Трудно представить себе ситуацию, когда человек, никогда не имевший опыта в создании скульптур, вдруг решает работать с глиной, деревом или камнем. Или как кто-то, впервые беря в руки кисть, начинает писать живописные полотна маслами. А вот с графическим искусством все гораздо проще: им занимаются абсолютно все – как маленькие дети, так и взрослые, как обученные, так и те, кто только начинает свой путь. Главное – это всего лишь карандаш и лист бумаги, на которых можно творить.
Графика — это вид изобразительного искусства, который охватывает рисование и печатные художественные работы, включая множество стилей гравюры. Изначально слово «графика» связывалось исключительно с письмом и каллиграфией. Однако в конце XIX и начале XX века графика приобрела собственный статус и стала искусством, сосредоточенным на линии, штрихе и пятне. Главное внимание при этом уделяется контрасту черного и белого, хотя цвет также не исключен.
Отличительной чертой графики является ее уникальное взаимодействие изображаемого объекта с пространством. Материал, на котором создается изображение, играет важную роль в его восприятии и интерпретации.
В нашем увлекательном путешествии по миру графики мы сосредоточимся на станковой графике. В древности термин «станок» относился к мольберту — специальному устройству, на котором размещался холст для рисования. Художникам-графикам мольберт не нужен, но название сохранилось для обозначения графики как независимого жанра: это не плакаты, не книжные иллюстрации и не открытки, а именно станковая графика. Такие работы можно увидеть на выставках, в коллекциях ценителей искусства или как украшение интерьеров.
Графику делят на уникальную и печатную (эстамп) в зависимости от техники исполнения и возможностей тиражирования. Уникальная графика включает в себя такие виды как рисунок, акварель, гуашь и монотипия, представляя собой образцы единственного и неповторимого искусства. Печатная графика же позволяет создать тиражи идентичных произведений — оттисков с доски, пластины из металла, камня или линолеума, которые являются отражением исходного рисунка. Затем изображение переносится на основу с использованием различных техник, и в итоге формируется оттиск — эстамп.
Что же, кроме таланта, нужно для создания графического искусства, как уникального, так и печатного? Если для керамики важна глина, для живописи — холст, а для скульптуры — твердый материал (дерево, камень, кость), то основным элементом графики оказывается бумага. Разнообразные инструменты, такие как карандаш, уголь, тушь, акварель, гуашь или пастель, оставляют свои следы на ее поверхности.
История бумаги уходит глубоко в прошлое. Согласно легенде, первый лист был создан в Китае около 2200 лет назад из древесного волокна, и поначалу он имел рыхлую и хрупкую структуру. На европейской земле бумажное искусство начало развиваться в XI-XII веках, когда мастера начали делать ее из льняных тряпок. Однако именно с XIV века бумага получила популярность среди художников. В то время она отличалась толстой текстурой и шероховатой поверхностью, с желтым или коричневым оттенком. Позже умельцы научились придавать ей светло-голубые тона, что позволяло создать удивительные световые эффекты, к примеру, отражение лунного сияния. Но настоящий рывок в графическом искусстве произошел только с появлением белой бумаги, которая открыла художникам новые горизонты для работы с карандашами, тушью и чернилами. Уже в конце XIX века акварель и гуашь также вошли в арсенал графиков. Чаще всего художники работают с небольшими листами.
Удивительно, однако, бумага, как любой другой материал, может «болеть». Если лист хранится небрежно или его возраст значителен, на поверхности могут появляться темные пятна, напоминая об увядании стареющего лица. Ярким примером является «Автопортрет» Леонардо да Винчи, созданный в 1512 году; этот шедевр хранится в королевской библиотеке Турина.
Помимо привычной белой бумаги, в графике удачно используется и цветная. Она может быть не просто фоном, но и обладать самостоятельной сущностью, подчеркивая глубину и смысл произведения.
