Всем привет! На связи Музыкальный портал «Голос Рока» - абсолютно независимый рок-портал, где мы говорим о рок-музыке на понятном языке!
Вопросы данного интервью подготовили Артём Гарькавый (https://vk.com/distemper) и Павел Краснокутский (https://vk.com/apologet_of_rock)
Евгений, приветствуем тебя!
Поделись, пожалуйста, своими ближайшими творческими планами.
Где тебя можно будет услышать и увидеть вживую в ближайшее время?
Павел, приветствую! Большое спасибо за приглашение поболтать на музыкальные и гитарные темы! Ближайшие творческие планы вроде как намечены, но они чуть ли ни каждый день меняются, дополняются, корректируются! Прошло 5 месяцев с момента выхода альбома GOLDEN HEARTS, и сейчас его тематика продолжается немного в другом формате – в виде серии гитарных коллабов GOLDEN GUITARS. То есть, если альбом был записан с участием известных западных музыкантов, то сейчас эта мысль развивается, но с помощью наших российских и белорусских гитаристов. Мне кажется, это интересный и достойный последователь такого трудоемкого и глобального труда как альбом GOLDEN HEARTS! К тому же, я считаю, очень важно собирать вокруг себя действительно классных гитаристов, знакомиться, дружить и открывать тем самым новые имена для нашего рок-слушателя. Надеюсь, этот проект будет пользоваться интересом у интернет-публики, я уже вижу интерес, а значит мы все с ребятами-участниками на правильном пути!
Кроме, этого, в ближайших творческих планах на этот 2023 год – выпуск рок-альбома с вокалом моей юношеской группы MATADOR, которая существовала в период 2002-2007 гг, в те славные времена мы дали множество классных концертов, сочинили более двух десятков классных песен, но так и не смогли их должным образом записать. И сейчас, по прошествии почти 20-ти лет, самое время этим заняться, вспомнить молодость, почувствовать ностальгию. К слову, альбом уже записан, осталось с моей стороны все дошлифовать, доделать, и, думаю, этим летом он выйдет!
К тому же, в разработке находится мой новый инструментальный альбом, который, я думаю, будет тоже очень интересен публике, которой пришелся по вкусу GOLDEN HEARTS. Уже есть множество хороших наработок, фрагментов, определен звук (это будет интересно и необычно) и название. Можно приоткрыть завесу секретности и сказать, что этот альбом нам поведает о самом важном и невосполнимом человеческом ресурсе – о времени. Надеюсь, все получится и альбом состоится если не в этом, то в следующем году.
А еще, черт возьми, недавно на мою голову свалился такой прекрасный инструмент как укулеле и мне очень бы хотелось сделать альбом с помощью этой классной маленькой гитарки. Опять таки, что-то уже сочиняется, записывается, делаются какие-то пометки.
Ты так же спросил, где меня можно услышать и увидеть в ближайшее время. В этом плане все немного сложнее, так как я давно не считаю, что в рамках Беларуси или города Минска можно дать хороший концерт с наличием большой аудитории. Мне думается, что этот этап я прошел, пережил. Когда на твое выступление собирается 50-70 человек, сейчас, по прошествии многих лет выступлений и концертов с разными проектами и коллективами, теперь этого кажется недостаточно. Хочется чего-то большего, а в наших реалиях это сложно реализовать. Поэтому у меня как-то все само собой переросло в реализацию своего музыкального потенциала посредством интернета, плохо это или хорошо, можно гадать. Я регулярно появляюсь в Тикток, Инстаграм, Ютуб, вкидываю какой-то гитарный и музыкальный контент, пробую собирать аудиторию там.
Так же следует отметить, что за последние пару месяцев меня много раз приглашали поучаствовать в разных кавер-бэндах. Но, честно говоря, сейчас я это считаю самой настоящей утопией для музыканта, поэтому всем отказываю. Обидно, что музыкальный кавер-бизнес у нас почти полностью вытеснил творчество, большинство супер-классных и уважаемых мной друзей-музыкантов вынуждены играть кавера (зачастую на дерьмовые и очень надоевшие песни), я такие вещи воспринимаю с грустью. Хотя конечно, есть такое понятие как музыкант-исполнитель и музыкант-композитор. Я себя привык причислять ко второму типу. Я получаю большее удовлетворение от создания собственной музыки, а не от переигрывания чужих песен, многие из которых мне даже и не нравятся. Но таков кавер-бизнес, это дело понятное. Тут можно хорошо повеселиться на сцене, заработать на хлеб, но душа… где тут душа?
В различных интервью, рассказывая об истоках своего музыкального творчества, ты перечисляешь группы, в которых играл, но ничего не говоришь о том, с чего всё начиналось – о первой гитаре и «своих университетах», то есть, где, как и когда ты начал учиться играть. Расскажи, пожалуйста, подробнее об этом этапе своего творческого пути.
