Когда я впервые начал изучать историю искусства, я помню, что прежде всего хотел понять одну вещь. Я хотел узнать сроки . Другими словами, великая история одного стиля, за которым следует другой: романтизм, импрессионизм, постимпрессионизм, кубизм и так далее.
У меня было ощущение, что история искусства подобна эстафете художников, каждый из которых передает эстафету от одного к другому, выстраивая причинно-следственную цепь истории и развития.
У меня были и другие вопросы: что такое «барокко» и возникло ли оно до или после эпохи Возрождения? На самом деле, если подумать, что такое Ренессанс? «Классика» относилась к классической музыке или к чему-то другому? В чем разница между «современным искусством» и «современным искусством»?
Но первое, что я сделал, чтобы удовлетворить свое любопытство, это нашел список художественных течений и записал его так, чтобы он закрепился в моей памяти. Это было примерно так:
- Средневековое искусство
- Ренессанс 1300–1600 гг.
- Барокко 1600–1730 гг.
- Рококо 1720–1780 гг.
- Неоклассицизм 1750–1830 гг.
- Романтизм 1780–1880 гг.
- Импрессионизм 1860–1890 гг.
- Постимпрессионизм 1886–1905 гг.
- Экспрессионизм 1905–1930 гг.
- Кубизм 1907–1914 гг.
- Футуризм 1910–1930 гг.
- Ар-деко 1909–1939 гг.
- Абстрактный экспрессионизм 1940-х годов
- Современное искусство 1946 — настоящее время
Простая структура, подобная этой, необходима для того, чтобы сориентироваться в начале. После многих лет поисков и размышлений об искусстве я все еще возвращаюсь к этому списку.
С чего вы на самом деле начинаете?
Правда в том, что никто не начинает думать об истории искусства, не познакомившись сначала с искусством. Возможно, это была капельная живопись Джексона Поллока. Возможно, это было посещение Сикстинской капеллы в Риме. Может быть, кто-то дал вам открытку с картиной Клода Моне на обложке.
Как-то где-то разгорается интерес. Я подчеркиваю это, потому что все мы подходим к истории искусства с какой-то точки зрения, и именно с этой точки зрения мы, вероятно, будем строить нашу ментальную карту того, как различные стили искусства и, в конечном счете, отдельные художники сочетаются друг с другом. Это также то, как предубеждения могут проникнуть в наше понимание, даже если мы этого не хотим. Но давайте пока не будем об этом беспокоиться…
Что касается меня, мой интерес вспыхнул однажды, когда в возрасте 16 лет мой учитель рисования в школе отвел меня в сторону и спросил, слышал ли я когда-нибудь о художнике по имени Василий Кандинский. У меня никогда не было. Поскольку мои собственные картины в классе начали двигаться в сторону абстракции (хотя я на самом деле не собирался этого делать), мой учитель рисования подумал, что Кандинский может меня заинтересовать.
Я последовал его совету и пошел в школьную библиотеку, где нашел книгу, посвященную русскому художнику. Я никогда не видел ничего подобного. Кандинский был русским, который провел большую часть своей взрослой жизни в Германии, где преподавал в Школе искусств Баухаус . Как художнику ему приписывают создание одних из самых первых чисто абстрактных работ в западном искусстве.
Чтобы поделиться здесь, я выбрал произведение под названием « Желто-красно-синий » , которое Кандинский написал в 1925 году.
Когда я впервые посмотрел на эту картину, мне особенно понравилась большая черная лента, которая спускается вдоль правой стороны, как река или тропа между вершинами холмов. Мне также понравилось, как разные оттенки цвета накладываются друг на друга, пересекаясь и комбинируясь, образуя новые формы внизу. Я действительно понятия не имел, что «значит» эта работа. Мне просто нравилось смотреть на взрыв цвета и формы, появляющийся и исчезающий в странной театральной драме.
Следующие шаги
Если бы мы хотели поместить Кандинского во временную шкалу художественных движений, перечисленных выше, то он бы находился внутри движения, известного как экспрессионизм (около 1905–1930). Экспрессионизм зародился в Германии в начале 20 века, в основном через поэзию и живопись. Такие художники, как Кандинский, использовали искаженные формы и яркие цвета, чтобы вызвать настроение или тревогу. Для Кандинского субъективность искусства имела духовное качество. Цвета могли влиять на глубокие эмоциональные реакции зрителя. Живопись, писал он, «может развивать ту же энергию, что и музыка».
Таким образом, мы можем с комфортом отнести Кандинского к движению экспрессионизма. На этом мы зашли так далеко, но, классифицируя Кандинского, мы также рискуем скрыть некоторые важные истины.
Например, тот факт, что у него была собственная карьера, где его работы принимали разные формы, когда он общался с разными художниками в разных европейских городах. Кроме того, экспрессионизм сам по себе является общим термином, который охватывает множество разных художников с разными стилями, как абстрактными, так и фигуративными.
