Об антикварной живописи часто думают с чисто декоративной точки зрения: как о произведении искусства, которое предназначено для демонстрации и восхищения. Но всегда ли это так?
История старинной живописи в галерее Бульвар де Лис прослеживает назначение и эволюцию картин на протяжении веков. При рассмотрении того, как картины могли быть восприняты, когда они были впервые созданы, возникает увлекательная и интригующая история. Далеко не простые декоративные объекты, картины были созданы по множеству различных и сложных причин.
Пещерные творения: самые ранние рисунки
Самые старые известные картины были созданы нашими предками около 40 000 лет назад. Эти первые творения имели форму наскальных рисунков на скалистых стенах с использованием черного пигмента и красной охры.
Хотя эти древние наскальные рисунки выполнены в примитивном стиле, они обнаруживают удивительный уровень натуралистической детализации. Например, в гроте Шове во Франции, который может похвастаться самыми старыми сохранившимися наскальными рисунками в мире, можно различить отдельных животных, включая львов, буйволов, мамонтов и носорогов в дополнение к абстрактному рисунку и геометрическим узорам.
Старинные картины в пещере Шове во Франции, период палеолита.
Есть примеры прекрасных доисторических наскальных рисунков по всему миру, и было сделано много предположений относительно их функции. Что значили эти ранние картины для тех, кто их видел? Кто их увидит? Зачем и кем они были созданы в первую очередь?
Увы, ответы на такие вопросы окончательно неизвестны. Если в этих ранних картинах и есть какое-то значение — а оно, вероятно, есть, — оно остается неуловимым.
Одна теория состоит в том, что картины были созданы для передачи практической информации, такой как размер, внешний вид и следы определенных животных, для целей охоты.
Более свободная, но не менее интригующая идея заключается в том, что ранние наскальные рисунки были созданы с квазирелигиозной целью, животных изображали, чтобы «поймать» их дух перед охотой. С этой теорией связан тот факт, что большинство украшенных рисунками пещер располагались в необитаемых районах, что, возможно, означает, что они использовались в ритуальных целях.
Однако, доказательства остаются неубедительными, и в равной степени возможно, что эти прекрасные наскальные рисунки были созданы просто в результате врожденного человеческого стремления к самовыражению.
Иероглифы и гармония: великолепие египетского искусства
Во всем мире живопись стала развиваться и становиться все более утонченной, как вид искусства. Древние египтяне были одной из первых цивилизаций, полностью изучивших возможности и свободу, которые давала живопись.
Подобно доисторическим цивилизациям, древние египтяне создавали настенные росписи прямо на каменной поверхности. Эти картины, как правило, располагались на стенах храмов и зданий, где их могла видеть большая часть населения.
Обычно роспись на древнеегипетских стенах была графической, исследуя темы и идеи через символизм, а не через реализм. Симметрия была очень важным элементом древнеегипетской живописи, фигуры часто изображались в форме силуэта с жирным контуром.
Сцена на барельефе изображает человека с антилопой, выполнена во времена IV династии
Фрагмент стелы с углубленным рельефом из дворца Эхнатона в Тель-эль-Амарне (Каир, Египетский музей)
Религия и мастерское Средневековье
В 4 веке нашей эры Римская империя начала приходить в упадок. Одновременно христианство становилось все более распространенным, и в 313 году нашей эры римский император Константин стал христианином и официально признал эту религию.
Возникновение христианства оказало глубокое влияние на искусство. Новые амбиции и дух были приданы живописи, и художникам было поручено украшать стены церквей мозаикой, панно и фресками.
Церковь также нанимала художников для украшения религиозных текстов, в результате чего были созданы одни из лучших иллюстрированных рукописей в мире. Под властью церкви после падения Римской империи в Европе было создано множество произведений религиозного искусства.
Фолио 209 v из Линдисфарнских Евангелий, содержащее начало Евангелия от Матфея.
Таким образом, как и в древние времена, в раннем Средневековье художники не имели большой самостоятельности в том, что изображать на своих картинах. Вместо этого церковь поручила художникам как можно яснее передать учение христианства через свои картины.
В частности, в средневековый период запрестольный образ превратился в «тотальное» произведение искусства, сочетающее в себе скульптурный рельеф, архитектуру и живопись. Церковь заказала у величайших мастеров многочисленные работы, многие из которых до сих пор можно найти в церквях по всей Европе.
Посвященные либо определенному святому, либо Деве Марии, либо Христу, запрестольные образы в готическом стиле были произведениями необычайной красоты. Функция этих запрестольных образов заключалась в том, чтобы приблизить зрителей к величию Бога через живописное изображение библейских сцен, помещенное в позолоченную архитектурную раму.