Павел, искреннее спасибо тебе за этот замечательный вопрос! Я всегда с теплотой вспоминаю это далекое время, когда и как все начиналось. Мое знакомство с музыкой началось примерно с 1995-ого года, когда я стал понимать, что меня заинтересовало прослушивание песен ИВАНУШКИ INTERNATIONAL, дальше я полюбил песни Виктора Цоя, СЕКТОР ГАЗА, потом начал «утяжеляться» музыкой SCORPIONS, ЧЕРНЫЙ КОФЕ. А вот летом 95 или 96 года приехал к своим родственникам в Крым на каникулы и мой двоюродный брат Сергей включил мне пару кассет DEF LEPPARD, THE OFFSPRING, METALLICA, IRON MAIDEN, AC\DC и MANOWAR. С первого раза мне такой набор музыкальной информации не понравился. Но Сергей решил развивать меня физически, мы с ним занимались подтягиванием на турнике, отжиманием, штангой, гантелями. И он включал всю эту тяжелую рок-музыку на наших тренировках. Постепенно я понял, что это очень весело и стал с удовольствием слушать эти кассеты. А еще заметил, что если включить по телевизору гонки «Формула 1», убавить звук, а рядом на магнитофоне врубить на всю катушку эти рок-песни, то гонки смотрятся в сто раз веселее! Помню, как подкопил немного деньжат и помчался в ларек покупать свою первую метал-кассету MANOWAR – Hell On Wheels (концертный альбом). Примерно так все и началось! Потом я вернулся в Минск с каникул и тут же с друзьями мы собрали свою первую группу DIN. Отец купил мне маленькую акустическую гитару и этого мне было достаточно, чтобы уже вскоре дать свой первый концерт в холле военного общежития. Мы написали несколько своих песен, у нас была эта моя гитара, простенький детский синтезатор и хороший вокалист Сергей, который пел уж точно лучше, чем я. И уж только потом я начал ходить на гитарный кружок и брать уроки гитары. Учил аккорды, табулатуры, тратил на это все свое свободное время. Записался в нотную библиотеку, выписывал от руки классические произведения Баха, Бетховена, Паганини. Покупал книги-табулатуры всех альбомов METALLICA. Это было чудеснейшее и незабываемое время, когда еще не существовало интернета и все приходилось находить самому, прилагая усилия. Я даже вел письменную переписку с опытными ребятами-гитаристами с других городов Беларуси, и они высылали мне табулатуры песен, которые я просил. Ходил в военную часть к знакомым солдатам, которые очень круто играли на гитарах. Помню, как мы с ними в курилке в 4 или 5 гитар исполнили METALLICA “Nothing Else Matters” и тогда я подумал, как же круто было бы сделать свою собственную профессиональную рок-группу. Один солдат обмолвился, что дома на гражданке у него есть своя рок-группа с настоящими барабанами, басом и электро-гитарами. С тех пор я буквально боготворил этого парня, и мы долго общались о музыке. Потом отец одолжил в военном Доме Культуры первую для меня электро-гитару УРАЛ, а чуть позже ФОРМАНТУ. Я включал их в какой-то радио-приемник, все ручки выкручивал на максимум и это давало, как мне казалось, тот самый «хэви-метал» звук! Таким образом, постоянно практикуясь (по 4-5 часов в день) к 14-ти годам я стал лучшим гитаристом среди своих пацанов. Насочинял множество песен в стиле Виктора Цоя, а потом и достаточно сложных метал-композиций с партиями для двух электро-гитар. К счастью, все эти записи остались у меня, как-то раз мой друг смог их оцифровать с кассет на компьютер. Сейчас, конечно, они звучат весело и нелепо, но для того времени это было очень круто! А потом, когда мне исполнилось 15 лет, я переехал в другое место, сменил школу и обзавелся новыми друзьями, с которыми мы создали ту самую группу MATADOR, о которой я упоминал в начале, и закрутилось-завертелось: репетиции, сочинение песен, концерты, пиво, девчонки. Помню, среди ребят из будущего MATADOR прошел слух, что в их район приехал новый паренек-гитарист, который круто играет и они пришли со мной знакомиться, позже отметив, что лучше и техничнее гитариста никогда не встречали. Сейчас, конечно, это звучит весело, потому как играл я еще в то время не супер, но зато быстро:)
В рамках своей профессиональной деятельности (аранжировка, звукорежиссура и т.д.) ты активно работаешь как с белорусскими, так и с российскими музыкантами. Насколько, на твой взгляд, схожа ситуация с развитием тяжёлой музыки в России и Белоруссии и в чём состоят ключевые отличия?
В целом, я создаю минусовки и аранжировки для многих стилей, будь то эстрадная песня, бардовская, классическая или даже шансон. Но, конечно, наибольшее удовольствие я получаю от создания рок-музыки. За многие годы удалось наработать хорошую базу клиентов именно в рок-стиле. В основном, за помощью обращаются ребята, у которых есть заготовки песен, тексты, вокальная мелодия и они просят сделать из этого полноценную красивую песню. Я набиваю барабаны, прописываю бас-гитару, гитары, довожу до совершенства их рифы, придумываю партии соло-гитар, сверху накладываю необходимые слои клавиш, затем выполняю сведение и мастеринг. Клиент получает готовую, качественно исполненную и записанную рок-композицию. В этом плане, не сказал бы, что вижу какие-то отличия между русским заказчиком и белорусским. Все обращаются с интересными идеями, которые я довожу до конца.
Что касается ситуации с развитием тяжелой музыки, то, думаю, что в России она лучше, там проводятся больше рок-концертов, так лучше и быстрее реализация, имеется база поклонников, которая намного шире, чем в Беларуси, но это и понятно, учитывая наши территории. Хотя могу отметить, исходя из своего опыта, что музыкальные идеи белорусов интереснее, чем у россиян. У вас многие привыкли создавать песни в рамках стиля АРИИ, ЭПИДЕМИИ, а у нас кругозор творчества шире, здесь ребята любят прислушиваться к западным рок-группам вроде NICKELBACK, METALLICA, HELLOWEEN. Здесь я не хочу сказать ничего плохого, это лишь мои рабочие замечания, которые сформировались за годы сотрудничества. Эти мысли из серии о том, как принято считать, что никто лучше, чем латино-американец не исполнит латинскую музыку, никто лучше чем норвежец или финн не сыграет суровый блэк-метал. Что-то в этом роде. Мне кажется, что белорусские музыканты по своему творческому менталитету ближе к западной и европейской музыке, нежели русские. Но касательно реализации и продвижения все наоборот.
