Вы когда-нибудь задумывались о том, сколько стоит самая дорогая картина в мире? Есть много картин с ценой более 1 миллиона долларов, но есть картины, которые ценник которых устанавливается от 100 миллионов долларов за одну картину. По – настоящему оценить эти шедевры мировой живописи очень трудно-почти все авторы самых дорогих картин, когда-либо проданных, ушли из жизни и никогда не смогут создать что-то подобное. И из-за этого цены на эти картины со временем просто повышаются. Итак, представляем вашему вниманию коллекцию ТОП-10 самых дорогих картин мира.
10. № 5, 1948, ДЖЕКСОН ПОЛЛОК – 140 миллионов долларов
Капельная картина "no: 5" 1948 года была продана Дэвидом Геффеном Дэвиду Мартинесу в 2006 году за 140 миллионов долларов. Это произведение искусства, выполненное на древесноволокнистой плите размером 8 на 5 футов, воплощает уникальную технику капания, используемую Поллоком, одним из величайших художников в стиле абстрактного экспрессионизма. Это типичное произведение Поллока, не очень доступное в мейнстриме, но имеющее основополагающее значение для эволюции современного искусства. Поллока прозвали Джеком-Капельницей из-за его уникальной техники рисования, при которой, положив холст на пол, он наносил краску, капая с палочек, шприцев и твердых кистей.
9. «Шедевр», Рой Лихтенштейн 165 миллионов долларов
Рой Лихтенштейн - один из пионеров культуры поп-арта, который создал мачо-мистический образ американского искусства и создал нечто более реалистичное и относительное. Его самая известная работа-Шедевр (1962) - включает в себя некоторые классические элементы поп-арта, такие как точки Бен-Дэя и речевые шары, установленные в повествовании комиксов. Эта картина была частью первой выставки Лихтенштейна в галерее Ферус в Лос-Анджелесе, где были представлены другие работы, такие как "Тонущая девушка" и "Портрет мадам Сезанн". Теперь некоторые критики отвергли Этот Шедевр как еще одно замаскированное и гламурное произведение, другие считают, что картина имеет какой-то более глубокий смысл. И это то, что мы собираемся здесь рассмотреть. Шедевр изображает мужчину (возможно, художника) и светловолосую женщину, смотрящих на холст, содержание которого не видно зрителю. Речевой пузырь, вытекающий из ее рта, показывает, что она хвалит рассматриваемый “шедевр”, даже называя его чем-то таким, что “весь Нью-Йорк будет в восторге”. Этот художник-человек Брэд фигурирует в нескольких других работах Лихтенштейна (который считает это имя клишированным и достаточно героическим, чтобы стать идеальным героем поп-арта). Шедевр рассматривается как насмешливая шутка, отражающая художественную карьеру Лихтенштейна. Стоическое, торжественное согласие Брэда с блондинкой также можно рассматривать как сатирический комментарий к “горячему молодому художнику”, который больше известен своей внешностью и меньше-своей работой.
8. «Лежащая обнаженная» (1918), Амадео Модильяни 170,4 миллионов долларов
Nu Couché, она же Красная ню или Лежащая ню, - это картина 1917 года маслом на холсте итальянского художника Амедео Модильяни. Nu Couché, часто считающийся великим опусом художника, представляет собой плавное слияние классического идеализма и современной чувственности. Картина обнаженной женщины, лежащей на диване, выглядит эротически реалистично, но обладает сюрреалистической, почти возвышенной красотой, которая застает зрителя врасплох. В этой “колонне нежности” (женщине, описанной Модильяни) нет ничего грубого или вульгарного. Вместо этого она предстает чувственной, возбужденной женщиной в расцвете сил, которая не боится дарить и требовать физического удовольствия. Эта картина, хотя и вдохновлена итальянскими ренессансными изображениями Венеры и других женских фигур, имеет современный оттенок. В отличие от изображений классических произведений искусства, где нагота не используется как метафора или аллегория для установления чистоты женщины. Nu Couché подчеркивает наготу женщины; все ее тело изображено крупным планом сверху и занимает весь холст (только ее руки и ноги не находятся в раме). Гладкая кремовая кожа, сияющая под мягким светом, резко контрастирует с малиновым диваном, который еще больше усиливает очарование дамы. Nu Couché не прославляет женское тело и не принижает его – он просто представляет его таким, какой он есть – охваченным муками страсти - провокационным, непримиримо смелым и плотским.
