«Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей»
Лавиния Фонтана, 1605
Частная коллекция
О флорентийке Бьянке дели Утили известно не очень много. Но благодаря Лавинии Фонтане мы знаем и её внешний вид, и кое-какие детали жизни её семьи.
На семейном портрете пятеро сыновей чётко разделены по характеру. Трое непосед по левую руку от матери бриты наголо и вертятся, мешая портретистке. По правую же двое мальчиков со стрижками ведут себя куда пристойнее и послушнее.
Ближе всего к матери дочка, которая держится за лапку собачки на руках Бьянки. Собака — символ супружеской верности и преданности. У мальчиков же в руках — символы их будущих занятий: перо с чернильницей, поднос с фруктами, медальон с фигурой рыцаря...
Кстати, на картине — не все дети Бьянки. Она умерла в 37 лет, родив 19-го (!) ребёнка. По сравнению с ней саму художницу можно назвать чайлдфри: подумаешь, всего 11 чад за 61 год произвела на свет. Хотя из них мать пережили всего трое. XVII век, знаете ли.
«Юдифь, обезглавливающая Олоферна»
Артемизия Джентилески, 1614-1620
Музей Уффици, Флоренция
У женщины в Италии XVII века был не слишком большой выбор жизненного пути. Фактически, она могла быть либо женой и матерью, либо монахиней. Но Артемизия Джентилески сумела пробить эти рамки и стать художницей.
Но у неё была фора: её отец Орацио тоже был художником, так что к живописи Артемизия имела отношение с детства. Но дальнейший путь был тяжёлым. Учитель Агостино Тасси обесчестил её, и лишь долгий и мучительный суд сумел восстановить репутацию девушки.
Возможно, поэтому многие её картин показывают женщин либо, подвергающихся насилию, либо героических. Библейская история Юдифи, убившей полководца ассирийских захватчиков Олоферна, встречается на многих картинах. Но у Джентилески эта сцена отличается особой яркостью, эмоциональностью и натурализмом.
Рука Юдифи крепко держит волосы, а на лице сосредоточенность и мрачное удовлетворение. Она точно знает, что делает и зачем.
«Женщина с мандолиной»
Тамара де Лемпицка, 1929
Частная коллекция
В 1925-м в Париже состоялась Международная выставка декоративного искусства и художественной промышленности. Её название дало имя новому течению в искусстве: ар-деко — art deco, «декоративное искусство». На этой выставке взошла звезда художницы и светской львицы Тамары де Лемпицкой.
Тяга к роскоши, беспорядочные любовные связи с обоими полами, эстетизм и эмансипированность — Лемпицка была воплощением поколения флэпперов (свободных и раскованных девушек «ревущих двадцатых»).
Сюжет сегодняшней картины перекликается с «Автопортретом с лютней» Артемизии Джентилески — художницы, которую можно было бы назвать эмансипированной по меркам XVII века. Но в качестве модели Лемпицка взяла не себя, а свою подругу и любовницу Иру Перро.
Портрет, как и стиль ар-деко, эклектичен. Здесь кристаллические грани кубизма сочетаются с величественностью неоклассики и условностью пространства, характерной для абстракционизма.
«Юность»
Татьяна Яблонская, 1969
Национальный художественный музей Украины, Киев
Эта картина выбивается из канонов соцреализма. Здесь нет румяных колхозниц на страде и мускулистых пролетариев у доменных печей. Стоит себе парень на пригорочке спиной к нам и смотрит на озерцо. А мы смотрим вместе с ним.
Подобная безликость характерна для Магритта. И атмосфера здесь по-магриттовски загадочна. Хотя всё на виду: светлые изумрудные холмы, зеркальная гладь воды, в которой отражается ясное небо… Но чувство недосказанности и тайны сохраняется.
Картину Яблонская написала в Черниговской области (пгт Седнев). Художница рассказывала, что парень на картину пришёл сам. Она заканчивала писать пейзаж, когда со стороны спортлагеря пришёл юноша с рюкзаком и стал рассматривать озерцо. Фигура на фоне ставка смотрелась так остро и свежо, что Яблонская попросила его попозировать.
Когда художница закончила, случайный натурщик хмыкнул: «Может и шедевр выйдет». Как в воду глядел!