На портале darkside.ru (да, наверное, и в принципе в сетевом пространстве) при обсуждении твоей работы часть комментаторов занимаются откровенным хейтерством. Как ты относишься к негативным отзывам подобного рода и стоит ли, на твой взгляд, музыканту вообще обращать внимание на экзерсисы сетевых комментаторов, будь они положительными или негативными? Чем, на твой взгляд, объясняется в принципе большой объём негатива, присутствующий в русскоязычном гитарном (да и в целом – музыкальном) сообществе? Почему, вместо здорового желания поддержать друг друга, как минимум, добрым словом, слушатели (да и сами музыканты) предпочитают топить окружающих в сточных водах собственного негатива и упражняться в том, что они считают остроумием уровня «да у меня бабушка круче играет»?
Да, этот вопрос имеет место быть. И я лично много раз сталкивался с такими осуждениями, какими-то негативными отзывами. Но, лично смотря со стороны на свою музыку, на коллективы, в которых участвовал, я полностью уверен в своих силах. Как-то приходилось вступать в интернет-споры, где на какие-то необоснованные и глупые замечания в стиле «чувак, эта твоя песня – полный колхоз», я предлагал оппоненту по полочкам расписать все его негодования, обосновать все «за» и «против» за звук, за аранжировку, за исполнение. То есть, рассказать профессиональным музыкальным языком, что же в конкретной песне не так и почему ты к ней придрался. Всегда оппоненту нечего было сказать. Так уж устроен этот наш интернет, тут можно запросто написать что-то плохое, оскорбительное касательно творчества, предлагаемого музыкантом слушателю, но, действительно, куда как сложнее написать что-то доброе и хорошее. Это простые человеческие истины и качества: есть добрые и учтивые люди, которые понимают и ценят качественную музыку, а есть злые, само не реализовавшиеся, которые самоутверждаются и получают удовольствие, оставляя какие-то грязные комментарии. Я, например, устроен по-другому. Если я слушаю песню, которую мне предоставили на оценку и она сделана плохо, не качественно или просто не понравилась, я никогда не напишу что-то вроде: «чувак, твоя песня – говно, бросай гитару, иди работать на завод». Я напишу примерно следующее: «ребята, спасибо за ваше творчество, но я слышу, что песня записана не качественно, вокалисту не подровняли фальшивые ноты, гитарист мог бы постараться сыграть чище и интереснее». В общем, я всегда дам конструктивную критику. Так музыкант прислушается и в следующий раз сделает лучше и качественнее.
Еще я заметил, что публика на разных сайтах и форумах отличается. Сопоставим тот же Тикток и Вконтакте: если в первом случае интернет-пользователи дружелюбнее, то во втором в разных пабликах можно нарваться на необоснованную и совершенно «кустарную» критику.
Что касается сайта Darkside.ru, вроде бы там я встречал прикольную фразу на свой альбом GOLDEN HEARTS примерно следующего содержания: «чувак вложил кучу бабла, попиарился на именах известных музыкантов, а альбом получился – говно!» Я уже давно не отвечаю на какие-то такие идиотские комментарии, если они встречаются, но если мы хотим разобрать по полочках данное заявление, то давайте прикинем следующее: а стали бы эти известные легендарные музыканты портить свою безупречную репутацию профессионалов и участвовать в подобном «говно-проекте»? Ответ очевиден. При работе над этим альбомом случалось много невероятных и приятных для меня вещей: некоторые из этих известных музыкантов сами предлагали принять участие в большем количестве композиций, чем я предлагал, вносили какие-то ценные корректировки в аранжировки, знакомили меня с другими известными музыкантами, давали мне их контакты, записывали на выбор по 3-4 дубля своих музыкальных партий, воодушевляли меня и подбадривали разными историями из своей музыкальной жизни, кое-кто даже бесплатно дарил на Новый Год свое соло, кто-то без предупреждения звонил по видео и поздравлял с выходом альбома, делал репосты на своих страницах и так далее.
Поэтому, если кто-то пишет остроумные замечания в стиле «да у меня бабушка круче играет», то на них и следует отвечать подобным образом: «твоя бабушка молодец, она этого добилась в жизни сама и что-то да умеет, а что умеешь ты, кроме как писать необоснованную хрень?»
Записав и выпустив свой альбом «Golden Hearts», ты тем самым ступил на скользкий и (исходя из того, что ты рассказывал в интервью журналу «OR») далеко не самый популярный в наших странах путь инструментального рока, а, судя по озвученным тобой творческим планам, для тебя это – всерьёз и надолго. Почему, на твой взгляд, качественная инструментальная музыка пользуется настолько малым спросом на постсоветском пространстве? Чего не хватает нашим слушателям для формирования той самой пресловутой музыкальной культуры? И что, по твоему мнению, должно измениться, чтобы условный российский или белорусский металхэд, придя на фестиваль, с интересом и удовольствием слушал все участвующие в нём команды (как это делают в Европе или Америке), а не истошно вопил (условно): «Ария! Ария!» на протяжении всего фестиваля?
