительные изменения в процессе записи. "Wake Up Call" изначально задумывалась как более спокойная баллада, но в итоге приобрела энергичный характер.
"Мы хотели добавить динамики, чтобы трек чувствовался живым", — пояснял Джо Лангридж-Браун.
Инженер по звуку Адам Нобл также внёс значительный вклад в запись, помогая группе экспериментировать с наложением вокальных партий и текстурными гитарными слоями. По его словам:
"Nothing But Thieves — перфекционисты, и этот альбом стал отражением их стремления к идеальному звучанию".
Лирически альбом затрагивает темы личных переживаний, самоанализа и эмоциональных конфликтов. Песни исследуют внутренние борьбы, отношения и стремление к самопониманию, отражая широкий спектр человеческих эмоций. Музыкально альбом характеризуется мощными гитарными риффами, динамичными ритмами и выразительным вокалом Конора Мэйсона. Группа умело сочетает энергичные треки с мелодичными балладами, создавая богатый и разнообразный звуковой ландшафт.
Дом Крейк вспоминал:
"Мы хотели, чтобы альбом звучал масштабно, но при этом сохранял нашу идентичность. Нам нравятся большие, мощные треки, но без потери эмоциональности"
Джо Лангридж-Браун добавил:
"В студии мы много экспериментировали, записывая разные версии песен. Например, 'Trip Switch' изначально звучала совершенно иначе, но потом мы нашли тот самый ритм, который сделал её особенной"
По словам Конора Мэйсона, важную роль сыграла динамика в песнях:
"Мы хотели, чтобы альбом звучал, как наш концерт — с моментами тишины, резкими взрывами звука и неожиданными переходами"
Разбор треков
1. Excuse Me — мощное вступление в альбом, демонстрирующее вокальный диапазон Мэйсона. Песня начинается с минималистичного аранжирования, плавного гитарного вступления и тихого вокала, создавая напряжённую атмосферу. Постепенно звучание нарастает, переходя в громкий и экспрессивный припев с мощным инструментальным сопровождением.
"Это был один из первых треков, которые мы написали, и он сразу задал тон всему альбому", — рассказывал Дом Крейк.
По словам участников, песня появилась во время одной из ранних сессий в студии, когда они экспериментировали с динамическими переходами.
"Мы хотели передать ощущение сдержанной ярости, когда эмоции постепенно достигают критической точки", — отмечал Джо Лангридж-Браун.
Вокал Конора Мэйсона в этой песне играет ключевую роль. Он использует широкий диапазон, переходя от тихих, почти шёпотом спетых строк к мощному фальцету.
"Я старался передать эмоции так, чтобы слушатель буквально чувствовал напряжение, которое нарастает в песне", — объяснял Мэйсон.
Инструментально песня выдержана в духе классического альтернативного рока с влиянием гранжа и прогрессивного рока. Гитарные риффы усиливаются дисторшном, создавая мощное звуковое полотно.
"Мы хотели, чтобы трек ощущался как медленное возгорание, переходящее в яркий взрыв", — рассказывал Крейк.
Этот приём использовался на протяжении всего альбома, но именно в "Excuse Me" он чувствуется наиболее ярко.
2. Ban All The Music — один из самых энергичных треков альбома, который сразу выделяется своей агрессивной и напористой структурой. В нем сочетаются тяжёлые гитарные риффы, мощная ритм-секция и нервная, почти панковская подача. Песня создавалась в духе живых выступлений, что можно услышать в её динамичной структуре и резких сменах темпа.
"Мы хотели написать песню, которая бы передавала дух бунта и свободы", — говорил Лангридж-Браун.
По его словам, композиция была вдохновлена ранними работами The White Stripes и Rage Against the Machine. Басовые партии были записаны с использованием дисторшна, чтобы добавить дополнительной тяжести звучанию.