«Кувшинки»
Слава Рашкай, 1899
Современная галерея, Загреб
Путь женщин-художников до прошлого века был труден. А уж если девушка родилась глухой... Пожалуй, родись Слава Рашкай в бедной семье, Хорватия лишилась бы одной из своих лучших художниц.
К счастью, мать Славы управляла почтой в городе Озале. Именно она привила глухой девочке любовь к рисованию и отправила 8-летнюю Рашкай в Вену в школу для глухих детей.
В 1896-м Слава уехала в Загреб и стала ученицей живописца Белы Чикош-Сесии. Вместо студии она рисовала в местном морге. Большинство её работ того времени были мрачными натюрмортами.
Позже Рашкай стала выходить на пленэр в Загребский ботанический сад. Именно там у маленького озера она написала сегодняшнюю картину. Пленэрные работы художницы роднят её с импрессионистами, передают её впечатления от природы.
В 1900-м у Славы обнаружили симптомы депрессии. Через три года её госпитализировали в психбольницу. Она перестала рисовать и в 1906-м умерла от туберкулёза.
«Натюрморт с сырами, артишоком и вишнями»
Клара Петерс, 1625
Музей искусств округа Лос-Анджелес
О жизни Клары Петерс известно мало. Родилась в Антверпене, там же вступила в Гильдию Св. Луки (цех художников), переехала в Гаагу. Даже дата смерти не установлена точно.
Женщины-художницы в XVII веке были скорее исключением из правил. Клара происходила из достаточно зажиточной семьи — это видно по богатой посуде на её картинах. Видимо, поэтому она смогла стать профессиональной художницей.
Натюрморты Петерс были очень точны и детальны. На сегодняшнем натюрморте видны следы зазубренного ножа на бруске масла и отражения вишен и артишока в серебре тарелки.
Натюрморты часто показывали роскошь и достаток, изображали изысканные блюда и деликатесы. Но здесь мы видим протестантскую скромность. Сыр и масло — национальная гордость Голландии, они доминируют на картине. А съеденная вишня, от которой остались лишь черешок и косточка, напоминает о быстротечности жизни.
«Весна. Белые испанки»
Наталья Гончарова, 1932
Третьяковская галерея
Двоюродная правнучка жены Пушкина, любимая художница Марины Цветаевой, жена Михаила Ларионова. Яркость цвета и грубые формы авангарда — почерк Натальи Гончаровой. Однако на этой картине известной русской художницы царят нежность и лёгкость.
Наталья Гончарова долго путешествовала по Испании, и образ испанских танцовщиц вдохновил художницу на многие работы. Эскизы и картины, вдохновлённые испанской культурой, впоследствии превратились в декорации к нескольким балетам, в том числе «Испания» и «Триана».
На этой же картине девушки и цветущие деревья образуют одно целое, передавая духовность и юность весны. Пальцы девушек сложены в традиционно религиозных жестах, а девушка в красном платье держит молитвослов. Их наряды вторят по цвету лепесткам, и здесь читается послание: чистота души подобна красоте цветущего сада.
«Автопортрет в бархатном платье»
Фрида Кало, 1926
Частная коллекция
В Препаратории студентка Фрида Кало стала участницей группы студентов-бунтарей, которые называли себя «Качучас» («Кепки»). Они вели интеллектуальные дискуссии, читали русскую классику, спорили и выступали против всего устаревшего и консервативного.
Лидер группы Алехандро Гомес Ариас стал первой любовью Фриды. 17-го сентября 1925-го они вместе ехали в автобусе, который попал в жуткую аварию. Позвоночник 19-летней девушки был сломан в трёх местах, таз раздроблен, переломы были по всему телу. После аварии Фрида выжила, но год провела в постели.
Именно тогда, чтобы убить время, она начала рисовать. Сегодняшний автопортрет — её первая работа после аварии. Тогда она думала, что умрёт, что бесконечные операции не помогут.
Художница боялась не смерти, а того, что уйдёт в ничто, не оставив после себя никакого следа. Фрида посвятила картину Алехандро и отправила ему, чтобы остаться в его памяти именно такой.
Больше постов читайте в телеграм-канале @ArtGallery