Почему мы упорно возводим на пьедестал итальянскую и французскую моду? Привыкли уже, что все крупные люксовые модные дома были созданы именно там. Но начиная с 70-х годов прошлого века именно американцы задают тон фешн-индустрии, мода 80-х так вообще на 99 % американская. И мода 90-х, и нулевых, и десятых, и двадцатых.
Шмот из США жадно вожделел весь мир — джинсы, замшевые куртки, обувь, яркие пёстрые платья, лосины, туфли, обилие неона, металлика, страз — это всё американские фишки. Недавно разбирали образы из «Интердевочки» — это именно американская мода, даже если вещи made in France или made in Italy.
Мы надеемся, что эта статья доставит вам несколько приятных минут: нам точно будет что обсудить…
Без них не было бы и американской моды.
От красного до цветового блока Билла Бласса. От скульптурных размеров Чарльза Джеймса до гламура Роя Холстона. Невозможно представить мир современной моды без них дизайнеров США, которые посвятили себя созданию одежды.
К сожалению, многие из их имен были почти обречены на забвение. О некоторых практически невозможно извлечь какую-либо информацию, кроме простой записи или небольшой рекламы в газетах того времени. Погрузиться в их биографии, а также в их новаторское видение — это прекрасный способ осмыслить моду современности, её социальное расслоение.
Как отмечает историк Кэролайн Милбанк в New York Fashion, первыми американскими дизайнерами были преимущественно женщины. Валери Стил тоже говорит об этом в Women Designers in the USA: «В первой половине века XX века дизайн одежды был в основном женской карьерой, особенно в Соединенных Штатах, где он рассматривался как подходящее занятие для женщин».
Фактически, в конце 1930-х годов Эммет Джойс, один из самых известных дизайнеров Хэтти Карнеги, был упомянут в статье World Telegram под названием "Мужчины тоже дизайнеры".
В Российской империи всё обстояло примерно так же. Дизайн и пошив одежды был преимущественно женским занятием, в отличие от Франции и Италии. Так вот, гражданская война в США (1861-65) побудила женщин занимать мужские рабочие места.
Эллен Деморест не была дизайнером, но для моды в Соединенных Штатах она является тем же, что и Чарльз Уорт для Европы и России того времени. «Она построила структуру американской моды, сочетала изобретение, производство, образование, маркетинг и дистрибуцию».
Мода со множественным числом
Мультикультурное общество, основанное на иммиграции, определило судьбу США. И моды в том числе.
Посмотрите, ведь знаменитая Каролина Эррера — венесуэлка, Оскар де ла Рента — доминиканец, Прабал Гурунг непальского происхождения, Анна Суи — китаянка. Так что за лейблом «made in USA» стоит богатое разнообразие культур, которые питают творчество. А ещё нельзя забывать евреек: Диана фон Фюрстенберг, Энн Кляйн и Нетти Розенштейн также часть модного наследия. MET. Европа была зародышем некоторых из самых авторитетных имен в американском стиле, таких как Валентины (не путать с Валентино Гаравани), эмигрировавшей из Украины, или Полин Тригер, чьи родители были русскими эмигрантами.
Парадоксально, но Франция, самая упоминаемая страна в вопросах идентичности американской моды, также будет питаться модой США. Удивительна история некой мадам Олимп. В 28 лет она переехала в Соединенные Штаты в 1840-х годах и поселилась в Новом Орлеане: там было много франкоязычного населения, а ещё это была отличная возможность добиться успеха — в моде Франции доминировали мужчины.
Как и Нью-Йорк на севере, на юге Новый Орлеан занимал лидирующие позиции в зарождающейся индустрии моды. Там его возглавляют такие женщины, как А. Мейс, которая импортировала шляпные изделия из Франции. Когда она умерла, мадам Олимп возглавила этот шляпный бизнес. Пять лет спустя начала производить платья. От мадам Олимп сохранилось только три целых платья, поэтому невозможно узнать, какой неё был стиль.
Однако она была одной из первых американских портних (если не первой), которая обозначила свои вещи своим лейблом. Это делал только Чарльз Уорт и Боберг во Франции в начале 1860-х годов Золотой ярлык "OLYMPE" на поясах элегантно отделил её от конкурентов в Новом Орлеане, которые, возможно, не знали об этой инсайдерской деловой практике и должны были последовать ее примеру. Богатым клиентам это могло не нравиться, но Олимп не побоялась «именовать собой» изделия. Вот она, история современной моды!
После гражданской войны дом Олимп процветал до 1885-1886 годов; затем вещи не появлялись в каталогах. И тем не менее она была успешной бизнес-леди в течение 30 лет в эпоху, в которой доминировали мужчины. Золотые этикетки на этих трех поясах выкрикивают её имя до настоящего времени.