Что касается фестивалей и металхэдов, тут я не думаю, что смогу что-то ответить. Но повторюсь: все зависит от менталитета той или иной национальности. Многие не раз замечали, что культура проведения европейских и американских фестивалей во многом отличается от наших. Там все это более развито и цивилизовано. Да и в целом, там до сих пор люди любят и ценят тяжелую рок-музыку, а у нас, как мне кажется, поколение сменилось и молодежь больше любит модную поп-музыку. И это, конечно, ужасно. В музыкальной культуре прослеживается некоторая деградация: настоящие певцы уже не так важны в этих новых музыкальных стилях, важен так называемый «кринжовый, хайповый» голос, который кажется бездарным, ужасным и не профессиональным, но именно этим он и цепляет современную молодежь. В этих песнях часто нету никакой поэзии, красоты слога, есть какие-то дурацкие, прикольные фразочки, которые, опять таки, являются теми «хуками», которые вертятся в голове и цепляют наживку на удочку. Что же происходит с этой самой головой современного молодого человека? Правильно – голова деградирует. У меня есть отличный пример: мой знакомый вокалист, с которым мы работали по музыке, имеет хороший, молодой и красиво-поставленный голос, обладает приятным тембром, но не так давно он создал проект, где поет вот таким модным голосом, низким, немного противным, как бы «в нос». И именно такая манера исполнения вывела его на новый уровень и превратила в популярного артиста среди молодежи 12-14 лет. Несомненно, он большой молодец и трудится в поте лица над этим проектом, к этому мы претензий иметь не должны, но та мода музыки и мода исполнения вокального, которую он пропагандирует – это конечно же печально, что «пипл хавает» сейчас такое.
Из этого и вытекает первая часть твоего вопроса, касательно живой инструментальной гитарной музыки: да, к глубочайшему сожалению, она переживает не лучшие времена. Пик инструментального рока пришелся на конец 80х – начало 90х. Вспомни, какими гигантами в музыкальной индустрии являлись тогда Steve Vai, Joe Satriani, Paul Gilbert. Они ехали на гастроли в Японию и собирали безукоризненный «sold out». Они приезжали в Гамбург, Монтрё или Детройт и встречали толпы поклонников их гитарного инструментального движения. Павел, ты не поверишь, но, откровенно говоря, я чуть ли ни каждый день чувствую себя в нашем нынешнем времени как «не в своей тарелке» и задумываюсь, как бы здорово я пригодился музыкальному миру 80-90хх, если бы жил в те годы и, конечно же, не в нашей стране. Это и есть самый точнейший ответ на самый важнейший вопрос: почему я сочинил и записал свой инструментальный гитарный рок-альбом GOLDEN HEARTS с известными западными музыкантами? Потому, что мне бы очень хотелось сесть в машину времени, помчаться в те крутые рок-времена и сыграть вместе с лучшими инструменталистами, такими как Billy Sheehan, Rudy Sarzo, Matt Bissonette, Derek Sherinian, Tony Franklin. В какой-то степени мне это удалось, чему я очень рад. Несмотря на малую популярность инструментального рока и не очень большой интерес к альбому GOLDEN HEARTS, его все же признали «Лучшим альбомом 2022 года в Беларуси», а музыкальная пресса окрестила его «легендарным». Я совсем не рассчитывал на подобные титулы, больше создавая этот проект для себя, своего внутреннего самоуспокоения и удовлетворения, но, черт возьми, приятно, что GOLDEN HEARTS оценили по достоинству. Наверное, такие ребята-интузиасты вроде меня – это и есть некая надежда на то, что флаг инструментальной гитарной музыки все еще высоко и гордо поднят над всем этим модным музыкальным мракобесием. Пускай наше дело переживает трудные времена, но мы точно уверены, что наша музыка – она живая, честная, бескомпромиссная и сотворенная от всего сердца, в отличии от современной модной музыки, в которой нет ни живых инструментов, ни живых голосов. Это всего лишь набор механических, бездушных звуков, видящимся мне ничего не представляющим из себя скомканным фантиком от дешевой конфеты.
Вопрос напрямую вытекает из предыдущего. С учётом колоссальной работы, проделанной как на стадии выпуска пластинки, так и на нынешнем этапе её медийного освещения, насколько, на твой взгляд, велики шансы того, что альбом будет представлен слушателям в рамках «живых» концертов тура в России и Белоруссии? Вообще, планируешь ли ты именно концертную его презентацию?
Презентация альбома GOLDEN HEARTS прошла в видео-формате на моей youtube-канале, а так же в рамках прямого эфира с Сергеем Тынку в московском музыкальном магазине Skifmusic. Двигаться в концертном направлении я точно не планировал, зная, какой это большой и, в большинстве своем, не востребованный труд. Тем более мне есть с чем сравнивать, и точно могу сказать, что все это я уже проходил в рамках своего прошлого инструментального проекта ONE STRING MAN. Мы с ребятами отлично провели время, достаточно поездили с концертами по Беларуси, но не увидели какой-то бурной отдачи и спустя пару лет благополучно закрыли проект. Конечно, можно сколотить группу и до конца своих дней играть только в ней, набивать шишки, искать продвижения, но мне как звукорежиссеру, все же интересно творить музыку в виртуальном пространстве, исследуя все новые и новые ее грани. В последние годы я стал более студийным музыкантом, нежели концертным. Так уж сложилось. Может быть это грустно, но не думаю, что это так плохо. В любом случае, музыка и гитара – неотъемлемая часть моей жизни, и сопровождает меня примерно 16 часов в день из 24-ех возможных. Без выходных.
