В русском музее Санкт-Петербурга есть зал посвящённый Валентину Серову, автору "Девочки с персиками".
Самой "Девочки", конечно, в "русском" нет, но есть собрание других замечательных картин. Среди них "Портик с балюстрадой. Архангельское." 1903 - написана работа в этюдной манере и даже не закончена.
Не примечательный на первый взгляд этюд импонирует своей лёгкостью и свежестью. А кроме того, своей манерой письма.
Обычно, академическое письмо, подчиненное законам природы и характеру изображаемых форм, скрывает почерк автора, на первый план выходит форма. Но этот незаконченный этюд застыл на том этапе, когда, художник свободной рукой набросал композицию и схватил цветовые отношения, и не успел еще приступить к уточнению форм. И это привлекло меня в этой работе: Манера письма Серова, его почерк, как бы остался неприкрытым. Хорошо читается характер мазков/штрихов автора. Видна их особая пластика, особый силуэт, который принимают пятна краски под кистью художника. Эта картина, на фоне других реалистических картин смотрится очень манерно. Эта манерность, которая зазвучит позже в символических картинах художника, ярко проявилась в незаконченном этюде.
Гибкие, с плавно изогнутыми очертаниями, мазки покрывают холст. Подобные очертания принимают силуэты статуй.
Все формы приобретают общие черты - черты личного почерка Валентина Серова. Эта манерность эпизодически проявляется и в академических работах мастера.
Манерность письма проявляется в те моменты, когда художник пишет "второстепенные" элементы картин-портретов (руки, одежду, предметы окружающие портретируемого). И очень влияет на общую образность тех портретов которые написаны быстро. На пример в портретах Н. Ф. Сумарокова-Эльстона и Николая II силуэты фигур, приобретают некоторую декоративность. Пластика этих силуэтов как бы вторит пластики отдельных мазков. Так манерность начинает оказывает влияние на образность.
Экспозиция зала В. Серова в русском музее построена в хронологическом порядке - от ранних работ к поздним. В конце экспозиции расположены работы модернового периода. "Похищение Европы", Портрет Иды Рубенштейн - в своё время нашумевшие картины, ставшие поводом для критики со стороны общества. Не принятые И. Е. Репиным. Скандальные, как картины Гогена и Модильяни. Однако, судьба поздних работ Серова повторила путь новаторских картин, которые были по достоинству оценены гораздо позже их появления в свете. Их стильность или, я бы сказал - манерность; и приближенность, или правильнее сказать, созвучность со стилем Арт-Нуво; их символизм - все это координаты высшей точки развития таланта художника. Серов вышел за пределы реалистической картины, достиг высочайшего уровня мастерства. И если бы не скоропостижная смерть в 46 лет, то кто знает, каких высот он бы еще достиг.
И вот здесь в зале Валентина Серова в Русском музее Санкт-Петербурга, вдруг становится ясно, как он достиг такого результата.
Благодаря грамотно выстроенной экспозиции, можно проследить как развивается личный почерк художника. Будучи заложенным в самой природе человека, присутствуя изначально в характере письма ранних картин, он как бы медленно но верно проклёвывается через реалистичные работы, и превращается в индивидуальный стиль.
Силуэты фигур поздних работ приобретают пластику и характер естественных штрихов Серова.
Таким образом напрашивается интересный вывод: Художник, на протяжении своего творчества не создает себя, свой стиль, а раскрывает его, и открывает Себя. Не зря бытует фраза "Раскрыть талант". Серов тому хороший пример. И еще, что зерно таланта нужно искать в почерке, данного Вам природой.
Однако это непростой путь. И Репин, по своему был прав, когда обвинял Серова в том, что он встал на дорогу декаданса. По отношению к Серову это было не справедливо, конечно, но в отношении того кто идёт путём развития своей индивидуальной манеры, это важное предостережение. Потому, как увлекшись стилем и авторской манерой, очень легко впасть в то плохое, что понимается под определением "декаданс".
В беседе с П. Гезеллем, Огюст Роден очень хорошо высказался на эту тему. При том, что сам скульптор был весьма узнаваемым рисовальщиком и ваятелем, вот, что он говорит:
"Обыкновенно думают, что рисунок может быть прекрасен сам по себе: а прекрасны лишь те истины и чувства, которые он выражает. Восхищаются рисунками художников, которые дают каллиграфические контуры, лишенные смысла, придают своим фигурам манерные позы. Приходят в экстаз от поз, которые никогда не встречаются в природе, считают их художественными, потому что они напоминают кривлянье натурщиков-итальянцев, в погоне за заработком. Вот это они называют обычно "хорошим рисунком". В действительности это всего лишь ловкий фокус, рассчитанный на то, чтобы удивить обывателя.
Рисунок в искусстве подобен стилю в литературе. Манерный, напыщенный стиль, обращающий на себя внимание, никуда не годится. Стиль хорош, когда о нем забываешь, чтобы сосредоточиться на трактуемом сюжете, на чувстве, захватывающем все твое внимание.
Рисунок и стиль прекрасны в том случае, когда о них не думаешь, будучи поглощен тем, что они выражают. Это относится и к цвету. На самом деле прекрасный рисунок, стиль, цвет как таковые не существуют, – есть единственная красота, красота проявленной истины. И когда истина, глубинная идея, сильное чувство вспыхивают в литературном или живописном произведении, становится абсолютно очевидно, что стиль или рисунок и цвет превосходны, но лишь как отражение истины.
Те, кто восхищаются рисунком Рафаэля, правы, но стоит восхищаться не самим по себе рисунком, не уравновешенностью и направленностью линий, нужно ценить рисунок за то, что он обозначает: главное его достоинство – это выражение светлой утонченности души, глядящей на мир глазами художника, управляющей его рукой; это любовь, которая, кажется, изливается из его сердца на всю природу. Те, кому не было дано присущей ему нежности, пытались заимствовать у мастера из Урбино последовательности его линий, жесты персонажей его картин, но плодили лишь бесцветные подражания.
....................................................................................................................................................................
Представьте, вы только что увидели картину, прочли страницу, при этом вы не присматривались ни к рисунку, ни к колориту, ни к стилю, но взволнованы до глубины души. Не бойтесь ошибиться: рисунок, колорит, стиль технически безупречны..."
Репин, к слову был солидарен в этом отношении с Роденом, и говорил, что содержание картины важнее техники. Серов тоже был солидарен с Репиным, даже когда его самого не понимали.
Давайте и мы будем солидарны с данным утверждением. И будем помнить, что Развитие личного почерка, прежде всего - это внутреннее и всестороннее развитие личности.