Интересный факт: изначально песня имела совсем другой текст, но группа переработала его, чтобы он лучше соответствовал её протестному настроению. Вокал Конора Мэйсона здесь особенно экспрессивен, он использует как резкие выкрики, так и мелодичный вокал, создавая контраст между куплетами и припевом.
3. Wake Up Call — более радио-дружественная песня с запоминающимся припевом. Отличный пример баланса между альтернативным роком и поп-эстетикой.
"Это песня о моменте осознания, о внезапном пробуждении от рутины", — говорил Мэйсон.
Джо Лангридж-Браун в интервью отмечал, что идея песни появилась во время их тура, когда они наблюдали за реакцией публики на разные музыкальные эксперименты.
"Мы хотели написать что-то драйвовое, но в то же время мелодичное. Это песня о переходном этапе, когда осознаёшь, что пора что-то менять в жизни", — рассказывал он.
Музыкально песня строится вокруг ритмичного, пружинистого бита, поддерживаемого плотными гитарными слоями. Вокал Конора Мэйсона проходит через несколько уровней интенсивности, переходя от мягкого и меланхоличного исполнения в куплетах к экспрессивному, практически кричащему припеву.
"Мы использовали синкопированные гитарные партии и плотные ударные, чтобы создать ощущение нарастающей энергии", — добавлял Дом Крейк.
Интересный факт: на ранних демо "Wake Up Call" имела совершенно другой текст, но после обсуждений в студии группа решила изменить лирику, чтобы сделать её более универсальной для слушателей.
"В итоге мы пришли к чему-то, что резонировало с нами и, как оказалось, с нашей аудиторией", — подытожил Лангридж-Браун.
4. Itch — один из самых агрессивных треков на альбоме, наполненный экспрессией и хаотичной энергией. В этой песне группа использует резкие динамические переходы, мощные гитарные риффы и интенсивный вокал, создавая ощущение неукротимого напряжения.
"Эта песня — про неудержимое желание вырваться и что-то изменить", — объяснял Крейк.
По словам Конора Мэйсона, "Itch" родился из импровизации во время одной из студийных сессий.
"Мы просто играли на пределе возможностей, а потом поняли, что это звучит как настоящий взрыв эмоций", — вспоминал он.
Гитарные партии в песне были вдохновлены звучанием таких групп, как Queens of the Stone Age и Nirvana, а перегруженный бас создаёт эффект давления и бескомпромиссности.
Лирически песня передаёт ощущение внутреннего беспокойства, борьбы с самим собой.
"Мы хотели передать ощущение, когда что-то внутри буквально разрывает тебя, и тебе необходимо действовать", — добавлял Джо Лангридж-Браун.
Вокал Мэйсона варьируется от шёпота до пронзительных криков, подчёркивая драматизм композиции.
"Этот трек — чистая энергия. Мы записали его практически живьём, без особой обработки, чтобы сохранить сырой, естественный звук", — рассказал Крейк.
5. If I Get High — лирическая композиция, напоминающая лучшие работы Jeff Buckley. Это одна из самых эмоциональных песен альбома, где нежный вокал Конора Мэйсона сочетается с минималистичным инструментальным сопровождением, создавая атмосферу уязвимости и тоски.
"Мы записывали её в один дубль, чтобы сохранить живые эмоции", — рассказывал Мэйсон.
По его словам, песня родилась в тихий вечер на студии, когда группа просто импровизировала, и быстро оформилась в финальный вариант.
"Это был момент, когда музыка и эмоции слились воедино. Мы почувствовали, что не нужно ничего усложнять — просто позволить песне существовать в её чистейшей форме", — объяснял он.
Гитарные партии в песне выдержаны в минималистичном стиле, с мягким реверберационным звучанием, вдохновлённым работами Radiohead и Jeff Buckley. Дом Крейк добавлял:
"В этой песне всё строится вокруг вокала Конора. Мы хотели, чтобы он звучал хрупко и проникновенно, поэтому аранжировка намеренно остаётся ненавязчивой".