Я делаю это для того, чтобы проиллюстрировать тот факт, что искусство создается среди реальных обстоятельств и что обобщения полезны лишь до определенного момента. Таким образом, следующий полезный шаг для историка искусства при рассмотрении произведения искусства — начать формировать ощущение времени и места, специфичное для данного произведения искусства и художника. Есть всевозможные способы сделать это. Например, можно начать с размышления над следующими вопросами:
- Были ли у художника друзья или современники, которые могли повлиять на стиль произведения?
- Был ли у художника учитель или он пришел из традиции?
- Писал ли художник о своих работах?
- Какие материалы были доступны художнику в то время?
- Был ли художник мужчиной или женщиной, и мог ли ответ иметь отношение к виду искусства, которое они могли бы создать?
- Может ли раса или другие особенности личности художника играть роль?
- Выставлялись ли работы на публике, и если да, то какова была реакция первых зрителей?
Эти вопросы ни в коем случае не являются исчерпывающими, но они, возможно, указывают на реальность любого творческого процесса: все художники работают в определенном контексте со всеми возможностями и ограничениями, которые этот контекст может повлечь за собой.
История интерпретация
Я помню, когда-то давно вел с кем-то дискуссию о природе истории. Я помню, как сказал, что «История — это в значительной степени вопрос интерпретации», на что другой человек ответил что-то вроде: «Конечно, нет. Разве история не о фактах того, что произошло на самом деле?»
Эта идея о том, что история состоит из фактов, а не интерпретаций, кажется особенно уместной в истории искусства, поскольку произведения искусства находятся перед нами, даже если художник давно умер. Но на самом деле то, как мы взаимодействуем и понимаем искусство, во многом зависит от того, как создавалось повествование об истории искусства.
Есть бесчисленное множество способов исследовать это, но я остановлюсь на одном хорошо известном примере.
Я не сомневаюсь, что вы слышали о Ренессансе. Проще говоря, Ренессанс был периодом времени, сосредоточенным главным образом вокруг Италии, когда искусство процветало под концентрацией покровительства и подстегнулось повторным открытием текстов древнего мира Рима и Греции, чья литература, обучение, а политикой восхищались как эпохой высоких достижений.
Эпоха Возрождения включала в себя некоторых из самых известных художников истории, в том числе Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело. Одним из основных источников исторических подробностей о художниках того времени является книга под названием «Жизнь художников », серия биографий художников, написанная итальянским художником и архитектором 16-го века по имени Джорджио Вазари .
Книга обычно считается первым исследованием истории искусства. Он чрезвычайно подробен и остается полезным даже сегодня для искусствоведов, стремящихся понять развитие западного искусства.
Проблема с этой книгой в том, что Вазари писал с крайне пристрастной позиции, поскольку он был в основном заинтересован в отстаивании Флоренции и Рима как самих центров художественного совершенства, почти не упоминая об искусстве, которое создавалось за пределами Италии.
Вазари использовал в книге трехчастную структуру, примерно соответствующую 14, 15 и 16 векам, чтобы описать, как художники в течение этих трех периодов постепенно заново открывали стандарты древних греков и римлян. Микеланджело рассматривается как высшее выражение обновления, художник, который «восторжествовал над древними художниками, современными художниками и даже над самой природой».
Таким образом, исторический замысел Вазари устанавливает соответствие между течением времени и постоянно растущими художественными достижениями итальянских художников. Поступательный ход прогресса имеет определенное направление, потому что Вазари определяет модель его совершенства.
Сегодня Ренессанс является одним из краеугольных камней искусства, которое У. Дж. Баусма описывает как «традиционную драматическую организацию западной истории». В этой организации Ренессанс является историческим поворотным моментом, завершающим Средневековье и вступающим в современную эпоху. Это «начальная глава в истории, которая ведет к нашему времени».
Другими словами, эффект того, что Вазари писал о своих соотечественниках, должен был способствовать продвижению итальянского Возрождения на возвышенное место высоких достижений во всей истории искусства.
Выводы
Я описал в начале этой статьи свое ощущение, что история искусства подобна эстафете художников, каждый из которых передает эстафету творчества от одного к другому. Как показывает дискуссия о Ренессансе, именно Вазари я, в конечном счете, должен благодарить за свою эстафетную картину истории искусства.
Но всегда ли искусство связано с прогрессом?
Идея прогресса очень привлекательна для историков, потому что она дает простую линейно-повествовательную структуру, историю, движущуюся к идеализированной вершине.
Основная проблема с таким взглядом на историю искусства заключается в том, что он имеет тенденцию быть исключительным, поскольку он принимает узкий взгляд на то, что западное искусство является главной историей истории искусства. Где, например, буддийское искусство могло вписаться в эстафету? Как насчет исламского искусства, турецкого искусства, японского искусства или искусства Западной Африки?
Правда в том, что многие формы искусства по всему миру развивались независимо друг от друга или с минимальным перекрытием. Вазари был итальянцем, живущим во Флоренции, и поэтому интересовался тем, как создавалось прекрасное искусство вокруг него. Это понятно.
Однако мы должны помнить, что вся история искусства имеет уклон в сторону рассказчика. Вот почему это такая интересная тема для изучения. И почему, куда бы мы ни посмотрели, всегда есть что понять в истории искусства.