Рождество. Перуджа. 1360-1390
Ясно, что целью этого раннехристианского искусства было нечто большее, чем просто украшение. Скорее, это было религиозное искусство, которое предназначалось для того, чтобы передать сообщение своему зрителю, информируя его о религии, христианстве и славе Бога.
Большая часть раннехристианской живописи была сильно стилизована и нереалистична, особенно в византийский период. Однако к середине 13 века , с появлением готики, средневековая живопись стала более натуралистичной.
В конце 13 века возник интерес к более точному изображению объема и перспективы. Начало этому новаторскому реалистическому движению было положено в Италии итальянским мастером Джотто.
Хотя Джотто все еще выполнял заказы церкви, его работы заметно отличаются по стилю от произведений его коллег-художников. Композиции Джотто были более свободными и выразительными, чем у его предшественников, и заложили основы натуралистического стиля живописи.
Джотто, «Зависть», из Пороков, 1303-5. Фреска, 120 x 55 см, фреска начала XIV века в капелле Скровеньи в Падуе.
Живопись эпохи Возрождения и возвращение классики
К 14 веку Центральная Европа была богаче и культурнее, чем в предыдущие века. Это новообретенное богатство пошло на пользу художникам, которые нашли новых покровителей за пределами церкви. Большинство из них были выходцами из знати, хотя были и меценаты из среднего класса.
Старинная антикварная живопись. Неизвестный художник. «Портрет Иоанна Доброго», около1349 года.
Относительная свобода выражения принесла огромную пользу художникам 14 -го века, которые начали экспериментировать с натурализмом в готическом стиле.
Этот рост экспериментального и творческого искусства привел к стилю Возрождения, который, по мнению многих, представляет собой золотой век живописи.
В Италии Флоренция была первым центром движения Возрождения. Здесь большое значение придавалось симметрии, гармоничным пропорциям и правильности частей, что перекликалось с идеалами древнегреческого и римского дизайна.
Мастера-художники, такие как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джованни Беллини, Тициан, Сандро Боттичелли и Микеланджело Буонарроти, подняли живопись на новые высоты, благодаря изучению анатомии человека, пропорций и перспективы, а также совершенствованию техники рисования.
Сандро Ботичелли, автопортрет, конец 15 века.
Итальянская живопись эпохи Возрождения, больше не связанная требованиями церкви, отражает интеллектуальные и научные инновации, произошедшие в этот период.
После столетий, когда в произведениях искусства преобладали религиозные образы, в эпоху Возрождения светская тематика медленно реинтегрировалась в картины.
Одним из особенно важных событий стало рождение идеи о том, что художники были не только ремесленниками, но и мыслителями.
Это чувство предоставило художникам дополнительную художественную гибкость, и они начали включать в свои картины видения окружающего мира или продукты собственного воображения.
Вдали от Италии в Северной Европе голландские, немецкие и фламандские художники, такие как Ганс Гольбейн Младший, Питер Брейгель, Лукас Кранах и Иероним Босх, использовали другой подход, чем их итальянские коллеги, и писали менее идеализированные и более реалистичные работы.
«Автопортрет» 1542 год, Гольбейн, Ганс (Младший), 23 см на18 см, Галерея Уффици, Флоренция
Антикварная старинная картина Крестьянская свадьба, Питер Брейгель Младший (1564-1638)
Любовь к мелким деталям характеризовала период фламандского Возрождения. Эта техника стала еще более усовершенствованной из-за введения масляной живописи, которая позволила получить более мягкую градацию цветов из-за медленного высыхания и, таким образом, создать очень реалистичные эффекты как в религиозных, так и в натюрмортных картинах.
Антикварная старинная картина «Сад земных наслаждений» Иеронима Босха, начало XVI века.
Как в Италии, так и в странах Северной Европы живопись эпохи Возрождения представляла собой резкий отход от работ предыдущих веков.
Рост более натуралистического стиля в сочетании с большей интеллектуальной свободой, предоставленной художникам в эпоху Возрождения, привел к созданию одних из самых впечатляющих и красивых картин, которые мы когда-либо видели.
Картины больше не должны были изображать христианское учение, вместо этого они могли отражать предметы, связанные с повседневными сценами и людьми.
В результате картины стали популярным дополнением к частному пространству. В то время, как раньше картины в основном существовали в церквях, встроенные в постоянные конструкции, такие как запрестольные образы или стены, в 15 -м веке появились панно, которые можно было перемещать по желанию, что привело к увеличению количества картин в домах.
Разрушая стереотипы: живопись в стиле барокко и рококо
В конце концов, стиль Высокого Возрождения привел к появлению маньеризма.
Живопись маньеризма определяется ее интеллектуальной утонченностью и искусственно удлиненными фигурами, элегантно выполненными в ненатуралистической палитре.
