О, Авангард! Самое противоречивое, странное, непонятное, сложное, будоражащее воображение направление в живописи, да и наверное в любом искусстве. Его можно любить, ненавидеть, восхвалять, придавать анафеме, вешать в Лувре или же сжигать, но игнорировать его нельзя! А нужен ли нам авангардизм? Что это вообще и с чем его едят? Под какими веществами нужно быть, чтобы его понять? На все эти вопросы я попытаюсь вам ответить…
А что такое Авангард?
Точного определения у этого термина нет. Даже лучше, не один Авангардист XX века не подозревал, что относится к этому направлению. Более или менее термин этот устоялся в начале XXI века. Конечно, появилось название ещё в 1825 году, но имело больше политический характер. А в 1910 году русский критик Александр Бенуа в рецензии на выставку Союза русских художников разделил всех участвовавших в ней живописцев на авангард, центр и арьергард. Причислив себя и своих друзей из „Мира искусства“ к центру, он иронически назвал авангардом несколько молодых москвичей во главе с М.Ларионовым, по его мнению, слишком далеко зашедших вперед по пути разрушения принятых норм в искусстве. Прогноз Бенуа оказался верным, а термин утвердился, хотя и спустя много лет.
Далее Авангардизм развивался, постигал новые высоты и вдохновлял людей на что-то безумное, но так и не получил точного определения, тем не менее выработав ряд определённых принципов по которым происходит определение принадлежности к авангардизму.
Вот они:
1. Экспериментальный характер
2. Направленность против традиционного искусства и его ценностей
3. Активный протест против всего того, что по мнению представителей авангарда, являлось консервативным и обывательским
4. Отказ от «прямого» изображения действительности
5. Создание принципиально новых форм, приемов и средств художественного выражения
6. Стремление к стиранию границ между традиционными видами искусства и их взаимопроникновению.
Теперь всё стало просто. Смотрим на картину, проверяем все пункты, если сходится, то авангардизм, а в обратном случае классическая живопись. Но так ли всё просто? Ведь я уверен, что вы не станете такими методами проверять принадлежность к тому или иному пласту живописи. Вы просто посмотрите и попытайтесь определить. И это не плохо, но для начала вы должны условиться со своим мозгом, что классический рисунок — это не обязательно академически правильные формы, библейские подтексты и правильность перспективы. Отнюдь, нет. Например:
Это картина Иеронима Босха — Сад земных наслаждений. Тут творится полный треш. Куча голых людей, которые не понять, что творят, какие-то причудливые здания, огромные, странные животные. Всё яркое, непонятное. Хотя, возможно, так у кого-то проходят посиделки с друзьями… Но я ведь и не всю картину показал. Это лишь её середина, а что справа?
Ну, тут без веществ точно не обошлось! Куча непонятных, абстрактных персонажей, безумный хаос, апогей абсурда. Как бы не так…
На деле, каждая деталь этой картины имеет смысл. Триптих считается шедевром изобразительного искусства и относится к классическому рисунку. Если вас интересует, что всё это безумие означает, то посоветую вам один сайтик: https://www.google.ru
А вот другая картина, поспокойней и более приближенная к обычной живописи:
С виду обычный, непримечательный натюрморт, который, однако, принадлежит к направлению авангардизма и даже более, стал опорой для создания кубизма, который совершенно абстрактен и не похож на реальность. Но почему же это не классический рисунок? В первую очередь из-за техники, отсутствия точности, некой бесформенности предметов. Грубо говоря, это совсем не похоже на фотографию. Вы скажете: «А ПРОШЛАЯ КАРТИНА — ПРЯМ ОТРАЖЕНИЕ ДЕЙСТВИТЕЛЬНОСТИ», но нужно понимать в какое время была написана та картина. Это были времена, когда люди всерьёз ожидали чего-то подобного в аду, в раю и на земле. Для них вся эта вакханалия не казалась совсем странной, напротив: они были уверенны, что так и есть. На картине Сезанна тоже вполне реальный стол с вполне реальными овощами и прочими вещами, но представлены они размыто, как-то неровно, и этого уже достаточно, чтобы причислить творение к авангардизму. Поля Сезанна считали глупцом, бездарностью, но после его смерти, картины ушли за бешеные деньги и стали вывешиваться в самых крутых музеях разных стран.