В интервью порталу Heavymusic.ru ты рассказывал о том, как был поражён, когда получил дорожки, которые для твоего альбома записал Tony Franklin и, резюмируя, сказал буквально следующее: «В общем, настоящее фирменное мышление, наши так не играют». В связи с этим, вопрос: как ты считаешь, каковы основные причины того, что у нас по-прежнему «так не играют»? Ведь если в советские годы, например, можно было говорить о том, что существует информационный голод (хотя, если кто-то по-настоящему хотел, то этот голод удовлетворялся), нет достойной школы (и это при том, что большинство лучших и наиболее именитых западных музыкантов – самоучки), отсутствуют инструменты и оборудование (кто действительно хотел – у того и они были), то сейчас все эти «причины» несостоятельны – информации море, благодаря сети можно заниматься с лучшими педагогами и практикующими музыкантами мира, а глядя на оборудование, на котором у нас сейчас играют, многие зарубежные профи исходят слюной от зависти. И что? Спустя три десятилетия, мы по-прежнему позади планеты всей, а пресловутые «причины» отчего-то не мешают таким людям, как Олег Изотов и Антон Давидянц, входить в мировую музыкальную элиту и работать с топовыми зарубежными артистами. Почему же тогда большинство отечественных профессионалов музыкальной индустрии продолжают жить и работать по принципу «и так сойдёт»?
Может быть, я неправильно истолковал тогда мысль, но очевидно следующее: западные музыканты буквально пропитаны той самой настоящей фирменной музыкой, они с детства слушают Элвиса Пресли, Френка Синатру, ABBA, The Beatles и все в таком духе. У нас же, во многом, это явление приходящее, не родное. Я, например, начинал с песен Сектора Газа и Виктора Цоя, любил ДДТ, Машину времени, и только потом перебрался на Iron Maiden, Metallica, Helloween и тому подобные коллективы. Я ни в коем случае не хочу сказать, что наша родная русская музыка плоха, нет! Вообще, принято считать, что творчество любой национальности достойно, уникально, самобытно и я полностью с этим согласен. И, как раз таки, просто феноменально и невероятно, что американский Tony Franklin (о котором ты упомянул), американский Rudy Sarzo, Billy Sheehan, Matt Bissonette и другие участники альбома GOLDEN HEARTS собрались вместе в, скажем так, виртуальном мире и сделали совместный качественный продукт с белорусским гитаристом. Это в очередной раз доказывает, насколько музыка – уникальное духовное явление, запросто стирающее любые рамки на своем пути. Явление без границ и времени. Меня эта мысль очень радует и я часто благодарю Бога за то, что жизнь подтолкнула меня пойти по этой дороге.
В том же интервью ты рассказал историю конфликта с Billy Sheehan’ом, который настаивал на традиционном подходе к записи музыки. Касательно традиционного подхода. Как можно понять из твоих интервью, ты приверженец исключительно «домашней» работы, когда вся запись полностью ведётся с использованием софтовых плагинов и обработок. В то же самое время, существует противоположная точка зрения, которой придерживается, к примеру, известный российский звукорежиссёр Максим Самосват – он сторонник того, чтобы инструменты писались полностью «вживую» с использованием усилителей, микрофонов, которыми снимается звук кабинетов и т.д. Твой способ однозначно проще и быстрее (да и дешевле, чего уж там). А в чём, на твой взгляд, преимущества студийного продакшна и существуют ли они в наш век продвинутых цифровых технологий, или же это больше вопрос «религии» звукорежиссёра?
Павел, спасибо за очередной интересный вопрос! Я думаю, что это конечно же дело «религии» звукорежиссера. Сейчас технические аспекты звукозаписи кардинально изменились, улучшились и стали более доступны каждому, кто будет к этому стремиться. В свое время я попробовал все – и запись различных инструментов на студии, работу с концертными записями, некоторое время мы с ребятами строили свою студию, что-то там записали «живьем», но это дело оказалось затратным. Тогда в какой-то момент я взвесил все «за» и «против» и решил пойти по пути записи музыки в домашней студии. Таким образом я сэкономил свой бюджет и время. Теперь мне не нужно платить аренду за помещение, тратить часы на дорогу и тд. Все способы музыкального производства хороши, если это делать качественно и со знанием дела. И открою главный и важный секрет – все дело в руках и голове звукорежиссера, а также в его музыкальной интуиции и музыкальных предпочтениях, это я прошел на личном опыте. За все время работы я встречал и видел разное – как очень легко можно запороть песню, если человек ее запишет на студии, но некомпетентный звукорежиссер даже не удосужится подровнять живые барабаны и выровнять по ноткам вокал, или даже проще простого – неграмотно выстроить баланс инструментов. Все, такая песня погибла! Или другой пример – грамотный, знающий свое дело, звукорежиссер может на компьютере сделать такое качество звука, какое не снилось и немецкому Rammstein, которые тратят на производство одной композиции множество тысяч долларов. Поэтому, повторюсь, звукорежиссура – вещь относительная и многогранная, позволяющая достичь хороших результатов разными способами. Где-то я однажды прочитал, как какой-то легендарный западный звукорежиссер для сведения песни использует только одно средство – эквалайзер, причем, любой! Вот где настоящая фирмА! Сейчас нам постоянно впаривают красивые плагины с блестящими ручками, всяческие «улучшайзеры», которые можно применить к вокалу или акустической гитаре – и они зазвучат ярко и красиво. Но с опытом ты действительно понимаешь, какая это все же ерунда. Недавно я и сам отказался от всех этих модных и красивых плагинов, приобретя себе верного помощника – контроллер Solid State Logic SSL UC-1. Устройство построено таким образом, что может управлять только своим фирменным компрессором и эквалайзером. Все! Этого более чем достаточно, чтобы нарулить достойный фирменный звук. Весь секрет звука в его простоте. И весь секрет хорошей песни – в ее простоте. Можно часами говорить, как правильно выстраивать структуру композиции, грамотно распределять инструменты аранжировки, умеючи располагать звуки в пространстве, но, это тема отдельного разговора!
Традиционный вопрос хит-парад. Назови свой топ-5 гитаристов-виртуозов, с которыми ты когда-нибудь хотел поджемить на одной сцене?
