Художника, занимающегося бесполезным делом, оправдывает только одно - величайшая любовь к своему искусству. О.Уайд, из книги «Портрет Дориана Грея»
Пишу эти строки под впечатлением от посещения концерта пианиста Давида Фрэ, который выступал в филармонии имени Д. Шостаковича в городе Санкт-Петербурге. Что я могу донести вам, читателям… Например, я могу сказать: он хорошо играл, блестяще, даже великолепно. Неубедительно? Мне тоже так кажется. Хорошо, что есть youtube, немного свободного времени и горячее желание поделиться с вами моими скромными знаниями по этой теме!
Однажды на зарубежной выставке мы встретили человека, который оценивал качество звуковоспроизводящей аппаратуры исключительно на записях фортепианных концертов. Можно перечислить по пальцам случаи, когда из нашего ассортимента отобранных к прослушиванию композиций просили включить кого-нибудь из великих пианистов.
Говоря откровенно, классическая музыка не подходит для оценки тракта «на бегу», если нет возможности обеспечить полную тишину, создать в шоуруме атмосферу спокойствия, неспешного течения времени, но есть и другие причины слабой популярности фортепианной музыки у меломанов.
Привести человека в пианизм тяжело, в него приходят сами, постепенно набирая информацию, развивая музыкальный вкус. Классика вообще капризный жанр и порой требует от современного слушателя немало, а тембрально бедное полотно солирующего инструмента, даже такого универсального как рояль и того больше. Понимая бессилие слов для передачи слуховых ощущений, я все же пишу эту большую статью, в надежде вызвать у читателя интерес к горячо любимому мной жанру.
Зачем нужен пианизм в наши дни?
Сегодня, когда появилось множество новых тембров и способов их соединения в музыкальной композиции, необходимость создавать перегруженные аранжировки для сольного исполнения отпала. Выражаясь проще – самая примитивная рок-группа стандартного состава звучит привлекательнее (богаче) для неподготовленного слушателя, чем извращения самого «крутого» виртуоза за дорогущим инструментом. Достаточно посмотреть на ведущие хиты популярной музыки, Вы можете не согласиться, но мнение большинства есть мнение большинства. Ведь классика когда-то была просто музыкой, популярной музыкой, другой не существовало.
Ответ – пианизм нужен только узкой группе эстетов, большая часть из которых скорее делает вид, нежели получает удовольствие, но это вовсе не повод для осуждения. Таково веяние нашего суетного времени, точнее эпохи отсутствия времени, когда основной критерий информации, в том числе музыкальной, есть скорость ее усвоения.
Быть слушателем тоже определенная работа
Нам как слушателю доступны для оценки следующие аспекты: акустика помещения, звучание (богатство тембра) и состояние (строй) инструмента, интерпретация конкретным исполнителем произведения (что он привнес, удачно или не удачно), техника исполнения (динамика, ритм, грубые ошибки или наоборот тонкие нюансы, стиль).
Концерт, особенно фортепианный есть концентрированная передача информации, импульс, который слушатель, записав у себя в голове, расшифровывает в цельное осмысленное полотно по мере сил. Перед тем как идти на концерт постарайтесь прослушать произведения, которые будут исполняться, если они указаны в программе.
Краткая история или совсем немного занудства
Что мы знаем о современном рояле? Он большой, черный (или белый), содержит 88 клавиш (52 белых и 36 черных), 9 октав (для стандартного рояля), две педали (хотя бывает и 3), суммарное натяжение струн – порядка 20 тонн. История инструмента, который хорошо нам знаком сегодня, началась в дремучие времена, с ревущего органа, чрезвычайно тихого клавикорда и клавесина.
Самый известный предок конечно клавесин, который извлекал звук не молоточками, а «зацепами»:
Ведь дело не только в конструкции механизма, который извлекает звук. Черные и белые клавиши – символ европейской (западной) музыкальной системы, система вот что в основе.
Почему фортепиано проходят и практически все музыканты, в том числе вокалисты? Изучать музыкальную теорию удобнее всего именно глядя на клавиатуру фортепиано. Дабы не сильно перегружать информацией, постараюсь очень короткими тезисами.