Генезис авангардизма
А где исток того течения? Какая картина стала краеугольным камнем авангарда? Тут нужно сказать, что начало было не только с картины, но и с направления: импрессионизма.
В 1874 году Клод Моне готовится к выставке Анонимного общества художников. Он собирается продемонстрировать картину: «Восход Солнца». В последние минуты перед открытием он меняет название на: «Восход Солнца. Впечатление». В переводе на французский: «Lever du soleil. Impression» Последнее слово стало названием направления, в котором писал Моне. Но, что же это за картина такая? Что в ней было особенного, что она создала целое направление, а в будущем и целый пласт живописи. Готовы? Надеюсь, что да, ибо я представляю вам первую в истории картину, причисленную к авангарду! В голове уже множество абстрактных линий, которые ничего не значат для вас, но так важны художнику… Однако:
Ничего особенного. Как будто эскиз, который выдали за полноценную картину. Изначально эту картину даже не хотели выставлять, ибо она выглядела незаконченной, но это было не так. Моне специально не делал чётких силуэтов, ведь хотел передать именно впечатление. Его не волновали люди, заводы, порты и прочие мелочи. Интересней для него была природа и свет. Для написания этой картины он вставал рано утром и по 10 минут в день наносил мазки на поверхность. Почему? Вот, как это описывал сам Клод Моне:
В то утро я вскочил с постели, чтобы поймать неуловимое, ведь на восходе освещение постоянно меняется. Его нужно писать сразу же, каждый оттенок. Сколько у меня было времени? Минут 10, не более. И я схватил мольберт, кисти и стал наносить размашистые крупные мазки.
Конечно же картину раскритиковали современники Моне. В газете Le Charivari вышла статья «Выставка импрессионистов», что тогда звучало как насмешка. В ней журналист Луи Леруа резко негативно высказался о работе Клода Моне. Вот вам цитата:
Обои, и те смотрелись бы более законченно, чем это „Впечатление“!
Дальше у Клода Моне также всё шло не очень хорошо. Его работы украли, творчество этого художника не признавалось, но всё начало меняться через несколько лет.
Постимпрессионизм
В 1910 году впервые был введён термин постимпрессионизма — последователя импрессионизма, предложившего новые творческие методы. Теперь для постимпрессионистов был важен не цвет, а духовное состояние, перенесённое на холст. Именно это течение принесло нам одних из самых известных художников начала XX века: Поль Сезан, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Анри Руссо и т.д.
Причём стоит заметить, что в этом направлении цвет стал не целью, как у импрессионистов, лишь средством для передачи душевного состояния художника или же объектов написания. Также кратенько упомяну, что в то же время существовали Неоимпрессионисты, которые больше изучали цвет и пытались всячески экспериментировать, чем что-то передать. Многие неоимпрессионисты использовали точечную технику написания, то есть наносили на холст маленькие точки, которые вместе смешивались, образовывая новые цвета и составляя полноценную картину.
После первых авангардистских течений, которые со временем начали признавать, эксперименты начали продолжаться. И иногда в этих экспериментах появлялось нечто невероятной красоты, однако живущее не очень долго, но успевшее оставить нам свои плоды. И таким прекрасным экспериментом оказалось Ар-нуво или Модерн.
Ар-нуво(Модерн)
Это течение резко влилось в океан живописи и так же быстро растворилось в нём, однако успев оставить неизгладимый след. Конец XIX начало XX века были ознаменованы бурной индустриализацией в странах Европы и Америки. Традиционный вид производства был смещён в сторону и на место уютных мастерских, пришли гигантские заводы с кучей конвейеров. Тогда и встал вопрос «Искусства и ремесла». Можно ли их совместить? Что если средством живописи станут не только краски, кисти и холст, но и металлы, камни и прочее? Так и появился Ар-нуво, который даровал нам мега-красивые и необычные картины, завораживающие своей уникальностью. Да что я рассказываю, просто посмотрите на произведение искусства за авторством одного из самых ярких представителей модерна — Густава Климта.