Да, с удовольствием помечтаем! 01 – Joe Satriani, 02 – Kirk Hammett, 03 – Carlos Santana, 04 – Eric Johnson, 05 – Joe Bonamassa, и позвольте номер 06 – Gary Moore.
В своих интервью ты не раз упоминал об опыте работы в кавер-бэндах и о том, что такая деятельность, по сути, лишает музыканта собственного творчества. Действительно, с точки зрения музыканта всё понятно. Не совсем понятна, на наш взгляд, та популярность, которой кавер-группы пользуются у слушателей во всём мире. В чём ты видишь причины подобного интереса и что лично тебя как условного слушателя может побудить пойти на подобный концерт и послушать 100500-ю версию «Nothing Else Matters» в исполнении известного всем Димы Хатфилдоняна и его «Alcoholica», вместо того, чтобы дождаться приезда некоей «Metallica» с мало кому известным престарелым американцем Джеймсом Хэтфилдом, поющим какую-то непонятную «Lux Aeterna»?
Да, за свою музыкальную карьеру мне приходилось некоторое время играть в разных кавер-бэндах. Ничего не могу сказать плохого про музыкантов, с которыми делил сцену – все ребята профессиональные исполнители и отличные люди. Но таков уж наш современный шоу-бизнес: если музыкант хочет зарабатывать на жизнь своим ремеслом, самым простым и быстрым способом как раз таки и станет участие в каком-нибудь кавер-бэнде, желательно, профессиональном и востребованном. Все это, без сомнений, является отличным опытом для музыкантов, но… я склонен считать, что здесь теряется душа, пропадает творческая нить, музыкант стирает и заглушает свою индивидуальность, тратя время на разучивание песен чужих исполнителей, становясь тем самым неким безликим артистом. В какой-то момент, когда нашему кавер-коллективу надоело играть «кабацкие» песни, мы искали какие-то приятные для себя решения, например, выступали с двухчасовой программой песен METALLICA или делали полноценное шоу из лучших композиций RAMMSTEIN, но и это постепенно приелось. Я отошел от кавер-бизнеса, сейчас мне это вообще не интересно. Хотя следует отметить, что за этот год меня 4 раза приглашали в качестве гитариста в очень хорошие кавер-бэнды. Я отказывался. В душе я очень люблю заниматься именно творчеством, что-то сочинять самостоятельно, а не переигрывать чужую музыку.
В интервью Сергею Тынку ты рассказывал о том, что очень много занимаешься творчеством, поскольку музыка для тебя – это работа. Как ты борешься с неизбежным при таком ритме жизни профессиональным выгоранием? Что помогает тебе переключаться? Как проводишь свободное время?
Я работаю звукорежиссером и аранжировщиком, ежедневно пишу для других исполнителей песни. К счастью, выгорания не происходит. Наверное потому, что изначально заказчики представляют какие-то свои музыкальные идеи, которые доверяют мне развивать и совершенствовать. В этом плане проблем не возникает, все остаются довольными. Но если я нахожу время для собственного творчества и сочиняю что-то для себя, здесь все происходит с точностью наоборот: порой приходится тяжело родить какую-то достойную музыкальную мысль, настолько я самокритичен к самому себе. Понимаешь, не хочется лепить какую-то халтуру спустя рукава, поэтому для меня процесс создания собственной музыки – дело тщательное и долгое, к сожалению. Что помогает мне переключиться и как я провожу свободное время? Здесь мне помогает моя семья, я очень люблю гулять с сыном на улице, рисовать с ним, играть в игрушки, в конструктор, так я отдыхаю от музыки, хотя постоянно о ней думаю:)
В том же интервью ты говоришь о том, что в процессе работы в группах у тебя никогда не возникало проблем с другими музыкантами и конфликтов. Но ведь известно, например, что творческие люди часто обладают не самым простым характером и это приводит к распаду даже самых известных и легендарных групп. Как ты считаешь, какими качествами должен обладать музыкант, чтобы группа, в которой он играет, жила долго и плодотворно?
Павел, это отличный вопрос! Думаю, все участники музыкального коллектива должны быть хорошими друзьями, спокойными ребятами, умеющими понимать, принимать, уступать. Не стоит быть ревностным к музыкальному вкладу другого автора или диктаторски навязывать только свои идеи. Как и в любом коллективном деле, всегда можно договориться и решить любую проблему, главное, действовать сообща, быть командой и стремиться к общей цели.
Вопрос связан с предыдущим. Говорят, что хороший человек – это не профессия. Тем не менее, любая великая группа на начальном этапе – это просто банда друзей, некоторые из которых как музыканты – откровенно так себе. Но если твоего друга зовут, положим, Сид и вы с ним дружно дерёте глотки об «анархии в UK», то всё ОК. Хуже, если друг Ингви Йоган Ланнербек и в гитарных он вопросах скушал сорок человек. Вопрос: что важнее для группы – быть обоймой крепких профессионалов, которые всякий раз, отыграв свой сет, «забывают цветы на сцене и расходятся по домам», или содружеством чуть кривовато стучащего Ларса, вечно к месту и не к месту запиливающего и «квакающего» Кирка и возвышающегося священной громадой над всем этим «скопленьем чудил» Джеймса, играющего даунстроук в темпе 280 BPM?