Первое спасибо говорим Пифагору, он первый начал искать математическую связь между звуками разной высоты, его выводы заложили прочный фундамент. Кроме вороха всяких премудростей он оставил в подарок такой феномен как Пифагорова кома.
Второй человек, которому мы говорим спасибо Веркмейстер и его равномерно темперированный строй, который собственно и решил поставленный Пифагором вопрос.
Рояль, пианино, фортепиано, синтезатор, миди-клавиатура. Кто есть кто?
Между этими терминами довольно часто происходит путаница. Фортепиано есть общее название класса инструментов, а рояль и пианино два различных конструктивных образца фортепиано, то есть клавишного струнного инструмента с механикой молоточкового типа. Пианино – малогабаритный инструмент для ограниченного пространства, когда рояль ставить некуда, часто используется для занятий.
Рояль – полноразмерный инструмент созданный для того чтобы наполнить звуком концертный зал без помощи микрофонов. Рояли разделяются не только на черные и белые, существует несколько типоразмеров: концертные (концерт и гранд концерт), а также кабинетные, то есть уменьшенные. Культовые марки акустических клавишных инструментов это конечно Steinway, Bosendorfer, Ivory, Kavaii. Самые известные синтезаторы: Nord, Korg, Yamaha, Kurzweil, Moog.
Midi- клавиатура – интерфейс (контроллер) для того чтобы отсылать информацию на компьютер о силе и скорости нажатия пианиста на клавишу. Есть разной степени продвинутости: количество октав, насколько механика напоминает ощущения реального инструмента, точность и объем передачи информации о нажатии. Впрочем, при необходимости полученное после записи миди-полотно легко редактируется мышкой. Миди-сигнал может давать и гитара с определенными датчиками и электронные барабаны.
Принимает сигнал компьютер или синтезатор, что в принципе одинаково, т.е. Процессор. Кстати синтезатор тоже может давать Миди-сигнал «без звука», только цифру. Процессор синтезатора определенным образом генерирует звуки, причем теория синтеза надо сказать не очень проста для понимания. Начинается все с эмуляции обычной струны и формы импульса. В принципе, если включить на генераторе пилообразную форму сигнала то можно найти некоторое сходство со скрипкой, но до реальной струны еще далеко, даже если не брать в расчет колебания деки.
Цифровые фортепиано против «аналоговых» кто круче?
Бытует мнение, что с приходом цифровых инструментов можно забыть про аналоговых «стариков» требующих постоянного обслуживания, т.е. оплаты визитов настройщика.
Для музыкальных школ и учащихся начального уровня – возможно, ведь гениев все равно сразу берут под особую опеку, а остальным осваивать азы вполне можно на «цифре».
Как решение для малых помещений с плохой естественной акустикой, где поставить «аналоговый» инструмент не представляется возможным, тоже большое цифровое «ДА».
Профессионалы, состоявшиеся и подрастающие сугубо на стороне акустических инструментов. Лучшие образцы Digital Piano, не отличимые от «оригинала» слушателем и музыкантом пока стоят довольно дорого, как хороший пример можно привести Casio Grand Hybrid:
Терзания цифра – акустика становятся актуальны, если ваша цель не только нажимать клавиши в правильной последовательности (читай – играть для себя), но и более глубокое взаимодействие с инструментом, работа на результат.
Похожим образом ситуация обстоит с электронной ударной установкой, иногда она просто незаменима (удобство транспортировки), но разница в ощущениях и звуке по сравнению с «аналоговым» прототипом очевидны. Фишка: не путайте цифровые пианино и синтезаторы, главное отличие – тип механики клавиш, разнообразие тембров (звуков).
Упрощенное сравнение:
Возможности синтезаторов
Зачем словами изображать то что есть на ютубе? Правильно, не стоит, поэтому сразу в бой, начнем с двух «классических» аналоговых тембров которые почти каждый производитель старается добавить в свои инструменты:
Родес
Орган Хаммонд
Пожалуй, начинать стоило с истоков, легендарного Moog, который и сейчас представляет собой предмет вожделения для многих клавишников, говорят цифровые эмуляции даже близко не дотягивают:
Лично мне очень импонируют синтезаторы Nord, стоимость их конечно значительная, редко можно увидеть такую штуку у знакомого музыканта, но звук впечатляет:
Синтезатор не обязательно должен иметь «управление» в виде доски с фортепианной клавиатурой, это просто наиболее распространенный вариант. Например, встречаются гитары с возможностью вывода MIDI-сигнала, драм-пэды всех форм и расцветок .