7. «Алжирские женщины, версия О» (1955), Пабло Пикассо 179,4 миллиона долларов
В 2015 году картина мастера Les Femmes d'Alger Version O была продана за 179,4 миллиона долларов, установив тогдашний мировой рекорд по самой дорогой картине, когда-либо проданной на аукционе. Эта картина является кульминацией серии из 15 работ о женщинах Алжира, завершенных Пикассо, вдохновленных великим испанским художником 19 века Эженом Делакруа. Эта работа прекрасно демонстрирует тенденцию Пикассо создавать работы в винтажном стиле, оставаясь при этом совершенно свежими в подходе и изложении. В равной степени китч, постмодерн и классика, это произведение Пикассо сегодня считается самым важным в руках частного владельца. Это блестящее полотно ярких цветов было создано Пикассо в 1955 году в качестве последней работы в серии из 15 вариаций. Эта серия также была задумана как элегия другу и сопернику Пикассо Матиссу, скончавшемуся в 1954 году. С его игрой кубизма и объединением всех жизненных страстей Пикассо это действительно веха в репертуаре Пикассо. Она была представлена в ретроспективах Пикассо по всему миру.
6. «№6 (фиолетовый, зеленый, красный)» (1951), Марк Ротко - 186 миллионов долларов
Марк Ротко был американским художником русского происхождения и пионером абстрактного экспрессионизма. Стиль Ротко характеризуется использованием больших полотен и горизонтальных полос ярких цветов. Фиолетовый Зеленый Красный неоднозначно назван, чтобы позволить зрителям сформировать свои собственные впечатления. Здесь Ротко использует спартанскую палитру с самыми темными оттенками вверху, символизирующую мучившую его депрессию. Использование ярких цветов в простом узоре иллюстрирует фирменный стиль Ротко передавать интимное послание без использования сюжетов. Это произведение было куплено за 186 миллионов долларов российским бизнесменом Дмитрием Рыболовлевым у швейцарского арт-дилера Ива Бувье в 2014 году. Несмотря на то, что покупка впоследствии была втянута в юридические споры, это произведение все еще остается одним из самых дорогих произведений искусства в мире.
5. «№ 17А» (1948), Джексон Поллок 200 миллионов долларов
Абстрактный экспрессионизм был художественным движением после Второй мировой войны, которое делает акцент на подсознательном и спонтанном творчестве. Работы Джексона Поллока принадлежали к этой школе живописи - его техника капающей краски уходит корнями в творчество Андре Массона, Макса Эрнста и др. Эта абстрактная работа была создана где-то в 1948 году и была опубликована в 1947 году в статье журнала Life, которая сделала картину нарицательной. Выполненный на древесноволокнистом холсте только масляными красками, номер 17А выглядит как беспорядочный мираж узоров и цветов. Однако при ближайшем рассмотрении выделяются несколько слоев картины, которые были потеряны для зрителя с первого взгляда. Имя номер 17А довольно формально и лишено креативности или уникальности. Поллок намеренно уклоняется от того, чтобы называть свое произведение чем - то причудливым- это лишь проливает свет на радикально уникальную природу картины. Случайные паттерны не кажутся такими расплывчатыми, как только вы наблюдаете их вблизи. На самом деле точное движение и художественный контроль Поллока можно проследить по тому, как структурирована картина, капающая маслом. Название картины № 17А резко контрастирует с ее содержанием. Хотя название довольно пресное, узоры, изображенные на картине, совсем не обычные. Критики очень неоднозначно отнеслись к этой картине; она была встречена большим общественным вниманием и поэтому не очень ценилась в мире искусства. Только гораздо позже, в 2016 году, когда картина была куплена миллиардером-коллекционером Кеннетом К. Гриффином примерно за 200 миллионов долларов, номер 17А был возрожден как четвертая самая дорогая картина, когда-либо проданная в истории.
4. «Игроки в карты» (1890 — 1895), Поль Сезанн 250 миллионов долларов
Эта картина держала рекорд самой дорогой в мире до продажи картины "Когда свадьба" в 2015 году. Карточные игроки были куплены катарской королевской семьей у греческого судоходного магната Джорджа Эмбирикоса за колоссальные 274 миллиона долларов в 2011 году. Эта картина-один из тех классических образов, которые вы наверняка не преминете узнать. Это образ, который уже много лет можно увидеть в журнальных столиках, роскошных хороших журналах и учебных программах по истории искусства. Это одна из 5 работ, написанных Сезанном в рамках его постимпрессионистской серии, завершенной между началом и серединой 1890-х годов. На этом культовом изображении изображены два человека с каменными лицами, сидящие за маленьким деревянным столом и играющие в карты. Стиль живописи и использование пастели-классический Сезанн с тонкими выражениями на лицах, прекрасно передающими двух игроков, полностью погруженных в игру. Бутылка вина, поставленная на стол, дополняет впечатляющую, но тонкую детализацию. Возможно, вам будет интересно узнать, что две модели, использованные для картины, были садовником Сезанна и батраком в его родовом поместье!