«Рисунок — это высшая честность искусства», — утверждал выдающийся французский художник, знаменитый график Доминик Энгр. Рисунок – это образ, созданный вручную с применением графических средств, таких как контур, штрих и пятно. С помощью различных сочетаний этих элементов, художник добивается пластической моделировки и впечатляющих светотеневых эффектов. Это первый и важнейший язык графического искусства, обычно воплощенный в одном или нескольких оттенках.
Сфера применения рисунка обширна — от научного и технического до художественного. Художественный рисунок занимает одно из ключевых позиций в мире изобразительных искусств и служит основой для всех видов художественного изображения, включая живопись, графику и рельеф.
Линия — это след, оставленный движущейся точкой, являясь одним из самых выразительных средств в пластическом искусстве. В рисунке она играет ключевую роль, очерчивая форму и придавая ей выразительность.
Легкость и изящество линий становятся видимыми в потрясающем произведении Валентина Серова «Портрет Тамары Платоновны Карсавиной». Его мастерство поражает – ясность и сжатость форм делают рисунок совершенно виртуозным. В этом произведении, где фигура известной русской балерины начала XX века изображена со спины, а профиль лица демонстрирует характерные черты, линии будто танцуют. Удобные и уверенные штрихи передают густоту и красоту собранных волос, в то время как легкая растушевка определяет плавные контуры шеи и лица, создавая динамичное ощущение движения.
Штрих, как поистине уникальное выражение, представляет собой линию, созданную движением руки – это ключевой элемент в графике. Для штрихового рисования требуется особый подход: карандаш, уголь или сангина должны быть подготовлены соответствующим образом, чтобы обеспечить нужный эффект. Используя боковую часть грифеля, художники могут добиться яркости и игры текстур.
Для усиления выразительности многие мастера комбинируют разные материалы. Так, М.А. Врубель в своём автопортрете применил уголь и сангину, создав многослойную и сложную текстуру. Краткие линии-штрихи переплетаются, формируя живую и динамичную картину, где прозрачные, как паутина, участки соседствуют с более плотными и насыщенными элементами. Врубель трансформирует штрих в касательные линии, которые подчеркивают форму и её музыкальность, объединяя пространство и изображение.
Илья Репин стал пионером среди русских художников, использовавших уголь на холсте. Его «Портрет Элеоноры Дузе» может показаться подготовительным эскизом, но в итоге он стал законченным произведением, полномасштабным в своих графических решениях. Тонкие переходы от глубочайшего черного до яркого белого, бархатистые, насыщенные участки – все способствует формированию особенной атмосферы произведения.
Какие удивительные открытия происходят, когда дело касается природных пигментов!
Сложные оттенки, такие как красно-коричневые или оранжевые мелки, также известные как сангина, возникают из вулканических Горных пород. Этот натуральный материал представляет собой глинистую субстанцию, окрашенную окислами железа и добываемую в разных уголках мира. Исторически ее применяли для предварительных набросков фресок, однако с XIV века она метко вошла в мир графики. Итальянские мастера, в частности, оставили нам выдающиеся образцы песчинок качественно выполненного рисунка сангиной.
Работы Рубенса поразительны своими художественными качествами. Беглые и динамичные линии встречаются с тщательной проработкой форм. Условный цвет сангины передает изящество движений коня, а остающиеся белые участки блестят, создавая впечатление упругости и жизненности.
Карандаш – это наиболее распространённый инструмент, с которым мы знакомы с раннего детства. Его название происходит от тюркского слова «кара», что переводится как «черный», а вторая часть, «таш» или «даш», означает «камень». Фактически, это продолговатая палочка для рисования или письма, заключенная в защитную оболочку. Внутри находится грифель, который может быть выполнен из различных материалов: графит, свинец или даже цветные пигменты. Есть также разновидности, не обладающие оболочкой, такие как сангина, уголь и пастель.