Антикварная старинная живопись «Обращение Савла», 177.5 на 128.5, Пармиджанино, начало XVI века.
Стиль маньеризма доминировал в европейской живописи до прихода барокко в конце 16 века .
Культурное движение в стиле барокко, и особенно живопись в стиле барокко, часто отождествляют с Контрреформацией или католическим возрождением. В целом целью Контрреформации было восстановить центральное положение и господство католицизма в Центральной Европе.
Католическая церковь была ведущим покровителем изобразительного искусства в Европе, и большая часть картин, созданных в этот период, была направлена на укрепление и прославление католической доктрины. Действительно, на Тридентском соборе (1545-1563) было заявлено, что живопись, скульптура и архитектура имеют важную обязанность передавать католическую идеологию.
Таким образом, основная цель искусства барокко заключалась в том, чтобы вызвать сильные эмоции и страсть, в отличие от спокойной рациональности, преобладавшей в период Возрождения.
Живопись в стиле барокко, возникшая в этот период, характеризуется изображением драматических сцен, насыщенным цветом и интенсивным взаимодействием между темными тенями и контрастным светом.
Картины в стиле барокко 17 века обычно характеризуются динамизмом, драматизмом и натурализмом, смелыми цветами и свободными мазками.
Одним из величайших художников эпохи барокко был Караваджо, наследник живописного стиля маньеризма Высокого Возрождения.
Антикварная старинная картина «Музыканты», 1595 год, Караваджо.
Радикальное видение Караваджо религиозной живописи положило начало тенденции к театральным сценам, которые отличались драматическим контрастом между светом и тьмой, известным как эффект светотени. Этот эффект хорошо виден на приведенной выше картине, где Караваджо создает потрясающий контраст между светом и тьмой.
Подход художника к человеческой фигуре, написанной прямо с натуры и эффектно подсвеченной на темном фоне, потряс современников Караваджо и открыл новую главу в истории живописи.
Этот стиль также достиг Северной Европы, где мы находим работы величайших старых мастеров, таких как Рубенс, Рембрандт, Иоганн Вермеер и Ван Дейк.
Антикварная старинная живопись, Ван Дейк, автопортрет, 1622 год.
В то время, как фламандцы предпочитали великие картины на мифологические и религиозные сюжеты, такие как « Самсон и Делила » Ван Дейка, голландский жанр сосредоточился на деликатных эффектах света в сценах повседневной жизни.
Антикварная старинная картина «Самсон и Далила» Ван Дейк, начало 17 века.
Однако, вкус к богато украшенной тяжелой живописи в стиле барокко пришел в упадок и был заменен ярким стилем рококо в 18 веке.
Стиль рококо впервые развился в интерьере и декоративно-прикладном искусстве Франции, достигнув своего расцвета в 1730-х годах.
Живопись в стиле рококо по-прежнему опиралась на вкус к замысловатым узорам и сложным формам, свойственный для барокко, но включала ряд других стилистических приемов, такие как экзотические образы и асимметрию.
Работы французских мастеров Ватто, Буше и Фрагонар воплощают прекрасный стиль рококо с его акцентом на легкомыслии и чувственных удовольствиях.
Антикварная старинная картина «Качели», Жан-Оноре Фрагонар, 1767 г.
Гармония и хаос: неоклассицизм и романтизм
К 1785 году рококо вышло из моды во Франции, уступив место порядку и серьезности неоклассицизма.
С началом индустриализации, ростом буржуазии и новыми научными открытиями рациональность снова стала играть важную роль, и многие философы теоретизировали о важности образования и свободы.
Этот период часто называют эпохой Просвещения. Он длился примерно с 1715 года до Французской революции 1789 года.
В это время порядок и разум были заповедями архитектуры, скульптуры и живописи.
Повсюду в Европе возникли академии, и как реакция на излишества стилей барокко и рококо, произошло возвращение к искусству Древнего Рима и Греции, а также к классическим мастерам эпохи Возрождения.
Неоклассическое движение изображало красоту и гармонию мира, подчеркивая гармоничные пропорции и более натуралистическую палитру.
Франция была центром самых больших стилистических изменений, поскольку в стране произошел переход от яркого стиля рококо к строгим неоклассическим картинам современных художников.
Возможно, самым известным из них был Жан-Луи Давид, который использовал классическую тематику, как аллегорию современных политических потрясений. Работы Давида далеко не просто декоративны, они несут четкий политический посыл, предвещающий грядущую революцию.
Давид, Жак-Луи (1748 Париж — 1825 Брюссель) – Коронация Наполеона и Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 г.
Инновации и возрождение: разнообразие 19 века
Только в середине 19 века художники по-настоящему освободились от требований своих покровителей.
Вместо того, чтобы изображать сцены из мифологии, портретной живописи, истории или религии, художники начали выражать идею «искусства ради искусства» через свои картины.