Сами синтезаторы также бывают в виде программ (в.т.ч. плагинов) которые устанавливаются на компьютер, в виде отдельных модулей (блоков), аналоговых или цифровых.
Редкие виды синтезаторов вроде АМЛ, который известен нам по саундтреку к фильмам Тарковского «Сталкер» и «Солярис». Следует различать библиотеки сэмплов, коротких звуков записанных микрофоном и синтезаторы – которые звук генерируют.
Большинство «компьютерных» барабанов получены из библиотек, но встречают исключения, причем размер на диске (объем файла) синтезатора в сотни раз меньше:
Два типа тонов – мягкий заполняющий пэд (pad) и резкий кричащий лид (lead). Наверное можно выделить и другие, но эти главные. Древний «аналоговый» пэд – размеренное звучание множества скрипок в симфоническом оркестре. Лид – солирующий голос на переднем плане, богатый, насыщенный, яркий, дразнящий.
Две разных цели синтеза – имитация реально существующих инструментов: скрипки, гитары, флейты, саксофона, даже барабанов (ссылка) или абстрактных тембров, которые едва ассоциируются с известными большинству людей звуками.
Старенькая и тем не менее очень хорошая презентация синтезатора Yamaha Tyros:
Пианисты или клавишники?
Оба термина определяют музыканта, который играет на некоем инструменте с хорошо знакомым рядом бело-черных клавиш. С точки зрения лингвистики можно создать кашу назвав того же классического пианиста клавишником и наоборот. НО! Обычно, под «клавишником» понимают исполнителя, который играет в составе музыкального коллектива, не имеющего отношения к классике, на сцене его можно увидеть за стойкой с синтезаторами.
Упрощая до неприличия клавишника можно назвать оператором синтезаторов, в его функцию входит также включать сэмплы – заранее подготовленные звуковые фрагменты.
Крайне редко один человек может успешно совмещать в себе концертирующего пианиста с хорошим уровнем владения акустическим инструментом и клавишника который «на ты» с синтезаторами, то есть всегда находится в поиске новых интересных тембров.
На первый взгляд, работа в коллективе оставляет клавишнику куда меньше пространства для реализации, чем сольная карьера его брата - пианиста.
С другой стороны, популярность и доходы эстрадного музыкального коллектива, как правило, значительно превосходят возможности мира классики. Мало, но к месту играть тоже сложно, если не верите - об этом охотно расскажут музыканты, которые пробовали найти себе в группу толкового клавишника.
Джазовые пианисты и классические пианисты
Первое главное отличие. Сильно упрощая, можно поставить знак равенства между словом джаз и словом импровизация. В отличие от джаза импровизация в классической музыке не приветствуется. То есть выступление классического пианиста-виртуоза в городе А, будет незначительно отличаться от того что он сыграет в городе Б.
Джазовый музыкант едва ли может повторить «нота-в-ноту» свою партию, его игра всегда включает в себя элементы импровизации, сохраняя лишь тонкую нить узнаваемой мелодии – темы.
Существует довольно большой набор узнаваемых тем или стандартов, хотя есть стили джаза, где царит сплошная импровизация без границ. Любители джаза знают эти «стандарты» и с любопытством слушают как тот или иной коллектив будет их интерпретировать.
Второе большое отличие. Одно и то же классическое произведение играет множество музыкантов, идет негласное соревнование за воображаемое первое место, требования к техническому качеству исполнения на высочайшем уровне.
В джазе стандартизированная планка мастерства как таковая отсутствует, на первый план выходит «угар», собственный уникальный стиль исполнителя, кто более узнаваемый тот и победил. В истории не раз встречались классические музыканты, которые одинаково хорошо показывали себя в джазе и наоборот, но это скорее исключение.