Лирически "If I Get High" исследует темы утраты, желание оторваться от реальности, чтобы избежать боли.
"Это песня о том, что происходит в голове человека, который не хочет сталкиваться с правдой", — рассказывал Джо Лангридж-Браун. "Её можно трактовать по-разному, но для нас это история о поиске утешения в воспоминаниях".
6. Graveyard Whistling — глубокая и мрачная песня, в которой звучат отсылки к Radiohead времён OK Computer. Композиция выделяется меланхоличной атмосферой, завораживающими гитарными текстурами и эмоционально нагруженным вокалом.
"Нам хотелось создать нечто атмосферное, но тревожное", — говорил Лангридж-Браун.
По его словам, группа вдохновлялась кинематографичными звуковыми ландшафтами, которые можно услышать в музыке таких исполнителей, как Radiohead и Pink Floyd.
Песня родилась в процессе экспериментов в студии, когда музыканты пытались соединить минималистичные аранжировки с гипнотическими гитарными партиями. Дом Крейк вспоминал:
"Мы начали с простой идеи — всего нескольких аккордов, но постепенно она обрела форму и превратилась в нечто гораздо более мощное и эмоциональное".
Лирически Graveyard Whistling представляет собой размышление о времени, потерянных возможностях и страхе перед неизбежностью. Конор Мэйсон в интервью говорил:
"Этот трек создавался в тот момент, когда я много думал о прошлом и о том, как быстро всё может измениться".
Интересный факт: во время записи песни группа использовала аналоговые педали эффектов и слои реверберации, чтобы придать звуку глубину и ощущение простора.
"Мы хотели, чтобы песня звучала как эхо мыслей, растворяющихся в пустоте", — рассказывал Джо Лангридж-Браун.
7. Hostage — один из самых мрачных треков альбома, напоминающий постпанк с индустриальными элементами. Его темп, гипнотические басовые линии и ритмичные ударные создают ощущение напряжённости и тревоги.
"Это про чувство безысходности, когда ты связан обстоятельствами", — рассказывал Дом Крейк.
По его словам, песня родилась из гитарного риффа, который он случайно наиграл в студии.
"Мы искали что-то тёмное, но минималистичное, и этот рифф сразу зацепил всех".
Лирически "Hostage" повествует о человеке, который ощущает себя пленником ситуации, из которой нет выхода.
"Это метафора, но она применима ко многим вещам — токсичным отношениям, внутренним демонам, даже социальной изоляции", — добавлял Джо Лангридж-Браун.
Конор Мэйсон вспоминал, что запись вокала для этой песни была одной из самых сложных.
"Я хотел, чтобы голос звучал сдавленно, как будто меня действительно держат в заложниках. Мы экспериментировали с разными способами исполнения, и в итоге я пел практически сквозь стиснутые зубы, чтобы передать нужное ощущение", — рассказывал он.
Интересный факт: во время работы над аранжировкой группа использовала необычную технику записи ударных. Вместо традиционных методов звукорежиссёр предложил записывать удары барабанных палочек по различным металлическим предметам, чтобы создать индустриальный, механический ритм.
"Мы хотели, чтобы трек звучал не как стандартная рок-песня, а как что-то тревожное и механическое", — пояснял Крейк.
8. Lover, Please Stay — трогательная баллада, в которой вокал Мэйсона звучит особенно эмоционально.
"Это самая честная песня на альбоме, без всяких хитростей", — говорил вокалист.
Лирически песня повествует о потерянной любви и глубокой эмоциональной боли, переданной через простую, но выразительную мелодию. По словам Джо Лангридж-Брауна:
"Эта песня была одной из самых личных, которые мы когда-либо писали. Мы хотели, чтобы она звучала как открытое письмо, как будто это последние слова, сказанные любимому человеку".