Это невероятно красивая и изысканная картина, наполненная какой-то нежностью и любовью. Здесь нет античной пошлости времён эпохи Возрождения. Да, тогда это было нормально, но человечество прогрессирует и то, что раньше нам казалось нечтом обыденным, теперь совершенно неприемлемо и вызывающее некое отвращение. Не подумайте, я признаю и уважаю античное и средневековое творчество, но на то эта картина и является авангардной, что выводит нежность поцелуя на новый уровень. В этой картине на первый план выходит именно поцелуй, а не оголенные тела. Также тут множество новшеств в цвете, перспективе и многом другом, но это тема для отдельной статьи… Однако это течение прервало одно событие, разрушившее 4 империи, уничтожавшее тысячи городов и убившее миллионы людей — первая мировая война.
Экспрессионизм
Первая мировая война уничтожила множество судьб, разрушило миллиарды мечтаний и стремлений, но не смогла убить в людях надежду, хоть и приблизилась к этому. Но самое главное, что она оставила не сгладимый шрам в сознании людей, переживших это событие. Особенно этот шрам был виден в депрессивном творчестве художников, особенно немецких. Надо понимать, что далеко не всё население Германии поддерживало всю ту кавалькаду, происходящую на сцене первой мировой, а с таким режимом любой несогласный обречён на страдания. Так что, очень закономерно мы получили огромное количество немецкого творчества в послевоенные времена. Чего только стоят работы Эриха Мария Ремарка с его мрачными историями о жизни обычных военных, эмигрантов, да и просто людях, переживающих всё безобразие.
И вот, весь послевоенный шок начал выливаться и в живописи, создав новое течение Экспрессионизм. Начнём с названия. Явно название этого направления произошло от термина — «Экспрессия». Давайте повторим его значение.
Экспрессия — яркое проявление чувств, настроений, мыслей.
А как ещё, если не с помощью экспрессии выпустить все переживания и страхи, появившиеся после войны? Итак, перейдём к деталям. В чём же заключается новаторство этого нового течения? В большем искажении реальности в угоду изображения переживаний в душе. Чёткие контуры и правдоподобные формы ушли в сторону, впереди теперь чувства и мысли, спрятанные за искажённым изображением. От слов к примеру:
Это известнейшая картина Эдварда Мунка — Крик. История этого произведения настолько же таинственна, как и сама картина. Но для нас важно именно то, что мы чётко видим основные принципы экспрессионизма. Размытые линии, тревожные цвета, да и в целом всё пространство холста наполнено тревогой и переживаниями. Это точно нельзя назвать классической живописью, но можете ли вы назвать это бездарным творением?
Но тёмным цветам должно было придти на замену новое яркое направление, и оно пришло! И имя ему — Фовизм.