Техника пальцев вопрос вторичный, прежде всего дело в мышлении, которое формируется годами занятий за инструментом. Существует разница между тем, чтобы создать для неискушенного слушателя реалистичную декорацию и удовлетворить тонкие запросы фаната джаза или классики.
Встречаются довольно удачные музыкальные проекты, когда классические произведения исполняются в джазовой аранжировке, объединяя в благоговении оба лагеря поклонников, не всегда ведущих мирное существование.
Общая черта джазовых и классических пианистов - высокий уровень теоретической подготовки (относительно других участников коллектива), понимания законов строения музыкального полотна.
Надо быть фантастическим гением, чтобы полноценно раскрыть потенциал такого могучего инструмента как фортепиано без музыкального образования, попросту говоря знания нот. Информация для размышления: основной инструмент композитора – фортепиано.
Величайшие пианисты, мертвые и живые (по моему мнению)
Весь вопрос в том, что мы называем условным «идеалом». Не раз я бывал на отчетных концертах в музыкальном училище. Ученик, который упорно готовился к экзамену, чаще всего играет довольно хорошо и возможно играл бы значительно лучше, если бы не волнение, отсутствие привычки к выступлению на публике, их мастерство при живом исполнении меня вполне устраивает.
Выпускники консерватории, которые в будущем, возможно, вообще перестанут играть на инструменте и вовсе впечатляют своими навыками. Разница между мастером и учеником лучше слышна в записи, когда кроме слуха другие органы чувств почти не получают информации мы находим множество нюансов.
При этом техническое совершенство по общепринятому мнению даже не половина дела, а куда меньше. Главное это передача эмоций или даже смысла заложенного в произведение, творческая интерпретация.
Казалось бы, какая может быть интерпретация в классике? Тем не менее, даже знаменитым виртуозам лучше дается тот или иной композитор, вероятно, которого он хорошо понимает, но не все сразу. Так произнося имя Гленн Гульд мы сразу вспоминаем про Баха…
Сложно сказать, как и когда могут пригодиться знания имен «великих», тем более что все относительно, кто более великий, что есть настоящая слава. Но раз нынче в моде ТОП-листы, составим и свой.
Сначала идолы, из которых только первые два по общепринятому порядку: Ференц Лист, Антон Рубинштейн, Иосиф Гофман, Святослав Рихтер, Владимир Горовиц, Сергей Рахманинов, Артур Рубинштейн, Эмиль Гилельс, Гленн Гульд. Конечно, этот список можно продолжать долго.
Современники: Борис Березовский, Михаил Плетнев, Евгений Кисин, Мюрей Перайя, Даниэль Баренбойм, Григорий Соколов.
Фортепианные гонки. Быстрее, выше, сильнее? Быстрее, быстрее, быстрее!
По каким признакам мы узнаем виртуоза? Быстрая, аккуратная игра. Медленно тоже сложно и нужно, но слушатель просит цирковых номеров, блеска, скорости. Педагог правильно заметит, что беглость пальцев сама по себе еще не главное достижение.
Музыкальная форма приходит при постоянных занятиях но стоит хотя бы на месяц забыть инструмент… Есть такое красивое выражение: не занимался день – замечу только я, не занимался два дня – заметят другие музыканты, не занимался три дня – заметят зрители.
Впрочем, самые известные современные фортепианные фрагменты вполне среднего темпа, не очень сложные технически, их сила в простой и узнаваемой мелодии:
Выдающийся исполнитель всегда личность, фигура. Хотя плохая быстра игра звучит несколько лучше, чем плохая медленная. Но стоит ли обвинять только слушателей, если сами пианисты не прочь устроить «соревнования»?
Кстати у гитаристов та же история, невзрачное произведение полет шмеля стало эталонным гоночным треком для ежегодного измерения скорости с целью выявить самых быстрых. Поймите правильно, я вовсе не порицаю «скорость», какой русский не любит быстрой езды, просто за ней часто скрывается слишком уж «роботичное» воспроизведение нотного текста.
Настройщик – лучший друг пианиста
Наверное, вы слышали про такого персонажа как настройщик фортепиано, гибрид музыкального мастера и исполнителя.