Это уж точно! Я убедился на личном опыте и проанализировав множество других музыкантов, могу сказать, что быть каким-то супер-техничным, строжайше ровным и играющим со скоростью звука музыкантом - не интересно! Простого слушателя, не погруженного профессионально в музыку, совсем не волнует эта точность и строгость. Народ цепляет простота, душа и некоторая неряшливость. Почему мир всегда будет любить больше того же Кирка Хэмметта или Джимми Пейджа, которые играют хреново и размазанно, нежели, например, какого-то супер-точного технаря с летающими по грифу пальцами с бешенными скоростями? Или кривоватого Ларса Ульриха, Питера Крисса да Ринго Старра в противовес барабанщиков из DragonForce или Stratovarius, например. Я считаю, что в музыке больше важна атмосфера, душа, идея, а не высокоточное исполнение нескончаемого набора нот и выстраивания математических аккордов и размеров. Простая и банальная, как 5 копеек, мелодия всегда запомнится лучше, и станет хитовее, нежели какое-нибудь быстрое 6-тиструнное гитарное арпеджио. Конечно, в этом вопросе важно понятие некой «золотой середины» и исполнители, у которых получается это правило осознать и соблюдать, всегда заслужат большего уважения со стороны публики.
Слушая твои рассказы об общении с западными музыкантами, возникает закономерный вопрос (с этой проблемой сталкивались и мы в бесплодных порой попытках достучаться не то, чтобы очень и до звёзд, а до вполне себе широко известных в очень узких кругах российских музыкантов): отчего «словить звезду» мирового масштаба часто оказывается куда как проще, чем «словившего звезду» отечественного «идола и кумира поколений», который в тысяча девятьсот затёртом году целых три дня репетировал на одной базе с самими «Волосатыми помидорами»? Мы утрируем, конечно, но отчего-то некто Billy Sheehan на твоё: «Привет, я Петя!» реагирует своим: «Привет, я Билли, но не Бонс!» в то время, как попытка написать Великому Васе оборачивается игрой в молчанку уровня «Я спросил у ясеня, где моя любимая… ты б ещё у тумбочки, идиот, спросил»! Так почему, на твой взгляд, обращение к великим (но не Васям, ибо теперь уже без сарказма) даёт возможность почувствовать себя человеком и музыкантом, коллегой, тогда как обращение к нашим отечественным, в масштабах мира и вечности, всё-таки абсолютным ноунеймам (при всей нашей любви и уважении к ним) часто оставляет лишь послевкусие того самого вышеозначенного диалога с тумбочкой? Неужели, написать пару тёплых слов и вежливо отказаться, если тебе не интересно предложение человека – это такой тяжёлый труд? Ведь как-то не очень верится, что Вася занят больше, чем Билли.
Да, к сожалению, есть такая тема! Все мы разные, у нас хватает как положительных, так и отрицательных качеств. Известно, что в большинстве своем музыканты – люди занятые, вечно погруженные в свои проекты, дела и так далее. Но согласен с тобой, если тебе написали с каким-то предложением по сотрудничеству или интервью, нет ничего проще, чем написать, что ты занят и не сможешь поучаствовать в том или ином действе, нежели прочитать и бездушно проигнорировать. Я с таким сталкивался часто, если писал «нашим» музыкантам, чего не могу сказать про западных. На предложение поучаствовать в альбоме GOLDEN HEARTS мне отвечал даже сам Lloyd Grant – самый-самый первый соло-гитарист METALLICA, отвечал Kiko Loureiro из MEGADETH, отвечала жена Paul’a Gilbert’a Emi Gilbert, отвечали такие известные музыканты как Stuey Hamm (бас-гитарист, сотрудничавший с Joe Satriani) или Jennifer Batten (гитаристка Michael Jackson и Jeff Beck), было невероятно приятно с ними общаться, но по разным причинам сотрудничества у меня с ними не случилось. Из наших могу отметить приятное общение с Виктором Ивановичем Зинчуком, я рассказал ему про свои школьные годы, как мальчишкой попал на настройку звука перед его концертом, случайным образом проникнув в зал за пару часов до концерта:) И хоть сейчас посотрудничать у нас с ним не получилось по причине его занятости, зато мы приятно пообщались.
На обложке твоего альбома «Golden Hearts» изображён некий абстрактный космический сюжет, а открывающая пластинку композиция «It’s Coming!» не только своим названием, но и эпичностью звучания словно бы отсылает к таким сагам, как «Звёздные войны», например. Зная с твоих слов о том, что с обложкой были определённые трудности, связанные с занятостью художника, к которому ты изначально обратился, хотелось бы спросить, связан ли как-то сюжет, представленный на обложке, со смыслом, который вкладывался в музыку в процессе сочинения? И не было ли идеи в принципе как-то визуализировать музыку, ведь многие треки словно сами просят об этом?