Фовизм
Что будет, если связать импрессионизм, символизм и экспрессионизм вместе и добавить немного позитива? Ответ очевиден — Фовизм! Так вышло, что слова не смогут описать картины этого направления, поэтому сразу перейдём к холсту:
Я понимаю, это похоже на рисунки вашей младшей сестрёнки или братика, а может и вашего ребёнка, не знаю каков возраст моего читателя. Но сейчас не об этом, а о том, что на самом деле это действительно выдающиеся произведение, которое, кстати, стоит баснословных денег. Крупные мазки, яркие краски, демонстрирующие чувства пережитые при созерцании того или иного вида. В этом весь фовизм. Однако на горизонте было нечто совершенно новое и революционное…
Кубизм
Вот мы и подошли к самому яркому и значительному направлению в авангардизме — кубизму. И буду честен, он мне невероятно нравится. Самое интересное в кубизме — это окончательное нарушение перспективы, которое будоражит воображение. Теперь объекты изображаются с нескольких точек точек зрения одновременно, а значит мы видим новый взгляд на увиденное. Если вам угодно, то перед нами компиляция разных представлений о происходящем на одном холсте. На этот раз я приведу две картины, чтобы показать всю многогранность и оригинальность этого направления. Итак, прошу вашему вниманию первую картину:
Что же мы видим? Конструкцию из множества геометрических фигур, напоминающих строения. Теперь перейдите на следующую картинку. Это тот самый замок Ла-Рош-Гийон, который вдохновил Жоржа Брака на данную картину. Немного передохните от моей галиматьи и чательно сравните холст и фотографию. Чувствуйте, как границы реальности и вымысла размываются? Знакомьтесь, это магия авангардизма. Одной из целей Жоржа Брака было материализация пространства. Брак хотел сделать его «ручным». И как видите ему удалось. Через некоторое время рассмотрения этой картины появляется ощущение, что на этом холсте деталей даже больше, чем в фотографии, ведь всё пространство теперь имеет форму, полностью отвергнув пустоту. И, чёрт возьми, как же это поэтично! Но не пейзажами кубизм един, а творческим и экспериментальным характером. Поэтому предлагаю к вашему рассмотрению и дальнейшему анализу ещё один холст, принадлежащий течению кубизма:
О да, я понимаю, что ваш мозг оказывается воспринимать эту бурду, как что-то полноценное, но постарайтесь всмотреться. И тогда вы поймёте, что это какого-то рода пазл. И тут мы замечаем, что изогнутые линии сверху образуют лицо, снизу большой прямой угол изображает руку, изгиб руки предполагает, что она опирается на подлокотник, и рядом с подписью Пикассо есть изогнутая форма, напоминающая ножку. Плотно сгруппированные формы в центре композиции, изображают части аккордеона и что-то вроде трех пальцев руки, а несколько прямоугольников обозначают сильфоны аккордеона. И разве это не гениально? Но пора упарываться сильнее! Вывозите супрематизм…
Супрематизм
Самое ненавистное всеми хейтерами авангардизма направление в искусстве. Творчество этого течения не воспринимается основной массой людей, как творчество, однако это всё равно считается искусством. И кто бы что не говорил — оно гениально. Давайте вспомним одну очень старую, но верную фразу. Всё гениальное — просто. Так почему же простой чёрный квадрат не может быть гениальным? Из-за консерватизма, чванливости и отказа пытаться понять то, что изначально не понятно. Сейчас я разберу самую известную картину из направления супрематизма и попытаюсь кратко вам объяснить почему эта картина считается многими революционным шедевром.
Начнём с того, что искусство не в коем случае нельзя рассматривать в вакууме. Контекст очень важен. Без него и «Зал быков» может считаться детской мазней. Надеюсь это мы уяснили. Теперь рассмотрим тот самый контекст. Итак, 1915 год, рассвет авангардизма. На слуху у каждого Пикассо, Жорж Брак, Андре Дерен, Жорж Сёра и многие другие деятели экспериментального творчества. Искусство стремится к упрощению формы в угоду цвету. Изучение цвета является важной частью авангардизма. А какой цвет является самым всеобъемлющем? Что мы получим, если смешаем все основные цвета? Конечно же чёрный! Теперь совместим все важные факторы авангардизма того времени, а именно: стремление к упрощению, изучение цвета и поиски совершенства в обоих пунктах. Теперь перемещаемся на первую супрематическую выставку во главе с Казимиром Малевичем и его работой — «Чёрный супрематический квадрат», находящейся буквально в красном углу, словно икона. И действительно, по сути эта картина — это вершина простоты формы и цвета. Это манифест современного для того времени авангардизма. Апогей человеческой мысли. Вот почему это произведение искусства считается шедевром живописи. Опять же, я не сказал и половины того, что стоило бы сказать, но это не статья об определённой картине и даже не об определённом направлении, а о целом пласте живописи, поэтому я просто посоветую вам посмотреть некоторые лекции о «Чёрном супрематическом квадрате», чтобы иметь полное представление о важности этого холста, а мы пойдём дальше.