Редко кто задумывается, что в идеале пианист и настройщик работают вместе, для того чтобы концерт прошел на высочайшем уровне. Иногда инструмент начинают готовить задолго до того как пианист приедет в город для выступления. Искусство настройщика в том, чтобы ловить мельчайшие нюансы звучания и поведения механики.
Впрочем, настройщики бывают разных уровней, после пары проб настроить пианино по специальному тюнеру может и обычный человек с прямыми руками, но это едва ли можно назвать профессионализмом. Если нюансы такие мелкие, что их понимают только настройщик и пианист, может они не нужны?
Удивительное дело, но различить хорошо настроенный инструмент и плохо настроенный любитель может. Если инструмент хорошо настроен, пианист взаимодействует с ним, а не борется, звук льется как ручей или человеческий голос, человек управляет мощью большого концертного рояля с помощью довольно легких касаний.
Металлисты переняли знамя пианистов?
Что объединяет сумрачных, одетых в кожу обладателей длинных волос с классическими музыкантами-виртуозами? Сольные фортепианные концерты это вещь на любителя, очень специфическая так сказать. Похожую позицию занимают сейчас коллективы, исполняющие progressive metal.
Соло гитаристы таких коллективов, как раз напоминают по своим амбициям пианистов. Ключевая особенность - быстрая, техничная, чистая игра на инструменте в сочетании с головоломными мелодическими построениями. Для примера сгодится хорошо знакомая с детства композиция группы Slayer - Raining Blood:
Разумеется, Slayer не «прогрессивная» группа, просто я сходу вспомнил фрагмент из классики с похожим вступлением. Прослушав большое количество действительно тяжелой музыки я приобрел навык улавливать «тяжелизну» в музыке, где нет гитар с дисторшн-эффектом и ритм-секции. Барабаны в классической музыке вынесены так сказать за скобки. Хорошее исполнение пианиста создает ощущение, что он вышел за пределы оков ритмического рисунка, но это и не хаос дилетанта никогда не включавшего метроном.
Вот Модест Петрович Мусоргский, «Избушка на курьих ножках/Баба Яга»:
Для больше наглядности возьмем кавер на Slayer:
А если сделать «металлу» аранжировку, то будет вполне себе годная классика, разве что барабаны немного не к месту:
Сложности при записи фортепиано. Что если хочется записать фортепиано.
Номинально зафиксировать звук фортепиано не так сложно, достаточно иметь современный мобильный телефон, точнее смартфон. Качество получится лучше (особенно если им не трясти), чем у первых записей, никто спорить не станет. Но есть ли это вершина счастья и возможностей современной техники? Рояль слишком большой, чтобы его можно было полноценно «снять» парой микрофонов, даже дорогих.
Расположить несколько микрофонов не создавая проблем с фазой – та еще проблема. Вторая проблема – высокие требования к акустике помещения. Третье – класс и состояние инструмента. Причем есть две принципиальных позиции: воображаемого слушателя и самого пианиста.
Ладно, не будем погружаться в пучины звукорежиссуры, покажем несколько фирменных микрофонных комплектов для «подзвучки» акустического инструмента на концерте, реже для студийной записи, в любом случае посмотреть интересно.
DPA:
Перспективы фортепиано
Куда пойдет фортепиано в дне грядущем, предсказывать не берусь, хотя у великих фантастов немного особенно получилось. Так у Ивана Ефремова в его произведениях (далекое светлое коммунистическое будущее) не раз упоминается некий скрипко-рояль работающий от солнечных батарей. Пожалуй, Ефремов и сам с трудом представлял себе это чудо, использующее все конечности человека по максимуму, с такими широкими звуковыми возможностями, что голова кругом. А еще Ефремов предложил обязательную связь видеоряда и звукового сопровождения.
Посмотрите насколько движущаяся картинка, наложенная на воспоминания (мультфильм Том и Джерри) оживляет фортепианную музыку:
В чем-то Ефремов был прав. Слушать музыку без картинки многие уже отвыкли, если не верите, можете спросить у знакомых музыкантов: хочешь продвинуть песню – сними клип. С многообразием тембров у современных синтезаторов тоже полный порядок, хоть всю жизнь перебирай и комбинируй.