С давних пор художники использовали свинцовый карандаш – это особый инструмент, вставляемый в металлический корпус. Он оставляет четкий, но не слишком яркий след, что позволяет создавать рисунки в тонкой штриховой технике.
С XIV века Italians начали применять итальянский карандаш, сделанный из черного глинистого сланца с сероватым оттенком. Позднее его стали производить из порошка обожженной кости, связанного растительными клеями. Рисунки, созданные таким карандашом, отличались насыщенными линиями. Эти работы стали основанием для объемной проработки и взаимодействия изображения с пространством.
Итальянский карандаш идеально подходит для портретов. Он обладает мягкостью, что делает его незаменимым для штриховки, а его насыщенные цвета придают работам особую выразительность.
Это особенно заметно в портрете генерала Е.И. Чаплицы, выполненном Орестом Кипренским. Длинные, энергичные штрихи мундира плавно контрастируют с мелочной штриховкой лица, задумчиво опущенного вниз. Графика, используя столь лаконичные приемы, способна передать погруженность в сложные раздумья и эмоциональное состояние.
В Москве, на исторической Мясницкой улице, расположен дом, построенный в конце XVIII века знаменитым архитектором Василием Баженовым. В XIX веке здание стало домом для Московского училища живописи, ваяния и зодчества, а с 1921 по 1926 год здесь функционировали Высшие художественные мастерские (ВХУТЕМАС). На крыше этого дома находился деревянный настил, откуда открывался захватывающий вид на Москву. Именно здесь художник Петр Митрич создал двойной портрет – своей жены и величественного города.
Живописный подход тонких линий и выразительных штрихов создаёт очертания зданий, деревьев и женских фигур. Иногда карандаш теряет свою силу и мягко ложится на бумагу, придавая оттенки крыше, улице и стенам дома, у которого позирует модель. Затем линия вновь обретает прежнюю четкость, чтобы уверенно обвести одеяние Веры Хлебниковой, а затем превратиться в густое пятно её тёмных волос. Эти рисунки наполнены глубоко прочувствованным единством природы и человека.
Свинцовые, серебряные и итальянские карандаши были верными спутниками профессиональных художников. Но любой "обычный" человек также имеет свой простой карандаш. Обычно внутри него находится графит — кристаллический углерод, смешанный с различными добавками. Это вещество черного цвета, изначально использовавшееся в конце XVI века как вспомогательное средство. Без копировальной бумаги просто перекладывали рисунок: графит наносился на обратную сторону, а затем переносился на новый лист при нажатии.
В 1790 году во Франции Николай Жак Конте совершил прорыв, смешивая графит с глиной, получая материал для карандашов различной твердости. Он стал тем, кто оформил графитные стержни в деревянные оболочки, что сделало их более прочными и удобными в использовании.
Современный искусствовед Г.Г. Поспелов подметил уникальный стиль Бориса Григорьева: «У Григорьева формировался настоящий культ линии, контрастирующей с широким и бархатистым штрихом, растертым почти до тона. Каждый его рисунок был своеобразным графическим парадоксом, соединяющим кажущуюся небрежность с поразительной точностью линии, которая всегда словно «промахивалась» мимо форм и в то же время гибко охватывала их на поверхности листа».
В нашем обсуждении графических техник цвет пока не был на переднем плане. Работа с карандашом, тушью или сангиной часто предполагает тональное решение. Но цвет в своем разнообразии жаждет быть узнанным с поверхностью бумаги. И на помощь ему приходит пастель. Это цветной карандаш, который изготавливают на основе цветного порошка с добавлением клея, гуммиарабика и иногда даже меда и молока. Пастель представлена в форме небольшой цилиндрической палочки. Леонардо да Винчи ярко обозначал пастель как технику сухой живописи. Во Франции её открыли в конце XV века. Уникальный художественный эффект пастели основан на чистоте, яркости и мягкости красок, которые часто сохраняют свою первоначальную свежесть.
