Что будет, если вместо традиционного образования попытаться подойти к вопросу музыкальной теории задним ходом, основываясь на самостоятельных умозаключениях и разрозненных сведениях из интернета? Результаты вы можете оценить, прочтя данную статью, где я попытался выразить естественные принципы построения музыкальной композиции, выведенные мной по наитию. Повествование будет носить характер тезисов, коротких и ясных сообщений, дабы облегчить чтение. Если в тексте будут встречаться совсем незнакомые выражения, рекомендую воспользоваться поиском, это простейшие понятия и их освоение не составит особого труда.
Начнем с физических особенностей слуха и восприятия звука.
1.1. Частотный диапазон. Представим себе клавиатуру фортепиано, как наиболее полный звукоряд в западной музыке, диапазон нот, иными словами – частот. Он сложился не случайно. Учитывая возможности слуха среднего человека, увеличивать диапазон вверх явно не стоит, а диапазон вниз – бесполезно, особенно если брать в расчет способности музыкальных инструментов (из которых самый могучий – орган), звукозаписывающего оборудования, недорогих бытовых колонок или наушников.
То есть информация, которая несет мелодический характер и доставляет удовольствие, уже достаточно ограничена в диапазоне, под него (диапазон) адаптировано оборудование вещания\записи, выше – музыка для летучих мышей, ниже – эффекты для кино. У нас остается возможность двигать интервалы (расстояние по высоте звука между нотами), однако в процессе развития инструментов, запад и восток пришли каждый к своему звукоряду, менять которые не собираются. Причем эти интервалы, скорее всего, обусловлены минимальной разницей в высоте тона, которую уверенно улавливает ухо неподготовленного человека, к примеру, минимальная погрешность зрения находится в пределах 0.1 мм.
1.2. Динамический диапазон. Для создания выразительности, звук должен быть не только «выше – ниже» но и «громче – тише». Вариации громкости (динамический диапазон) очень сильно влияют на красоту и восприятие музыки. Контраст между раскатами грома и шелестом листьев древнейший способ создания «вау» эффекта, который не стесняются использовать композиторы любой эпохи. Пределы громкости безвредные для человеческого уха уже давно исследованы и достигнуты, особенно на рок – концертах, в ночных клубах, соревнованиях по автозвуку, дальше только болевой порог и глухота, т.е очевидно нежелательные последствия. За счет электроусиления счастливый билет получили и довольно тихие инструменты, теперь значение имеет только тембр, остальное поправимо. Ранее с джазовым биг-бэндом без микрофона мог выступать только человек с очень сильным голосом, теперь даже оперный исполнитель может попросить себе микрофон.
1.3. Локализация. Слух человека достаточно точно определяет расположение источника в горизонтальной плоскости с погрешностью около 3 градусов, эту величину называют бинауральной разрешающей способностью слуха. Значительно хуже дела обстоят в вертикальной, плоскости, смещение источника даже на 45 градусов замечается с трудом. Поэтому звукорежиссеры и стремятся создать в треках широкую панораму, равномерно заполненную инструментами звуковую картину, полотно. Расположение инструментов в симфоническом оркестре также не случайно. Трюки с панорамой не могут в полной мере способствовать созданию нового, уникального творения, однако подобно сахару или соли позволяют немного разнообразить вкус хорошего блюда. Игра с пространством вышла на первый план в нашу эпоху цифрового звука, в кинотеатрах это используется наиболее активно, хотя 5.1 музыкальные записи тоже существуют.
Для желающих углубиться в познание особенностей слуха человека, я рекомендую обратиться к науке психоакустике, которая как раз изучает такие явления как эффект маскирования, фантомные образы, эффект Хааса, другие тонкости восприятия звука.
Основы аранжировки или секреты шедевров
Наиболее уместно сравнивать процесс аранжировки с архитектурой, у обеих отраслей похожая терминология, идеология, теоретический подход. К примеру, замыслы композитора, как и архитектора, всегда будут ограничены существующими материалами, их количеством, бюджетом проекта. Аранжировка (она же архитектура) может быть грузная, с множеством украшений, изящная и простая, примитивная и грубая. В самом процессе строительства кроме материалов, есть правила-технологии, соблюдение которых сильно облегчает жизнь. Эти правила и будут перечислены в данном разделе.