Мода для белых?!
Очень обидно, что в исторических записях модного бизнеса вообще нет имён афроамериканцев. Как рассказывает Анджела Крамер в своей диссертации «Падение американской портнихи 1880-1920 годов», исследования говорят о вкладе чернокожих женщин в американскую экономику только через домашнюю и сельскохозяйственную деятельность. А те, кто связан с модой, были людьми европейского происхождения.
Самым печально известным примером является Элизабет Кекли, чернокожая рабыня, которая выкупила свою свободу и в конечном итоге стала активисткой и личной портнихой Мэри Тодд Линкольн, первой леди Соединенных Штатов. Представляем, какая это пробивная женщина.
Но не всё так грустно в этом мире. Чернокожая портниха Фанни Крисс брала 200 долларов за платье в то время, когда оно стоило около пяти (приличное, между прочим).
Музей MET в Нью-Йорке также включает её работы в свою выставку. Она была частью того поколения чернокожих людей, которые добились отмены рабства в Соединенных Штатах. Крисс столкнулась с сексизмом и сегрегацией, что не помешало ей жить в самых богатых районах и шить для элиты Нью-Йорка.
В 1904 году The Voice of the Negro, первый журнал, опубликованный на юге чернокожими людьми, опубликовал статью на тему истории цветного бизнеса в Ричмонде, в котором посвятили пару абзацев Фанни Крисс: «Самой высококачественной портнихой в Ричмонде является миссис Фанни Крисс. За последние шесть месяцев она шила для самых популярных невест.
Она покупает свои украшения в Нью-Йорке, на регулярной основе у неё работает восемь девушек, а бизнес оценивается более чем в 8000 долларов в год [...] Несколько лет назад миссис Пейн была поваром и зарабатывала 1,5 доллара в день». Вот что значит найти своё предназначение!
Энн Лоу
Самая знаменитая чернокожая женщина-дизайнер Энн Лоу научилась шить у своей матери и бабушки, которые были портнихами. Но в отличие от них, она родилась в Алабаме уже свободной женщиной. Её работами восхищались Кристиан Диор и Эдит Хэд, именно она сшила свадебное платье для Жаклин Кеннеди. Вот оно:
В 1964 году Saturday Evening Post назвал ее «единственной чернокожей женщиной, которая стала одним из ведущих американских дизайнеров». Почему о ней известно так мало? Бог его знает. Лоу открыла целый бутик на Мэдисон-авеню, 540, где обучала шить скульптурные платья вручную.
«Я обязана всем удовольствием, которое у меня было, шитью».
Мне это так нравится, что я хотела бы физически выполнять всю работу самостоятельно», — призналась она в интервью Ebony в возрасте 67 лет с глаукомой на одном глазу. У Энн Лоу чрезвычайно грустная судьба. Она шила около тысячи платьев в год, имела годовой доход в размере 300 000 долларов, но в старости столкнулась с тем, что у неё нет денег на выполнение своих проектов. «Я слишком поздно поняла, что платья, которые я продавала за 300 долларов, обошлись мне в 450», — призналась она. Долги привели её к банкротству.
Она не стала великим кутюрье вечерней моды только потому, что была чернокожей. Мало кто знает историю свадебного платья Джеки Кеннеди. В свой первый год замужества Жаклин сказала в интервью для Ladies Home Journal, что свадебное платье сшила «цветная портниха» и что, следовательно, «это было не от кутюр». Да уж, сегодня за такое высказывание жена президента стала бы персоной нон-грата во всём либеральном обществе.
Когда Оливия де Хэвилленд получила Оскар за лучшую женскую роль в костюме Энн Лоу в 1946 году, дизайнер всё равно осталась незамеченной. У неё даже не было имени. Вместо своего собственного названия лейбл назывался «Соня Розенберг».
MET включил работы Энн Лоу в выставку In America: An Anthology of Fashion. Джессика Рейган, помощник куратора центра, пришла, чтобы сравнить ее с Майнбохером:
«Она была отличным примером традиции американского шитья; скульптурным дизайнером, чья работа была диалогом с телом женщины, которая его носила».
Маргери Болхаген
Часы работы и мастерство творений Энн Лоу наконец-то признаны в истории американской моды. Но если есть одно имя, которое превзошло её, то это имя Чарльза Джеймса. Его умение превращать моду в чистую архитектуру было приравнено к таланту Кристиана Диора или Кристобаля Баленсиаги. Из его парижских мастерских появились имена, которые также достигли бессмертия, такие как Ив Сен-Лоран или Андре Курреж.
У него была талантливая ученица Маргери Болхаген (1920-2021) чьи творения напоминают структурированный силуэт Джеймса, на которого она работала, прежде чем открыть свои собственные магазины в Вашингтоне и Нью-Йорке. После работы кутюрье в Вашингтоне она переехала в Нью-Йорк, где стала дизайнером готовой одежды.