В музыкальном плане композиция минималистична, с мягким аккомпанементом акустической гитары и нежным клавишным фоном. В студии группа решила записать вокал Мэйсона максимально чисто, без лишней обработки, чтобы сохранить искренность и хрупкость его исполнения.
"Мы записали несколько дублей, но в итоге выбрали тот, где эмоции звучали наиболее естественно", — вспоминал продюсер Джулиан Эмери.
Интересный факт: во время записи "Lover, Please Stay" Конор Мэйсон настоял на том, чтобы петь в затемнённой комнате, чтобы полностью погрузиться в атмосферу песни и не отвлекаться на внешние факторы.
"Это помогло мне почувствовать себя максимально уязвимым, что и требовалось для этой песни", — рассказывал он.
9. Trip Switch — главный хит альбома, который принёс группе мировую известность. Танцевальный ритм, мелодичность и гитарные текстуры делают его настоящим гимном.
"Мы хотели сделать что-то необычное, и эта песня стала нашим прорывом", — рассказывал Крейк.
Песня строится на пульсирующем басовом риффе, который создаёт ощущение гипнотического ритма, а поверх него накладываются резкие гитарные партии и вокальные эффекты. Это делает композицию одной из самых запоминающихся на альбоме. Джо Лангридж-Браун объяснял:
"Мы экспериментировали с электронными элементами, что отличало этот трек от остального материала".
Лирически "Trip Switch" посвящена современным технологиям, влиянию медиа и виртуальной реальности на восприятие мира.
"Мы наблюдали за тем, как информация становится перегруженной и люди теряют способность отличать реальность от того, что им показывают", — отмечал Конор Мэйсон.
Интересный факт: эта песня стала первой у Nothing But Thieves, попавшей в американский радиоэфир и занявшей первое место в чарте Billboard Alternative Songs. Этот успех обеспечил группе внимание за пределами Великобритании и привёл к их первым крупным гастролям по США.
10. Drawing Pins — мощный рок песня, который отлично звучит на концертах.
"Она сложилась за один вечер, и мы сразу поняли, что это один из наших лучших треков", — делился Лангридж-Браун.
Эта песня была записана практически вживую, с минимальным количеством дублей, чтобы сохранить её сырую энергетику. В музыкальном плане трек сочетает мощные гитарные риффы, агрессивную ритм-секцию и вокальную экспрессию Конора Мэйсона.
"Мы хотели сделать что-то прямолинейное, без сложных структур, чтобы создать чистый, драйвовый рок", — рассказывал Дом Крейк.
Лирически "Drawing Pins" передаёт чувство борьбы, напряжения и внутреннего конфликта. По словам Джо Лангридж-Брауна, песня отражает момент, когда человек оказывается на грани, не зная, какой следующий шаг сделать.
"Это песня о давлении, о необходимости принимать решения, когда у тебя нет права на ошибку", — объяснял он.
Интересный факт: во время записи этой песни барабанщик Джеймс Прайс настоял на использовании более резких, ударных переходов, чтобы добавить композиции дополнительной агрессии.
"Мне хотелось, чтобы слушатели буквально чувствовали удары в груди", — вспоминал он.
11. Painkiller — динамичный и энергичный трек, в котором чувствуется влияние раннего Muse и TV on the Radio. Он выделяется резкими гитарными риффами, плотной ритм-секцией и мощной вокальной подачей Конора Мэйсона.
"Мы вдохновлялись той резкостью, которая есть в песнях TV on the Radio", — отмечал Крейк.
По его словам, группа хотела создать песню, которая была бы максимально насыщенной энергетически, но при этом сохраняла мелодичность. В процессе записи они экспериментировали с различными эффектами на гитарах и использовали аналоговые усилители для достижения живого и насыщенного звука.
Лирически "Painkiller" отражает чувство зависимости, как в буквальном, так и в метафорическом смысле.
"Это песня о том, как легко можно зациклиться на чём-то, что даёт временное облегчение, но в конечном итоге только усугубляет ситуацию", — объяснял Джо Лангридж-Браун.