Можно было бы немало интересного рассказать о том, как происходило становление современного симфонического оркестра, как инструменты «учились» уживаться друг с другом, а композиторы в прямом смысле учились использовать их возможности… Параллельно происходило и становление дирижера, управляющего оркестром. Первые дирижеры, например, отбивали ритм тростью, ажурная, легкая палочка пришла на смену намного позже. Естественно лучший дирижер это был непосредственно сам композитор, он хорошо представлял, что хочет услышать. На сегодняшний день композиторам, или же аранжировщикам, работать стало намного удобнее, не обязательно быть музыкальным гением который сидя за расстроенным роялем, представляет себе каждого участника оркестра. Только вообразите насколько сложно по рядам закорючек на бумаге представить себе звучание реального музыкального полотна и скорректировать его!
Современному аранжировщику (композитору) не обязательно ждать пока соберется оркестр – можно с помощью MIDI-клавиатуры управлять библиотеками звуков (Native Instruments и другие), а там есть все – от скрипки до латинской перкуссии. Также не обязательно держать все в голове, многодорожечный музыкальный редактор (DAW) с легкостью зафиксирует любую самую сложную партию с возможностью исправления. Возможно, не все хотят это осваивать, но факт есть факт.
С другой стороны произошла более сильная дифференциация, не смотря на то, что каждый композитор (выпускник консерватории), сдает экзамен по дирижированию, хорошо управлять оркестром он будет не в состоянии, для этого нужен профессиональный дирижер. Пользуясь случаем, отвечу на вопрос – может ли современный оркестр играть без дирижера? Безусловно может, но во-первых количество усилий по подготовке репертуара увеличивается в геометрической прогрессии, во-вторых действительно сложные ритмически произведения вряд ли будут исполнены.
Но где же шедевры? Почему нет больше Бетховенов? На самом деле музыкальные гении никуда не делись, просто за счет интернета (упрощенное обучение и обмен информацией) их сложнее найти, ведь каждый музыкант пытается себя продвинуть, а продвижение и гениальность не одно и то же. Часть этих гениев пишет аранжировки для попсы, зарабатывает деньги на жизнь, другая не имеет финансов на реализацию идей. Тем не менее, шедевры появляются. Меня недавно очень впечатлил Австралийский гитарист и композитор Plini, выдающаяся работа во всех смыслах!
2.1. Учитывайте опыт поколений. Человеческие возможности, помноженные на технические особенности инструментов за годы эволюции оркестра (группы) утвердили рамки вариаций темпа, популярные фигуры ритма, удачные гармонические приемы. То есть для каждого участника музыкального коллектива\музыканта существует свой комфортный диапазон, в котором он раскрывается наилучшим образом.
Например, не всем инструментам дано блистать виртуозностью, как бы ни старался музыкант, свобода скрипки не свойственна гобою, в силу технических причин, хотя данный факт не делает последний менее значимым. Фортепиано, наиболее универсальный инструмент во многих планах и все же в самых медленных темпах тяжело добиться плавного и мелодичного звучания, в предельно быстром же темпе дает знать о себе перкуссивный характер звукообразования («ксилофонный» стук молоточков).
2.2. Ритм. Не важно, какой жанр рассматривается, построение композиции логично начинать с фундамента, низкочастотных инструментов (низкого регистра) и перкуссии, тех которые образуют ритм, а в конечном итоге грув. Ритм присутствует, даже если в композиции нет «ударных», в таком случае большая ответственность перекладывается на так называемые акценты. Развитие темы всегда происходит в формате заложенной ритмической сетки, где наивысшей формой развития является полиритмия, одновременно существование двух размеров. Негласное правило: чем ниже звучание инструмента, тем медленнее темп в котором он играет, относительно общего темпа трека. Наверняка все слышали слова: стаккато, легато, остинато, пиццикато, тутти; ими обозначают эти самые ритмические выкрутасы, т.е. тип музыкального штриха. Некоторые приемы уже стали как клише для своих жанров и инструментов, например «прямая» бочка при вступлении и солирующий голос на переднем плане в попсе.
Лидеры по использованию сложных ритмических рисунков жанры джент и прогрессив-рок. Конечно, в этом абзаце я не смогу рассказать про все тонкости, вроде вступления из-за такта, форшлаги, ноты с точкой, зато вы можете все это услышать скажем у Dream Theater.
