Автор статьи: Искусствовед и художник, Елена Речицкая. 10.12.2024 г.
История «звонкой гжельской сказки», в сине - белом популярном виде, к которой так привык наш глаз началась с середины 20 века, а именно с приходом увлечённых своим делом профессионалов, и как сказали бы раньше, подвижников, искусствоведа А.Б. Салтыкова (1900-1959) и художника Н.И. Бессарабовой (1895-1981). По сути, они не только возродили заново гжельское ремесло в послевоенные годы, но и можно смело сказать, что они создали все то, что мы сегодня знаем под названием «Гжель».
Поэтому только начиная с 50-х годов советского периода можно говорить, о так называемом, «гжельском каноне», который конечно формировался от самых истоков керамического производства Гжели. Причём, не только роспись претерпела огромные живописные изменения, но и материал на котором мастер создавал декор. Здесь важно подметить, что материал в гжельской росписи являет собой не только белый черепок, но и полноценно участвует как цвет, без которого не выявить всю красоту синей гжели.
Именно тогда, возрождая ремесленный промысел, А.Б. Салтыковым была разработана специальная «Азбука мазков» - методика художественной росписи, которая помогла не только восстановить утраченное производство, но и обогатить новыми творческими навыками мастеров прошлого.
Как же все начиналось?
У мастеров прошлых веков безусловно имели место принципы, преемственности, которые передавались из поколения в поколение. Эти принципы служили основанием для создания керамики, позволяя сохранять традиции и передавать знания о технологиях, приёмах и орнаментальных сюжетах.
Однако, чтобы возобновить производство Гжели в послевоенный период начиная с 1944 года, этого оказалось мало. По факту живописцы не смогли выполнить гжельскую роспись, которая была разработана для них в художественной лаборатории. К сожалению, степень владения ими техническими навыками оказалась недостаточной. В кистевых приёмах письма и в стилевых мотивах сложился разнобой и примитивность.
Но, почему так произошло?
Давайте посмотрим из чего же складывалась гжельская роспись, из каких её основных приёмов должен был возродиться тот промысел, который мы сегодня называем гжелью.
Первым в истории Гжели опыт с гончарным производством был связан с майоликой в 1770-1790-е годы, когда крестьяне в небольших домашних мастерских делали майоликовую посуду. Это были изделия из цветной глины с толстым пористым черепком, который покрывали белой непрозрачной эмалью и «по сырому» наносили многоцветную роспись теми же эмалевыми красками.
Посмотрите, насколько самобытны майоликовые изделия. В основе декора присутствует сюжетная и орнаментальная роспись исполненная в пять красок с оттенками. Такие пластические и живописные приёмы сильно отличаются от тех которые возникнут много позже.
Второй опыт обозначился на рубеже 18-19 веков, когда пришла мода на сине - белый европейский фаянс. В этот период в Гжели происходит переход от майолики к новому материалу, который гжельцам удалось произвести на основе серых глин, но уступавшем, однако, своими качествами фаянсу. Так в Гжели начали производить полуфаянс. Применялась как подглазурная так и надглазурная техника росписи. Мастера применяют новый одноцветный тип росписи синим кобальтом с оттенками и градациями цвета.
Эволюция техники росписи которую мы с вами можем наблюдать, все это единый последовательный историко-художественный процесс, который продлится вплоть до появления фаянса и позже до появления фарфора, когда и произойдет открытие сегодняшней росписи.
А пока начиная с конца 19 - начала 20 века в Гжели будет происходить поэтапный упадок из-за нарождающейся большой конкуренции заводов и фабрик, особенно находящихся по близости двух крупных фирм Кузнецовых. Так вот народное художественное творчество Гжельских мастеров стало угасать и к приходу Октябрьской революции по сути, приостановилось. Роспись сводилась к простым растительным орнаментальным движениям и незамысловатым рисункам «агашками». Гжели грозило разорение, но она продолжала свой путь. И на этом пути были утеряны многие секреты и тонкости, в том числе роспись подглазурным кобальтом.
Лишь, в послеоктябрьский период в 20-х годах 20 века в Гжели начинают работать отдельные гончарные мастерские. В 1929 году стали производить игрушки из красной глины с росписью по белой эмали. В 1931 году открывается профтехшкола, преобразованная в дальнейшем в керамический техникум. Начинают отстраивать цеха, стали выпускать вазы и статуэтки. Гжельская игрушка приобретает все больший спрос и становится элементом подражания у других гончарных фабрик.
В период с 1934 по 1941 год в Гжели наблюдается творческий поиск и интерес к прошлым истокам и национальным традициям. Работы ведутся по инициативе вышеупомянутого искусствоведа А.Б. Салтыкова с которым связана вся научно-исследовательская деятельность к воссозданию прежних традиций гжелького промысла. Но, к сожалению, эту работу на долгие годы пришлось остановить, в мир пришла Великая отечественная война.