Вокал Конора Мэйсона варьируется от низких, гипнотических партий в куплетах до экспрессивного крика в припеве, передавая эмоциональную интенсивность композиции.
Интересный факт: первоначально "Painkiller" звучала гораздо медленнее, но группа решила ускорить темп, чтобы сделать песню более драйвовой. В одном из интервью Мэйсон вспоминал:
"Когда мы впервые сыграли её быстрее, она мгновенно приобрела тот напор, которого нам не хватало"
12. Tempt You (Evocatio) — атмосферная и мечтательная финальная композиция, выделяющаяся своим минималистичным, почти призрачным звучанием.
"Мы хотели закончить альбом на загадочной ноте, и эта песня идеально для этого подходит", — говорил Мэйсон.
Музыкально трек построен на мягких гитарных переборах, эхо-эффектах и воздушном вокале, создающем ощущение погружения в сонное, трансцендентное состояние.
"Мы хотели, чтобы этот трек звучал как воспоминание или мечта, что-то, что исчезает в тумане", — рассказывал Джо Лангридж-Браун.
Лирически "Tempt You (Evocatio)" наполнена символизмом и двойными смыслами, создавая ощущение призрачности и неразрешённости.
"Эта песня оставляет вопросы без ответов. Она как тихий шёпот, который уходит, не оставляя чёткого следа", — объяснял Мэйсон.
Интересный факт: при записи вокальных партий Мэйсон настоял на том, чтобы использовать максимально тихую подачу и минимальную обработку, чтобы создать эффект интимности и хрупкости звучания.
13. Honey Whiskey — тёмная, атмосферная композиция, создающая чувство тоски и внутренней борьбы. Эта песня выделяется своим блюзовым оттенком и гипнотическим ритмом, создающим ощущение затуманенного сознания и отчуждения.
"Мы хотели передать ощущение затерянности, словно ты находишься в состоянии внутреннего оцепенения", — рассказывал Лангридж-Браун.
По его словам, эта песня родилась спонтанно, когда они экспериментировали с более медленными и чувственными ритмами.
Лирически песня играет с метафорами зависимости и саморазрушения.
"Это о поиске утешения в чём-то, что на самом деле только больше тебя затягивает", — объяснял Конор Мэйсон.
Он также отметил, что во время записи старался сделать вокал максимально расслабленным, словно он рассказывает историю в полузабытьи.
Интересный факт: при записи "Honey Whiskey" группа вдохновлялась классическими блюзовыми исполнителями, такими как Howlin' Wolf и The Black Keys. Чтобы достичь тёплого, винтажного звучания, они использовали ламповые усилители и записывали вокал через старый микрофон 50-х годов.
14. Hanging — энергичный, резкий трек с мощными гитарными риффами и интенсивной ритм-секцией.
"Это одна из самых агрессивных песен на альбоме", — отмечал Крейк.
По его словам, песня изначально задумывалась как эксперимент с быстрыми темпами и резкими сменами аккордов.
Лирически композиция выражает чувство ярости и желания вырваться из ограничений.
"Это песня о борьбе с обстоятельствами, когда кажется, что ты буквально висишь на краю", — объяснял Конор Мэйсон.
Вокальная подача здесь предельно эмоциональна — от сдержанного напряжения в куплетах до почти крика в припеве.
Интересный факт: во время записи "Hanging" группа решила использовать необычные звуковые эффекты на гитарах, записав некоторые партии через перегруженные ламповые усилители и старые педали эффектов.
"Мы хотели добиться грязного, живого звука, который бы передавал ощущение полного хаоса", — рассказывал Джо Лангридж-Браун.
В результате песня приобрела характерное, сыроватое звучание, напоминающее ранний гаражный рок.
15. Neon Brother — эмоциональный, динамичный трек, который постепенно наращивает напряжение.
"Мы хотели создать что-то загадочное", — рассказывал Мэйсон.