Дадаизм
Для объективности не могу не рассказать про дадаизм. Как и сейчас, не все были согласны с авангардизмом и его абстрактностью, поэтому появилось направление, высмеивающее всё это течение. Единственное правило дадаизма — отсутствие правил. Лепи что угодно и называй так, чтобы все думали о смысле написанного, которого нет. Вот и всё. Но и такое искусство имеет право на существование, ибо тоже содержит в себе мысль. Так что несогласие с принципами авангардизма тоже является авангардизмом, ведь тоже является чем-то новым и протестным. Ну и вот вам пример картины, которая написана в направлении дадаизма:
Сюрреализм
Против чего боролись — на то и напоролись. Мне кажется, что эпиграфом истории дадаизма нужно прикрепить цитату из произведения Иоганна Вольфганга Гете — «Фауст» :
Я — часть той силы, что вечно хочет зла и вечно совершает благо.
Спасибо Булгакову за подсказку. И действительно, даже из дадаизма авангардисты взяли принцип бессознательности, объединив с исследованиями Зигмунда Фрейда о сне. Так и появился сюрреализм. Многие картины этого направления были написаны под впечатлением от снов художников. Но это, отнюдь, не означает, что весь сюрреализм не имеет смысла. Символизм и метафоричность совсем не чужды этому течению живописи. Особенно это видно в творчестве Рене Магритта. Давайте рассмотрим его самую известную картину и попробуем понять краеугольный принцип сюрреализма.
Стоит уточнить, что название картине дал не сам автор, а критики картины, увидев здесь божественные подтексты. Однако сам Рене Магрит не раскрывал истинного смысла картины так как хотел, чтобы каждый интерпретировал смысл этого холста сам. Таким образом, картина обретала многогранность смысла. Каждый объяснял смысл картины по-своему. Кто-то ударялся в конспирологию и видел здесь предупреждение о каких-то тайнах, которые могли привести к катаклизмам, кто-то видел божественные подтексты с яблоком раздора и так далее. Из этого мы можем понять, что главный принцип сюрреализма — это свобода интерпретации. Каждый видит ту или иную картину по разному, что давало холсту второе дыхание. Возможно из-за этого сюрреализм плотно интегрировался в современную поп-культуру. Именно свобода интерпретации позволяет картинам этого направления оживать снова и снова.
Выводы
Конечно я рассказал далеко не о всех направлениях авангардизма. Есть ещё: неопластицизм, футуризм, магический реализм, абстрактный экспрессионизм(о нём мы ещё поговорим), живопись цветного поля, минимализм, концептуализм и т.д., однако, как я и говорил, речь идёт не о конкретных направлениях, а о авангардизме в целом, и этот краткий экскурс в историю был нужен для того, чтобы проследить за развитием авангардизма, а также мне хочется найти параллели развития авангарда и людей с исторической и эволюционной стороны. Ведь заметьте, с развитием авангарда форма уступала смыслу. Мы начали больше думать. Упрощая, мы делали сложнее. Творчество становилось всё менее очевидно, но тем намного многогранней и интересней. Так же и в истории. Мы стремились упростить себе жизнь, но в итоге усложняли её. Только нужно понимать, что упрощалась не «форма», а усложнялся смысл. Я, надеюсь, что вы поняли мою мысль. И нет, я не хочу сказать, что нужно превозносить авангардизм, я лишь прошу принять его. А для этого нужно научиться не смотреть, а видеть. Подмечать детали, мыслить о том, что нам хотят сказать. И если вы попытайтесь сделать это, то обещаю, авангардизм заиграет для вас новыми красками. Мой призыв: отбросьте свой консерватизм и попытайтесь посмотреть на мир свежим взглядом!
Кода
На последок хочу попросить вас не молчать и выразить своё мнение по этой теме. Пусть вы не очень компетентны, пусть ваше мнение отличается от других, этого не стоит бояться! Просто расскажите, что думайте. Никто не в праве осуждать вашу точку зрения на определённую тему. Поэтому надеюсь, что я был услышан и понят. Большое спасибо за прочтение