Пастель может быть быстрой, штриховой или рисующей, но чаще всего используются её другие возможности: медлительность и умение работать с крупными штрихами.
Илья Репин, мастер графики, виртуозно управлялся с множеством техник. Его ученик Исаак Бродский, ставший известным художником, заметил: «Палитра Репина была не только разнообразной и жизненной, но и его карандаш имел выдающуюся пластичность, позволяя преодолевать любые технические преграды с лёгкостью. Но за этой кажущейся простотой скрывалась колоссальная работа над собой, непрекращающаяся тренировка, результат большого и глубокого урока, который прошел Репин».
В пастели Виктора Борисова-Мусатова «Куст орешника» чувствуются лёгкость и объем, создающие ощущение простора. Художник великолепно передает ритмичность, используя мягкие светлые оттенки, что делает композицию особенно гармоничной.
Теперь перейдем к жидким красящим веществам, такими как тушь, бистр, сепия и соус. Эти материалы имеют свою историю и особенности.
Много веков назад в Китае научились делать китайскую тушь из сажи, желатина и камфоры. В средние века она стала популярной в Европе. Однако эта тушь имеет замечательный недостаток — со временем она склонна желтеть и оставляет следы на бумаге. Но существуют и цветные варианты, например, темно-коричневая тушь, именуемая бистр.
В иллюстрациях Федора Толстого к поэме Богдановича основное внимание уделено линии: она отличается упругостью, точностью и многообразием. Мастер явно черпал вдохновение в античной вазописи, что вдохновляло его на создание выразительных контурных изображений.
Рисунки Владимира Милашевского, полные веселья и иронии, запечатлели целую эпоху, которую уже не вернуть. Его друг, великолепный график Николай Кузьмин, высоко ценил метод работы Милашевского: «Дело не только в материале, а в подходе. Работая углем, можно легко исправить ошибку, ведь уголь легко стирается. А вот тушь требует полной концентрации, без права на ошибку».
С XIX века стали популярны металлические перья, позволяющие создавать тонкие и равномерные линии. Работая с тушью, художники могли использовать не только разнообразные перья, но и кисти. Тушь, как правило, бывает не только черной, но и различных оттенков коричневого. Еще в древности люди узнали, как использовать чернила, выделяемые каракатицей в ситуации опасности. Когда эту жидкость разводили с водой, получали натуральные оттенки — от темно-коричневого до светло-палевого. Эта загадочная субстанция впоследствии обрела название «сепия». В XIX веке сепию начали синтезировать химическим путем, что сделало ее доступной для художников и позволило экспериментировать с текстурами и цветовыми решениями.
Тонко перемолотые остатки сгорания, смешанные с легким раствором растительного клея и затем прессованные, известны под названием «соус». Этот рисовальный материал обрел популярность в конце XVIII — начале XIX века. Соус отличается глубокими тонами и бархатистой текстурой, что позволяет ему выделяться среди других графических средств благодаря своему широкому тональному диапазону.
Соус можно использовать как в сухом, так и во влажном виде. При сухом способе палочку необходимо растереть о шероховатую поверхность бумаги, затем с помощью растушки (скатанного из замши инструмента) следует аккуратно наносить полученную пыль на предварительно выполненный карандашом рисунок. Чаще всего же соус применяют, разводя его водой, что открывает новые горизонты в сочетаниях с другими материалами.
Интересная история связана с появлением силуэта — графической техники, ставшей классикой. В 1757 году, во времена строгой экономии при дворе Франции, Этьен де Силуэтт, назначенный генеральным контролером финансов, стал использовать тени для украшения стен своего замка. Он обводил тени гостей черной краской, и так родился новый вид искусства — силуэт.
Исходя из иллюстрации Елизаветы Кругликовой, которая изображает сцену в кафе, можно заметить выразительность, которой полны ее работы. На этом произведении, удостоившемся рассказа Алексея Толстого, узнаем и самого писателя с рюмкой в руках, и поэта Максимилиана Волошина, а также саму художницу в мужском костюме рядом с другой дамой.