Эта песня выделяется необычной структурой: она начинается с минималистичного инструментала, затем постепенно наращивает силу, переходя в мощный и экспрессивный финал. Группа экспериментировала с наложением гитарных слоёв и атмосферными эффектами, чтобы создать ощущение нарастающей интриги.
"Мы хотели, чтобы слушатель чувствовал, будто двигается сквозь туман, пока в конце не наступает момент озарения", — объяснял Джо Лангридж-Браун.
Лирически песня играет с темами самоидентификации и поиска смысла.
"Это песня о человеке, который борется со своими мыслями и пытается найти свой путь", — отмечал Конор Мэйсон.
Он также рассказывал, что вокальные партии записывались в несколько этапов, чтобы добиться нужного драматического эффекта.
"Мы искали баланс между сдержанной подачей в начале и полным эмоциональным выплеском в кульминации", — вспоминал он.
Интересный факт: во время записи "Neon Brother" группа использовала редкий винтажный синтезатор, чтобы добавить загадочной атмосферы в инструментальную часть.
"Этот звук напоминал старые научно-фантастические фильмы, и мы решили, что он идеально впишется в настроение песни", — рассказывал Крейк.
16. Six Billion — философская и глубокая композиция, завершающая альбом.
"Это размышление о человечестве и нашем месте в мире", — говорил Лангридж-Браун.
Песня отличается атмосферным звучанием с приглушёнными гитарами, медитативным басом и мягким, но напряжённым вокалом Конора Мэйсона. Группа стремилась создать ощущение безграничного пространства, словно слушатель наблюдает за Землёй с высоты.
"Мы хотели, чтобы этот трек звучал как размышление над всей историей человечества", — объяснял Дом Крейк.
Лирически композиция поднимает вопросы конечности жизни, глобального масштаба существования и роли каждого человека в этом мире.
"Это песня о том, как трудно осознать свою незначительность во вселенной, но при этом сохранить ощущение смысла", — рассказывал Джо Лангридж-Браун.
Интересный факт: для записи вокала в "Six Billion" использовался необычный метод — Конор Мэйсон пел в затемнённой комнате, чтобы полностью сосредоточиться на эмоциях и не отвлекаться на внешние факторы.
"Я чувствовал себя, словно нахожусь в вакууме, и это помогло мне передать нужное настроение", — вспоминал он.
Дебютный альбом Nothing But Thieves — это мощное заявление в мире альтернативного рока. Он демонстрирует исключительное мастерство группы в создании запоминающихся мелодий, глубоких текстов и эмоционально насыщенных композиций. Их музыка находит отклик у фанатов по всему миру, сочетая в себе элементы инди-рока, пост-гранжа и даже прогрессивного рока.
Альбом выделяется своим богатым звучанием, где каждая песня — это отдельная история с уникальной атмосферой. Продакшен поражает вниманием к деталям: от тонких наложений гитарных текстур до филигранной работы с вокалом. Конор Мэйсон демонстрирует удивительный диапазон своего голоса, переходя от шёпота до мощных фальцетных криков, что создаёт настоящий эмоциональный накал.
Этот альбом стал важной вехой в развитии группы, помогая им заявить о себе на международной сцене. Лично для меня этот альбом стал первым шагом в знакомстве с британским инди-роком, и с него началась моя любовь к Nothing But Thieves. Их музыка поразила меня своей эмоциональностью, невероятным вокалом Конора Мэйсона и мощными гитарными риффами. Это одна из моих любимых групп, и я настоятельно рекомендую всем познакомиться с их творчеством.Этот альбом не просто доказал, что Nothing But Thieves способны создавать хитовые композиции, но и показал, что они не боятся экспериментов и выходить за рамки жанра. Это альбом, который стоит послушать каждому любителю качественной рок-музыки, ведь он сочетает в себе энергию, лирику и мощь, которые делают музыку по-настоящему живой.