Третий опыт в истории Гжели начался уже в послевоенные годы в период с 1945 по 1949 год, а именно возрождение Гжели как центра художественных промыслов. Основателями живописного начала «новой» гжели стали искусствовед А.Б. Салтыков и художник Н.И. Бессарабова. Это достаточно большой путь преобразований от первых шагов начатых с гончарного производства майолики и до нынешнего разнообразного ассортимента фарфоровых изделий, обладающих теперь узнаваемым уникальным стилем.
Почему синий кобальт победил царство полихромной живописи?
В условиях послевоенных лет, когда нужно было восстанавливать города, деревни, села и различные предприятия промышленности, когда производства требовали скорейшего освоения и выпуска новой продукции во всех областях, то проще всего было идти по пути «минимализма», назовём его так. Предложение взять за основу синий кобальт созвучный дельфтским образцам, пользующимся спросом как в Европе так и в России, было самым приемлемым на тот момент вариантом.
И это, действительно, верный путь по которому повели за собой гжельских мастеров Бессарабова и Салтыков. Но, как мы помним в художественной артели не осталось мастеров способных повторить разработанные приёмы письма.
Стало естественно понятным, что необходима методика по воссозданию утраченного опыта и обретению мастерства. Нужно было в первую очередь обучить мастеров технике и приёмам, без которых не могло быть «нового искусства».
С чего начинается Гжель?
Возрождение художественной гжели началось с написания прописей состоящих из основных мазковых элементов используемых в росписи по фарфору. За основу были взяты гжельская майолика и полуфаянс расписанный мастерами XIX века, по образцам которого Салтыков и создал «азбуку гжельских мазков».
Теперь стояла задача обучить мастеров новому искусству мазкового творчества. Но, Александр Борисович Салтыков искусствовед, исследователь и художественный руководитель, а не мастер. И, чтобы передать всю специфику работы с материалом и технику росписи нужен профессионал, способный научить.
Счастливым случаем для предприятия «Гжель» стало содружество с художницей Натальей Ивановной Бессарабовой. С 1944 года она работала в Лаборатории керамики научно-исследовательского института, куда пришла уже сложившимся мастером, имея за собой опыт живописца, скульптора, театрального декоратора и художника по костюмам.
И вот, таким образом, начиная свой новый этап в творческой жизни, Бессарабова связывает его с миром сине - белой гжели. Она начинает обучать мастеров росписи фарфора по «салтыковской азбуке мазков», которые станут «родовой приметой» Гжели.
Как же выглядела эта "азбука мазков"?
Существовало несколько приемов, по которым сначала все мазки наносились плотным слоем образуя на поверхности черепка яркий синий цвет, контрастный белому материалу изделия. В этом случае очень важным было соотношение синего и белого.
Другой приём был основан на одном наборе краски на кисть с последующей росписью нескольких элементов рисунка. Тогда каждый последующий мазок будет отличаться своей насыщенностью цвета от предыдущего в зависимости от того, как расходуется краска набранная на кисть. Этот приём чаще всего использовали при изображении многолепестковых цветков или веточек стилизованного папоротника. Таким образом, одноцветное изображение обретает богатое тональное звучание придавая росписи особую мягкость.
И наконец, характерное своеобразие гжельской росписи определил «мазок с тенями» или более правильно будет сказать «мазок с переходом» от тёмного к светлому. Это стало «визитной карточкой» Гжели.
Краска набирается на одну сторону кисти и наносится на изделие с подкручивающим круговым движением. Рисунок приобретает равномерные тончайшие градации от тёмно - синего, почти чёрного к светло - голубому, почти белому переходящему к цвету самого фарфора и растворяющегося в нём.
В итоге, понадобилось целое десятилетие упорных совместных «тренировок» с Бессарабовой, чтобы постигнуть тайные секреты мастерства гжельской росписи. Вплоть до 1948 года художественная артель не могла массово выпускать фарфор. Однако постепенное обновление производственной базы, включая материалы и прежнее кустарное оснащение, способствовало потоку изделий на производстве.
Так, с 1955 года гжельские расписные изделия начинают тиражироваться более сотен и даже доходят до тысячи штук. Стали появляться скульптуры с росписью солями и золотом. Гжель начала обретать силу и проявляться из небытия.
Без овладения всеми техническими средствами и живописными приемами не могло бы возникнуть то искусство, которое мы наблюдаем сейчас в Гжели. Технология и культура мастерства которая сформировалась постепенно у гжельцев опирается на школу «бессарабовского» учения возникшую в советский период жизни Гжели.
В чём главная мысль автора?
Истоки промыслов важны как и традиции передаваемые из поколения в поколение для опоры и дальнейших шагов. Но, ещё более важно чувствовать дух времени, его культурный код, чтобы не было застоя и стагнации. Каждому живописцу идущему по пути продвижения народных художественных промыслов необходимо задаться вопросом, "а могу ли я привнести что-то новое, отвечающее моему времени?" В этом и состоит суть развития и совершенствования наших традиционных ремёсел. И более того, их жизнь заключена в инновационном подходе.
Автор статьи: Искусствовед и художник, Елена Речицкая. 10.12.2024 г.