Нетти Розенштейн
Однако он был не единственным кутюрье, который внес свой вклад в переосмысление гламура страны за десятилетия до Джеймса Галаноса или Рэя Холстона. Изысканная готовая одежда также достигла новых высот в руках таких создателей, как Нетти Розенштейн (1890-1980), которая прославилась популяризацией «маленького черного платья» в Соединенных Штатах.
Хотя Коко Шанель уже представила его в 1926 году в Париже, версия Розенштейн характеризовалась более эластичной тканью. Как Мадлен Вионне или Шанель, она работала с тканью непосредственно на теле модели — это же моделирование фигуры в чистом виде.
После этого она адаптировал одежду на пять моделей разных размеров. Её стратегические драпировочные творения и принты были идеальным фоном для аксессуаров: перчаток, сумок и бижутерии.
Нетти Розенштейн начала шить платья для себя и своих друзей, а в итоге это стало прибыльным бизнесом. «Она брала 15 долларов, если клиент приносил собственный материал. Теперь платье Розенштейн стоит до 300 долларов», — писал журнал Life в мае 1944 года. Её платья копировали более дешевые дизайнеры. Её оборот в 1937 году оценивался в миллион долларов, пока Вторая мировая война не сделала дыру в продажах: треть вещей ориентировалась на вечернюю светскую моду.
В 1950-х годах преобладающий силуэт Розенштейн включал в себя осиную талию и объёмную юбку, то есть тот же диоровский new look. Как рассказывает Кэролайн Милбанк о нью-йоркской моде, Розенштейн развивала очень тесные отношения с крупными европейскими ткацкими домами, которые производили для нее эксклюзивные материалы и инновационные ткани.
Одно из ее самых знаковых платьев носила Мэйми Эйзенхауэр в качестве первой леди на балу 1953 года. Ее муж Дуайт Эйзенхауэр был переизбран президентом в 1957 году, и на церемонии инаугурации она снова положилась на Нетти Розенштейн.
Эта Хенц
В той же линии дизайна работала Эта Хенц. Более известная как мадам Эта, этот дизайнер, родившийся в Будапеште, начала свою профессиональную карьеру в Нью-Йорке в 1923 году. Хенц работала главным дизайнером готовой одежды, особенно в рамках Ren-Eta. В 1945 году она представила новую коллекцию готовой одежды для средней американской женщины с реалистичной фигурой. Успех не заставил себя ждать.
Модели были настолько хорошо спроектированы, что их практически не нужно было подгонять!
Больше всего Эту Хенц вдохновляла Античность. "Ионическая", "Елена Троянская", "Клитемнестра" или "Афина" — это названия дизайнов в музее MET в Нью-Йорке с 1942 по 1944 год. Её мастерство состояло в том, чтобы превратить историческую одежду, такую как греческую хламиду или римская паллу, в элегантные вечерние платья, которые можно было купить за небольшую цену в Саксе на Пятой авеню.
Пробуждение американской идентичности
Из чего именно состоял американский стиль? Естественность, аккуратность и прежде всего простота.
По мере того, как американские женщины начали отдавать предпочтение более простой одежде, такой как короткие юбки для прогулок, куртки и рубашки на весь день, индустрия готовой одежды изменилась. Это в Европе до 60-х существовало разделение на утреннюю, дневную, вечернюю одежду, но в США этого вот «аристократизма» не было.
Осознавая, что в США существует свой собственный стиль, дизайнеры старались оторваться от Европы. Северная Америка имела историческую зависимость от Европы: парижские платья были эталоном. Редкой была фирма, которая не включала слово "Madame" или не уточняла, что они импортировали из Франции. В 20-м веке поддельные этикетки "Paris" были на многих вещах нью-йоркского производства. Видите, как меняется мир? Сегодня 99 % вещей made in China.
В 1912 году New York Times запустил американский конкурс дизайнеров одежды с несколькими денежными призами в трех категориях. Хотя для некоторых понятия американской моды вообще не существовало, многие поддержали конкурс (который, кстати, выиграли все женщины, за исключением категории шляп). А универмаги и журналы объявили себя пионерами в защите национальной моды.
В 1930-х годах Дороти Шейвер, вице-президент универмага Lord & Taylor, начала массовую кампанию в защиту американских дизайнеров. Магазин стал свидетелем одного из лучших сезонов в своей истории: "Нам не придется ждать, пока Париж интерпретирует моду для нас", — сказала Шейвер год спустя.