Мне очень близка тематика НЛО, пришельцев из космоса и теория о том, что человечество – это ничто иное как продукт, созданный другими цивилизациями. Поэтому нет ничего удивительного, что летающая тарелка стала обложкой альбома. Мне действительно пришлось долго ждать новостей от своего знакомого художника и арт-оформителя многих метал-альбомов, он парень занятой, плотно погруженный в работу. В итоге я не дождался и сделал все сам, чем сейчас очень доволен, по моим меркам, обложка альбома получилась удовлетворительной. К тому же, у меня получилось сделать обложку для каждой песни. В каждой инструментальной композиции GOLDEN HEARTS заложены свои определенные смыслы, и очень кстати было подчеркнуть их подходящими картинками. Я воспользовался услугами арт-нейро-сети Midjourney, которая сейчас невероятно популярна, потратил на создание этих десяти картинок пару ночей, занимался этим непосредственно перед выходом альбома и остался полностью доволен получившейся концепцией и идеей. Если искать смысл в обложке альбома GOLDEN HEARTS и самом его названии, то идея примерно вот в чем: я соединил воедино многих своих музыкальных героев, вместе мы объединили свои мысли, сердца и души для создания общей музыки. Музыкант – это всегда творец, а творчество – понятие не осязаемое, эти идеи, возникающие из Ниоткуда нельзя потрогать, они являются нам откуда-то сверху. Если совсем уж фантазировать (специально не буду утверждать, что именно так я считаю, чтобы меня совсем уж не записали в «сумасшедшего мужчину среднего возраста»), то можно представить, что есть некое Ядро, некое Хранилище, проще говоря – Космос, который питает идеями творческого человека в нужный момент, открывая ему свои двери и предлагая идеи, которые художник или музыкант переносит на холст или в нотную тетрадь. Понимаешь, музыку ведь можно писать по-разному. Можно за 3 минуты склеить 3 аккорда и 5 нот и по-быстрому получить такой коммерческий музыкальный «фаст-фуд» на продажу. В наше время музыка пропитана этим сплошь и рядом. Все делается ради денег, успеха, хайпа и тд. А есть другой путь, когда можно часами выискивать и ждать ту самую «золотую» мелодию, полностью погружаясь в некий транс, когда ты сидишь и чувствуешь, что что-то происходит, чувствуешь, как устанавливаешь связь с этим необъяснимым Источником Идей и считываешь нужную информацию, которую затем преображаешь в свою мелодию. Большинство идей для альбома GOLDEN HEARTS я сочинял по ночам, в тишине и спокойствии, когда мозг уже устал и работает по-другому и ты больше воспринимаешь окружающий мир не телом, а подсознанием. В такие интересные моменты ты словно впадаешь в транс и что-то явно происходит. Вообще, я считаю, что творческий человек очень близок к такой категории людей, как некие провидцы, предсказатели, шаманы, в общем, люди, которые могут «видеть» то, что другим не дано. Современных людей давно не интересуют такие вещи, мы заняты другими мыслями – как заработать денег, как выглядеть красиво, как бы купить классную тачку, как бы расслабиться и попить пивка и все в таком духе. Но человек – это нечто большее, в нас есть потенциал, который мы можем развивать. Такие понятия как Мудрость, Талант – это оно и есть. В творческих людях это есть. Все это и легло в тематику альбома GOLDEN HEARTS, а летающая тарелка является простым и понятным символом всей этой непонятной хрени, что я тебе тут сейчас наговорил :)
Как известно, Сергей Табачников и Ко уже несколько лет реализуют в России проект «Guitar Battle», получивший в новом сезоне совершенно неожиданное развитие в формате шоу «Epic Play». Существует ли что-то подобное в Белоруссии и не было ли у тебя желания принять участие в подобном шоу? Если пофантазировать и представить, что у тебя была бы возможность выбора любого оппонента, кому из музыкантов ты бросил бы вызов и почему?
Да, у этих питерских ребят отлично получилось реализовать все эти гитарные идеи в такой классный шоу-формат. Я смотрел первые выпуски и мне было очень интересно! Вся команда проекта Guitar Battle – большие молодцы. Добавить ко всему этому хороший денежный бюджет и все получился ярко и красиво и должным образом разрекламировано. В Беларуси что-то подобное существовало лет 20 назад, был такой достойный конкурс и серия концертов Virage Guitars, который собирал вместе лучших гитаристов страны и устраивал соревнования. Я тогда был еще маленьким и неопытным гитаристом, поэтому приходилось следить об этом просто из газет, но конечно же, хотелось принять участие в подобном действии. Что касается выбора оппонента, кого бы я вызвал на гитарную дуэль, я об подобных вещах никогда и не задумывался. Ни возникало желания кого-то переиграть, победить, с кем-то посоревноваться в гитарном мастерстве. Скорее наоборот, посотрудничать, дополнить. Я бы с радостью выступил в подобном шоу с Сергеем Терентьевым, с Мэй Лианом. Эти имена мне представляются наиболее подходящими. В их игре преобладает мелодика, чувство «размеренности и осознанности», нет тупого поливалова ради поливалова, но есть мелодия, есть то, что мы называем таким простым словом – «музыка».
Мы знаем, как минимум, одного белорусского музыканта, который давно уже является легендой рок-музыки. Это – Виктор Смольский. Понятно, что он давно уже живёт в Европе, но всё же. Знаком ли ты с ним лично? Как ты относишься к тому, что он делает для рок-музыки? Близко ли тебе его творчество?
Виктор Дмитриевич, без сомнения, музыкант-глыба! Я имел честь пересекаться с ним дважды. Первый раз, в 2011 году, когда мы с группой AILLION выступали на разогреве его гитарного мастер-класса в Минске в магазине «Музыка». Было очень круто понаблюдать за его игрой, послушать его истории и проанализировать его музыкальные рекомендации. А второй раз случился в 2021 году, когда идейный вдохновитель метал-альбома Speed Of Darkness писатель-фантаст Валентин Леженда пригласил Виктора поучаствовать в этом проекте и сыграть гитарное соло. Я выступал в качестве гитариста, аранжировщика и звукорежиссера этого альбома и было очень приятно, что свое гитарное соло Виктор Смольский записал именно на моей инструментальной композиции, которая называется «Скорость Тьмы». У меня конечно же были мысли пригласить его в свой альбом GOLDEN HEARTS, когда я составлял списки, но потом все сложилось так, что набралось множество других крутых музыкантов и места для участия в проекте уже просто не осталось, да и бюджет закончился.
Вклад Виктора Смольского в рок-музыку велик, это бесспорно, он очень яркий и продуктивный гитарист, на которого следует ровняться нам всем. Мне очень нравятся все его работы в группе RAGE и первый альбом КИПЕЛОВ’а, в который он привнес много своих идей.
С Уважением,
Артём Гарькавый (https://vk.com/distemper)
Павел Краснокутский (https://vk.com/apologet_of_rock)
Музыкальный портал «Голос Рока»