Чем доступнее становятся цифровые инструменты, тем более отпадает необходимость в настройщике (кроме главных концертных залов страны), тут конечно есть свои плюсы, ведь вызывать специалиста часто не все могут позволить, а заниматься на расстроенном инструменте ученику просто вредно. Кроме того люди получили возможность практиковаться не мешая окружающим, обучающие системы стали эффективнее, нагляднее.
Препятствует прогрессу, ну или точнее определяет его сама музыкальная западноевропейская система, пока мы существуем в ее рамках, фортепиано сохранит свой привычный внешний вид.
Даже добавление дополнительной клавиатуры не двигает клавишные инструменты вперед, хотя некоторые любопытные устройства соединяющие возможности синтеза и новой механики безусловно производят сильное впечатление, например Seabord:
Попытки сделать клавиатуру с большим количеством ступеней в звукоряде были и раньше, например, микротональное фортепиано:
Аппаратура для прослушивания фортепиано
Вот мы добрались до самого сладкого, с чем собственно и связана наша профессиональная деятельность, акустические системы, музыкальное оборудование. Так на чем же фортепианный концерт будет звучать лучше всего? Меломаны уже предвкушают слова: «щит», «широкополосник», «лампа».
Теперь, когда я их написал, мы можем двигаться дальше. Правильный ответ: лучше всего фортепианный концерт будет звучать на рояле с установленной системой PianoDisc или аналогичной, шах и мат.
Теперь серьезно. В классике нет глубокого, плотного низа или яркого верха, среднечастотный диапазон (точнее его открытое звучание) и чувствительность АС выходит на первый план:
Конечно, мы бы хотели идеальные колонки, у которых и АЧХ и фаза и чувствительность – все по высшему разряду. К сожалению «в одном флаконе» это почти невозможно, даже за большие деньги. В большинстве случаев слушатель (покупатель) стоит перед выбором: колонки с певучей, открытой серединой или привычная многополосная акустика с компрессионными динамиками, которая едва ли создаст «вау-эффект» при прослушивании классической музыки.
Усилители. Однотактные ламповые усилители, обладают неглубокой обратной связью (или вообще отсутствием ОС), как следствие низким демпинг-фактором и «рыхлым» НЧ диапазоном, но при этом более «живой» серединой.
Впрочем, транзисторам тоже есть чем ответить. Существует старый добрый класс «А» (знаменитый JLH), гибридные усилители, на германиевых транзисторах, ряд вариантов с очень хитрой схемотехникой без ООС.
Повышенные требования к динамическому диапазону. Динамика усилителя начинается с блока питания, который должен обеспечивать значительный запас тока и размах напряжения питания, разумеется, если схема это предусматривает. Вступает в силу еще одна приятная особенность «лампы» - высокое напряжение питания.
У ламповых усилителей один недостаток: достойные аппараты стоят по ряду причин куда дороже транзисторных одноклассников, дешевые изделия, особенно мастеровые надо брать предварительно хоть немного разобравшись в вопросе.
Источник сигнала. Казалось бы, необходимый диапазон для фортепианной записи может предоставить широкое количество носителей, хотя бы тот же CD. Правда найти хорошую фортепианную запись во всех смыслах найти сложно, хромает или качество или исполнение, хотя исключения конечно попадаются. Мне больше нравится формат DSD256, или если полностью – Direct Stream Digital, тот же формат содержится и на дисках SACD, правда с индексом 64.
Хорошо затронут вопрос качества источника здесь, немного эзотерично, но если вдуматься желания спорить не возникает:
Заключение. Благодарим всех, кто дочитал это бесконечное полотно текста и добрался до финала. Надеемся, что как минимум подборка видео была для вас интересна, удивила, подстегнула желание изучить явление пианизма подробнее. Мы сознательно не стали разбивать материал на несколько частей: с одной стороны так проще воспринимать материал, но теряется целостность картины, читатель редко начинает искать продолжение.
Закончить хочется словами одного известного музыкального youtube-блоггера: «Любите музыку в себе, а не себя в музыке»!