3. «Когда свадьба?» (1892), Поль Гоген 300 миллионов долларов
Картина Поля Гогена 1892 года в настоящее время является самой дорогой картиной в мире. Его картина "Две таитянские девушки" побила мировой рекорд в феврале 2015 года, когда была куплена музеями Катара у частного швейцарского коллекционера Рудольфа Штехелина за ошеломляющие 300 миллионов долларов! На ней изображены две женщины на фоне природного ландшафта, одна в туземном платье, а другая в миссионерском платье колониального стиля, символизирующем слияние полинезийской и европейской культур. Эта картина была закончена Гогеном около 43 лет, когда он отправился на Таити, чтобы избежать всего условного и искусственного в Европе. Эта картина была взята взаймы в Базельском художественном музее более 60 лет, прежде чем была изъята продавцом из коллекции и продана. Казалось бы, невпечатляющее произведение искусства иллюстрирует подлинность укоренившейся культуры ушедшей эпохи.
2. «Обмен» (1955), Уиллем де Кунинг 300 миллионов долларов
Картина маслом голландско-американского художника Уильяма де Кунинга, принадлежавшего к школе абстрактного экспрессионизма. Эта картина была первым абстрактным пейзажем Кунинга, написанным в 1955 году под влиянием художественного стиля Франца Клайна. Кунинг проводит большую часть своей карьеры, изучая и перерабатывая абстрактные женские фигуры. Только позже он отошел от рисования человеческих форм и отважился воспроизвести абстрактные образы своего окружения в центре Нью-Йорка. Этот обмен был создан в то время, когда как частная сфера художника, так и художественное сообщество в целом претерпевали постепенные, но масштабные изменения. Де Кунинг был финансово стабилен и имел возможность сделать новый выбор – как профессиональный, так и личный. Таким образом, он отходит от своих спонтанных диких картин к более стабильным, трезвым и прирученным пейзажным произведениям. Как и любое абстрактное произведение искусства, даже Взаимообмен на первый взгляд кажется расплывчатым и бессмысленным. При более внимательном рассмотрении обнаруживается несколько слоев картины. Это символизирует переход, который переживала в то время жизнь Кунинга. Потребовалось более 11 лет, чтобы перемена полностью проявилась творчески; этот обмен был лишь первым из многих последовавших пейзажных портретов. Кунинг, известный тем, что яростно нападал на свои полотна и яркие цвета, был приручен к более мягкому, но интуитивному стилю. Этот эстетический и текстурный сдвиг, которому подвергся Кунинг в середине 1950-х годов, также лег в основу сюрреализма, который позже возьмет штурмом 21 век.
1. «Спаситель мира» (вероятно 1499) Леонардо да Винчи 450 миллионов долларов
Спаситель мира якобы был написан Леонардо да Винчи (многие критики считают иначе). На картине изображен Иисус Христос, одетый в ренессансные одежды и дарующий благословение, его правая рука поднята со скрещенными двумя пальцами, а в левой руке он держит хрустальный шар. Стеклянный шар в его руке символизирует хрустальные сферы небес – Христос изображен спасителем мира и владыкой космоса. Леонардо был католиком, но все еще отклоняется от традиционных изображений медных/золотых глобусов с распятием и хрустальной сферой. Некоторые утверждают, что это была сознательная попытка с его стороны связать воедино физический и духовный миры. Любители искусства утверждают, что существует 20 различных вариантов произведения искусства, причем оригинал картины утерян. Одна из таких копий была недавно восстановлена и вновь открыта как оригинальная работа да Винчи многими ведущими учеными. Аргумент, который они представляют, состоит в том, что золотые локоны волос, магазин, пересекающий узел, и два пальца, поднятые, чтобы благословить человечество,-все это классика да Винчи и не встречается в других копиях Сальватора Мунди. У Сальватора Мунди есть довольно увлекательная история "от тряпья к богатству". Нынешние владельцы картины приобрели кусок в очень плохом состоянии – деревянная панель была расколота надвое, а холст, как сообщается, был перекрашен, чтобы скрыть неудачные ремонтные работы! Однако, как бы то ни было, Сальваторе Мунди-последняя из работ Леонардо, и поэтому он очень высоко ценится в художественном сообществе.
Спасибо что дочитали данную статью до конца, ставьте отметки нравится, делитесь своим мнением в комментариях и подписывайтесь на канал.
#искусство #культура #творчество #картины #общество #топ #история #интересныефакты