Возможно, вы уже слышали о «цветовых» возможностях пастели. Но справедливой ли будет мысль о том, что акварель обязательно должна быть краской для живописи? Обычно считается, что акварель прекращает быть графикой, когда цвет наносится легко и прозрачно на бумагу. Но на самом деле это не так. Цвета в аквареле взаимодействуют с бумагой на графическом уровне.
Виктор Борисов-Мусатов, как и многие художники своего времени, стремился к созданию декоративных панно. Эпоха модерна предлагала новые концепции, где искусство и жизнь были неразрывными. Хотя эти масштабные задумки не были реализованы, они оставили неизгладимый след в искусстве своего времени.
Современные художники не могут не восхищаться тем, как акварель, вне зависимости от ее состояния — будь то твердая, полутвердая или мягкая — способна объединять элементы живописи и графики. Благодаря своей гибкости, акварель легко перетекает из одной области искусства в другую, сплетая их воедино.
Невозможно не вдохновиться акварельными эскизами, которые словно медитируют на грани живописи и музыки. Художник стремится найти гармонию между линией и цветом, анализируя линейные ритмы, которые придают мелодичность его творению. В "Сне божества" ощущается печаль от меланхоличных оттенков и плачевного движения линий. Тонкое, полупрозрачное акварельное покрытие, прерывающееся островками белизны бумаги, просто идеальный инструмент для раскрытия глубокомысленной тематики.
Интригующая черная акварель, известная также как ламповая копоть, позволяет добиться изысканной гаммы тональных переходов, создавая загадочную, вибрирующую атмосферу. Приглядевшись к этому листу, видно, как ритмика рисунка и гармония плавных линий, что перетекают в уютные бархатные тени, подобны размеренной музыке поэтической строки.
Акварель можно наносить экономно, извлекая максимальную выразительность с помощью слегка влажной кисти, что даст эффект ткания «по-сухому». Можно же полностью увлажнить лист и дать волю воображению на мокрой поверхности.
Гуашь, в переводе с итальянского и французского означающая «водяная краска», представляет собой эволюционный шаг от акварели. Эта техника зародилась, когда для улучшения укрывистости красок в водяные составы начали добавлять белила. Гуашь изготавливают из тонко размолотого пигмента, смешанного с водным клеем, например, крахмалом, что уже довольно давно нашло свое применение в различных регионах мира, начиная с азиатских мозаик и заканчивая миниатюрами средневековой Европы. В основном гуашью пользовались для эскизов, картонов, надделок на рисунках, а за портерными миниатюрами она закрепила восхитительное качество уже в конце XIX — начале XX века.
Что касается монотипии, этот метод предлагает уникальность в каждой работе. Получение монотипии осуществляется через отпечаток: краска наносится на ровную поверхность, как например, металлическая доска, а затем, благодаря давлению на прессе, создается единственный уникальный отпечаток. Монотипия впечатляет тонкостью цветовых комбинаций и напоминает акварель по своему налету и легкости, применяясь в том числе и в сочетании с офортами.
Елизавета Кругликова, исповедуя творческий эксперимент, решает поиграть с матовой текстурой масляных красок и фактурой бумаги. Наступление Первой мировой войны невольно отражается на ее работах, наполняя их беспокойством и тревогой. Вертикали танцующих фигур в сочетании с "бегущими" гирляндами света нагнетают нервозность всей сцене, в то время как небесно-голубые и переливчатые оттенки создают ощущение ирреальности.
Ещё информация - Если вы хотите узнать больше о мире искусства и антиквариата, присоединяйтесь к нашему телеграм-каналу «Раритет: Искусство и Антиквариат».
Здесь вас ждут уникальные истории о шедеврах и редких находках!