Таким образом, картины XIX века являются определяющим предметом изучения истории. Рассвет глобализации, индустриализации и колониализма привел к созданию многих инновационных картин в истории искусства, и ни в одном предыдущем столетии не было такого разнообразия стилей живописи.
Рожденное в ответ на неоклассицизм, романтическое движение 19 -го века распространилось на все художественные проявления в Европе. Его интерес к драматическим литературным и религиозным сюжетам, а также противопоставление абстракций любви и смерти хорошо представлены в творчестве прерафаэлитов (Pre-Raphaelites) в Англии.
Старинная антикварная картина «Леди из Шалотта» Джона Уильяма Уотерхауса, 1888 г.
Художники-романтики, такие как Франсиско де Гойя, Джон Констебл и Дж. М. У. Тернер, также начали выражать идею тщетности человечества в противовес величию природы. Эта тема была особенно распространена в пейзажной живописи, которая до этого считалась маловажным жанром творчества.
Старинная антикварная картина Танец мах на берегу водоема Мансанарес, Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (1746-1828).
Также одним из ранних стилистических явлений 19 века были жанровые картины, выросшие из отвращения к косности неоклассицизма конца 18 века .
Простота «Во время директората» Фредерика Кеммерера является образцовой: преувеличенная жесткость сцен неоклассицизма сменяется утонченной деликатностью и радостью повседневной сцены.
Старинная антикварная картина Фредерик Хендрик Кеммерер «Во время директората», XIX век.
Глобализация и колониализм позволили художникам свободно путешествовать и знакомиться с новыми культурами, а их изумление открытием чудес Востока, которые считались незапятнанными достижениями западной цивилизации, привело к появлению жанра картин, изображающих идеализированный Восток.
Для подобных картин характерна эклектика , а общие черты дальневосточной, китайской, индийской и японской культур смешиваются для создания красочных и вызывающих воспоминания сцен.
Ориенталистский стиль искусства и дизайна возник в 19 веке и относится к европейскому изображению восточных культур и традиций с помощью визуальных, литературных и других художественных средств. В частности, ориенталистское движение нашло популярность среди французских художников, многие из которых путешествовали по экзотическим землям Ближнего Востока, Северной Африки и Южной Азии и были очарованы встречающимися там народами и традициями.
Сегодня к ориенталистскому искусству часто относятся негативно, обвиняя в том, что оно прославляет европейский империализм в якобы неразвитых восточных странах. Хотя, верно то, что многие произведения востоковедов XIX века представляют собой стереотипный и искусственный портрет восточной культуры.
Старинная антикварная картина Сфинкс, Жан-Леон Жером1867
Такие картины совпали не только с колониализмом, но и с индустриализацией. Художники открыли в восточном искусстве мастерство и красоту, которых, по их мнению, не хватало в индустриальной Европе.
Импрессионизм продвинул эту новую художественную свободу на шаг вперед, приняв ультрасовременный, незавершенный и спонтанный эффект в своих картинах современной жизни.
Старинная антикварная картина «Танец в Буживале» Пьер Огюст Ренуар, 1883 год.
Наследие живописи сегодня
В 20 -м веке художественная свобода, обретшая власть к концу 19 -го века, разветвлялась в большем количестве направлений, которые можно каталогизировать или классифицировать.
Взрывные и непредсказуемые живописные работы 20 -го века прославляют безграничные возможности, которые может предложить эта дисциплина — будь то абстрактная живопись, воплощающая чувство, а не изображение, или портрет, настолько искусно выполненный, что мы можем поверить, что это фотография.
Также мы можем видеть влияние, которое технология оказала на живопись.
В своей недавней ретроспективе в галерее Тейт британский художник Дэвид Хокни выставил свои рисунки с iPad наряду со своими традиционными работами на холсте. Благодаря этому мы можем увидеть прогресс от холста к технологии в работе одной жизни.
Японский художник Такаши Мураками разработал свой собственный стиль «суперплоских» картин, которые в основном создаются с использованием компьютерной программы Adobe Illustrator, которая имеет возможность копировать графическое качество существующей картины.
Возможно, в этом и есть красота истории живописи, которая отмечает четкое различие между искусством прошлого и искусством сегодняшнего дня.
Тем не менее, искусство живописи было широко признано и прославлялось на протяжении тысячелетий. Именно это делает прекрасные картины старых мастеров и старинные антикварные картины такими ценными сегодня.
Просмотрите коллекцию старинных картин антикварного магазина в Москве Бульвар де Лис.
Еще больше интересного Вы узнаете здесь https://bulvardelis.ru/ на сайте Лиса Маршана из французского города Арль. Ведь именно в Арле на Бульваре де Лис проходит один из самых известных антикварных рынков на юге Франции.