2.3. Гармония, мелодические маневры. Условно разделим тональности: грустные (минорные), или радостные (мажорные). Определяемся, какие нас интересуют в конкретном случае и далее выбираем строительный материал, то есть ноты, которые можно будет использовать. Для этого довольно давно придумали систему интервалов (терция, кварта, квинта, унисон) и ладов (ионийский, лидиский, дорийский), кварто – квинтовый круг гамм, неважно какую мы музыку делаем, отказаться от этой теоретической базы сложно. В лучшем случае композитор может перейти в параллельную тональность, сделать короткие атональные вставки для контраста (диссонансы). Можно конечно отречься от передвижения по проторенной дороге, но в итоге получившиеся произведения неизбежно попадут в раздел experimental, слушать такое может очень узкая категория людей, по сути таких же музыкантов-экспериментаторов.
2.4. Тембр. Наверное, это самый богатый пункт в нашем списке ограничений. Каким может быть характер тембра? Например: агрессивный, мягкий, глубокий, насыщенный, тусклый, яркий. Музыка это передача эмоций звуками, поэтому композиторы тщательно ищут не только тип инструмента, который способен сыграть нужные ноты (диапазон инструментов разный), но также и конкретный тембр из ряда имеющихся вариантов соответствующий художественной задаче.
На сегодняшний день ничего не изменилось. Не стоит воспринимать новые жанры, например электронную музыку, как нечто из ряда вон выходящее. На самом же деле в основе синтеза все равно лежат «аналоговые» принципы, шаблоны, идеи. Пилообразный агрессивный «лид» это практически та же скрипка, или электрогитара с эффектом дисторшн. Пэды (подкладка, фон) – старая добрая секция струнных, про новшество арпеджиатора нечего и говорить.
Речь идет не о том, что все произошло от скрипки, просто в разных жанрах музыки имеются сходные потребности в тембрах, а более того оные подражают один другому, будто передразнивают, большинство из которых – человеческому голосу. Найти удачный сплав тембра и мелодии – вот настоящая задача, даже гитарный звук, который изучен вдоль и поперек, каждый раз при записи простой любительской группы, отнимает чрезвычайно много времени для настройки педалей эффектов, усилителя, расположения микрофона.
Заключение
Если провести анализ ВСЕХ произведений в мире с помощью какого-нибудь продвинутого алгоритма (или нейронной сети), мы увидим, что для каждого жанра существует набор самых популярных тембров, темпов, размеров, приемов игры и бог знает чего еще, из которых можно будет сформировать своеобразные музыкальные законы.
Затем представим, что мы искусно связали все эти факты и правила в одну трехмерную математическую модель. Теперь чтобы создать новое произведение нам достаточно будет заполнить анкету и поставить галочки в нужных местах, а компьютер сам предложит строительный материал: наиболее популярные варианты, ходы, тональности, тембры, подберет из фонотеки готовые примеры для пущего вдохновения. В принципе нейронные сети уже пишут стихи в стиле того или иного автора и кстати лучше всего у них получается образная бессмыслица.
Музыкант, который горит желанием попасть в рамки популярности, осознанно или неосознанно, всегда будет стремиться к уже известным истинам, сформированным веками, а также текущей музыкальной средой, или скорее группами\композиторами которых он слушал в молодости. Талантов не стало меньше, наоборот их стало больше, повысилась лишь планка гениальности. Музыкальное образование стало общедоступным, хочешь – потратить 10-15 лет и станешь виртуозным пианистом, нет, не самым великим-гениальным, но вполне узнаваемым.
Музыка с текстом (словами) всегда будет цениться широкой массой больше, ибо она более понятна, человеческий голос - главный инструмент. Редко бывает, чтобы хороший голос пел правильные слова, но так устроена жизнь, или красивый тембр или красивый смысл. Впрочем, на любое правило находится исключение, так например я не представляю песен Высоцкого исполненных другим вокалистом, хотя не могу назвать тембр Владимира Семеновича очень привлекательным по отдельности от его стихов. Масштаб личности не отражается в нотах, но это безусловно очень важный атрибут великого музыканта, вне зависимости от того на чем он играет.
Рекомендую посмотреть, как устроена музыка с ведущим-музыкантом Говардом Гудалом:
Закончить данную заметку хочется словами Иоганна Себастьяна Баха, величайшего из композиторов, чей вклад признают абсолютно во всех странах: «Цель музыки – трогать сердца!»