Элизабет Хоус (1903-1971), которую MET также включил в выставку, была одним из первых дизайнеров, воспользовавшихся поддержкой Шейвер. Она упрекала тиранию тенденций и всегда была очень откровенна в своих мнениях. Для нее было два типа женщин: те, кто "может заплатить достаточно, чтобы получить именно то, что они хотят", и те, кто "во власти массового производства". Но ведь она права — в 2022 году ситуация обстоит точно так же.
Его самая большая атака на этот сектор была эффективна благодаря её самой известной работе Fashion is Spinach, которую он запустил в 1938 году. "Я думаю, что 95% моды — это пустая трата времени", - категорически сказала она журналу Life. Вернувшись на Манхэттен, она попыталась доказать, что французские кутюрье были не единственными, кто способен делать красивую одежду.
Клэр МакКарделл (1905-1958)
«Я всегда шила то, что мне было нужно для себя. Так случилось, что мои дизайны нужны были и другим людям».
Она первая выступила за раздельную моду: блузку, которую можно совместить с юбками, брюками или шортами. Эксперименты с «разделителями» сегодня лежат в основе американской повседневной моды.
Первый успех дизайнера — монашеское платье (1938). Это была настоящая революция для оптового рынка, в которую дизайнер внесла свой вклад благодаря своим доступным ценам и простым тканям, таким как хлопок и деним. «Клэр МакКарделл — основательница демократической американской моды», — прокомментировала историк Валери Стил в 1998 году о выставке, которую музей FIT в Нью-Йорке посвятил ей в том же году.
Клэр МакКарделл также думала о потребностях домохозяек. Сначала он создала кухонное обеденное платье, дизайн с соответствующим фартуком.
В 1942 году появилось «Победное платье», которым Маккарделл отреагировала в середине Второй мировой войны на новые обязанности домохозяек как внутри, так и за пределами дома. Это было обтягивающее платье с карманами, вырезом и зажимом за 6,95 долларов.
Ее купальники также легко узнаваемы. Дизайнеру также приписывают популяризацию балеток в 1942 году, мотивированную необходимостью в комфорте. Из-за нехватки кожи в период войны для изготовления обуви она создавала тканевые балетки Capezio.
Американская мода прошла путь от адаптации французских стилей к тотальному игнорированию европейской моды. Хотя Клэр МакКарделл была в Париже неоднократно, она ничего не переняла и не думала перенимать. Точно так же к моде относилась Энн Кляйн (1923-1974). Она была единственной женщиной во главе модного дома в «Версальской битве», той метафорической борьбе между американской модой и европейской модой, которая произошла в 1973 году.
Кляйн была наследницей простого и прагматичного подхода Маккардел. Её видение состояло в том, чтобы создать гардероб на основе базовой одежды, такой как хороший пиджак, хорошо сидящие брюки или рубашки, которые были бы доступными. Она любила сочетания, микс, а не цельные платья. Когда репортер Бернардин Моррис размышляла о том, что носить в 1992 году, она указала как на Маккарделл и на Кляйн: «Они стали воплощением американского стиля: Кельвин Кляйн, Перри Эллис, Ральф Лорен и Донна Каран внесли свой вклад в неформальную моду благодаря им».
Не все знают, что карьера Энн связана с молодежной модой. В 1960-х годах она стала шить для низких хрупких женщин. В мире высокой моды их игнорировали, а тут такой прорыв. «…невысокую небогатую женщину наказывает мир моды, у нее нет ни денег, ни фигуры для одежды самых распространенных размеров», — сказала Энн Кляйн.
Как описал журналист Робин Гивхан в "Версальской битве", Кляйн не создавала одежду, чтобы улучшить положение женщины или помочь ей найти мужа. Вместо этого она выпустила одну из первых версий элегантной профессиональной одежды, роскошную способность к смешиванию стилей, которая предшествовала запуску Лиз Клайборн в 1976 году. Это, кстати, очень известный в России бренд одежды и бижутерии.
Маккарделл дала крылья американскому стилю женщины (и домохозяйки) 40-50-х годов, Кляйн вдохновила женщин, которые массово выходили на рынок труда в последующие десятилетия: «На мне была новая женская рабочая сила». Её ученица, Донна Каран, станет королевой американской моды и возглавит бренд после внезапной смерти Кляйн в 1974 году. Но это совсем другая история.
Благодарим любимых читателей и подписчиков за то, что прочли этот пост. У нас на сайте всегда много интересной и актуальной информации о мире beauty&fashion! А вообще у нас в блоге так круто, что не передать. Впрочем, судить вам. Вот ссылочки на последние статьи:)
Дорогие костюмы в дорогом сериале «Аббатство Даунтон. Новая эра» — лучшая иллюстрация моды 1930-х. Вам нравится?
Короткий боб — единственная прическа, которая подходит всем формам лица
Модные показы только для элиты. История происхождения показов мод