Виды картин в эпоху Возрождения

Продолжаем рассматривать отличие Северного Возрождения от итальянского Ренессанса. Начало истории в этих статьях: часть 1 и часть 2.

Сегодня обсудим разницу в типах изображений.

Алтари

На севере Европы особенно любили создавать триптихи – трехчастные изображения с центральной панелью и двумя подвижными створками. Такие алтари бóльшую часть года стояли в закрытом виде (на оборотной стороне тоже были изображения) и только по воскресеньям и праздничным дням триптихи раскрывали и верующие поражались роскоши образов и мастерству живописцев, их создавших.

Ян ван Эйк. Дрезденский триптих, 1437. Галерея старых мастеров, Дрезден

В Италии предпочитали многочастные изображения (полиптихи) или одно крупное изображение. Даже если подразумевались створки, то они были недвижимыми – ничего не открывалось/не закрывалось, изображение всегда было перед глазами верующих одним большим панно.

Доменико Венециано. Мадонна и дитя со святыми. Ок. 1445. Галерея Уффици, Флоренция

Поэтому в нидерландской живописи на боковых створках можно увидеть святых и донаторов (заказчиков алтаря), а на центральной части только главных персонажей и самые сакральные сюжеты. В случае с итальянскими алтарями, все герои и сцены располагались на одном панно.

Дева Мария с Младенцем

Образ Девы Марии с Младенцем в живописи нидерландских мастеров опять же тесно связан с алтарями-триптихами.

Изначально такие алтари были резными и их украшали деревянные или каменные скульптуры. Поэтому образы многих святых, в частности, Девы Марии с Младенцем, созданные уже в красках, все равно напоминали о традициях прошлого.

Рогир ван дер Вейден. Мадонна Дюран, ок. 1435–38. Музей Прадо, Мадрид. Филиппо Липпи. Мадонна с Младенцем. Между 1440 и 1445 гг. Национальная галерея, Вашингтон

Присмотритесь к образу Рогира ван дер Вейдена. Дева Мария сидит в нише на постаменте, складки ее одеяния крупные и бесформенные, сам образ монументален – прямая связь со скульптурным оформлением готических соборов здесь очевидна.

В Италии образ Девы Марии был менее застывшим, более реалистичным не только по изображению самой святой, но и по выражению эмоций – ее взгляд полон материнской любви и заботы, а также грусти и тоски из-за грядущих страданий Христа.

Портрет

На что обязательно нужно обратить внимание при сравнении портретов:

• раскурс. Северные художники выбирали поворот в 3/4, итальянцы заимствовали такой ракурс у своих коллег, а изначально писали портреты в профиль (по типу медалей и монет с профильными изображениями древнеримских императоров);
• фон. Нидерландские художники выбирали пустой темный фон, чтобы ничто не отвлекало взгляд зрителя от изображенного на портрете. Итальянцы в качестве фона писали пейзаж (с владениями портретируемого), интерьеры, а также открытые террасы и лоджии (совмещение архитектурного и пейзажного фонов);
• реалистичность. Итальянцы идеализировали героев своих портретов, отчего те часто кажутся безжизненными куклами. Для нидерландских художников важно было передать мельчайшие детали в образе, добиться невероятной реалистичности со всеми бородавками, морщинами и волосами. Но главными для северных художников были глаза как зеркало души, в которых можно прочитать всю историю человека, его мысли и чувства.

Ханс Мемлинг. Портрет Марии Барончелли, 1470-1472. Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Доменико Гирландайо. Портрет Джованны Торнабуони, ок. 1490. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид

Понравилась статья? Поддержите канал лайком и подпиской. Спасибо! ♥

Еще больше искусства:

• Сайт: https://artstudiolo.com/
• Instagram: https://www.instagram.com/artstudiolo
• Telegram: https://t.me/artstudiolo
• YouTube: https://www.youtube.com/@artstudiolo
• RuTube: https://rutube.ru/channel/48924131/

• Записаться на индивидуальные занятия по истории искусства: https://forms.gle/p3YaMLRocjjZrSV66