Продолжаем разговор о тоналистах и переходим к современным мастерам. Начало разговора здесь.
Брент Коттон
Я поставил его первым, поскольку он мелькнул ещё в предыдущей публикации. Хотя он моложе остальных (кроме Бретта Эмори) - родился в 1972 году.
Несмотря на достаточно текстурную, богато проработанную поверхность живописных работ, он – настоящий тоналист. Многие детали в его картинах даны крайне обобщенно, порой это – всего лишь силуэты объектов, а не сами объекты. Посмотрите, как он изображает группы деревьев – они соединяются в единую массу, и лишь несколько ветвей или стволов «выхватываются» из этой массы светом. В каждой из картин есть доминирующий цвет, плюс один - два других, которые его поддерживают и выгодно его оттеняют. Как и мастера-тоналисты прошлого, Коттон часто изображает состояния природы при переходе от тьмы к свету и наоборот. Раннее утро, поздний вечер, туман – это достаточно частые сюжеты его работ. А особенностью, которая делает художника звучащим по-настоящему современно, является то, что я уже упомянул – виртуозное использование текстурных приемов нанесения краски. Даже на репродукциях видно, какая она пастозная, как нанесена (в основном мастихином).
Не могу не сказать пару слов о комментарии, который я встретил в сети в связи с этой манерой художника. Дословно цитировать не буду, но суть сводилась к тому, что текстурные приемы (пастозное нанесение краски, просвечивающий холст) - это просто "модно". Наверно, мне нужно написать отдельную статью об этом, поскольку вопрос не такой поверхностный, как может показаться. Если в двух словах - эти приемы существуют давным-давно, поскольку они идут от самого характера краски, ее плотности, вязкости, густоты. Но только сравнительно недавно художники стали это использовать и подчеркивать в своих работах. Вместо того, чтобы относиться к этому как к дефекту, они, осознав, что текстуры краски обладают самостоятельной красотой, научились достигать новых эффектов минимальными средствами.
Брент Коттон вырос в Айдахо, а живет в штате Монтана, где и пишет большинство своих пейзажей. Подробно его биографию излагать не буду, поскольку этот пост не только о нём. Но два интересных момента отмечу.
Первое - он начинал как художник "ковбойской" темы. С детства проявлял интерес к дикой природе, резал по дереву, много путешествовал. К живописи пришел осознанно, и свой стиль нашел, начав работать на пленэре. Об этом сам он говорит так:
"Я начал расти как художник, работая с натуры, что заставило меня пристальнее смотреть и тренировать взгляд, чтобы отбросить несущественное и сосредоточиться на главном".
По-моему, эти слова прекрасно передают суть работы не столько художника-тоналиста, сколько вообще любого художника, стремящегося отразить в своих работах окружающий мир - и реалиста, и импрессиониста, и последователя старых мастеров. Отбросить несущественное, оставить то, что ты считаешь главным - в этом суть любого творчества.
И второе - Брент Коттон заядлый рыбак, и это не только определило тематику многих его работ, но и в значительной мере повлияло на общий настрой его живописи. Этот настрой - такой спокойный, умиротворяющий, художник и сам говорит, что стремится к этому и бывает рад, когда зрители находят это в его картинах.
Майкл Уоркман
Его пейзажи необычайно порой лаконичны даже для тоналиста. Проработка деталей сведена к минимуму, а основным выразительным средством является компоновка крупных масс. Уоркман каждый раз ищет во взятом для картины мотиве выразительный силуэт, стремится найти оптимальное соотношение главных составляющих пейзажа — неба, земли, и того, что находится на земле. Линия, разделяющая небо и землю то высоко поднята, то опущена совсем низко, что заостряет композицию, делает ее необычной. И конечно, он сводит к минимуму пестроту натуры, стремится оставить два-три основных цвета с тонкими нюансами внутри каждого из них.
Он часто использует квадратный или близкий к квадратному формат и организует его пространство как бы «слоями». Например, нижний слой — поверхность земли, затем — сложный силуэт какого-либо объекта — группы деревьев, зданий или гор, - и верхний «слой» - небо. Интересно, что при такой достаточно простой схеме его работы не выглядят однообразно, художник каждый раз находит в натуре новые оригинальные особенности.
Уоркман считается одним из главных современных тоналистов Америки. В начале творческого пути ориентиром и кумиром для него являлся Джордж Иннесс (работы которого можно увидеть в первой публикации). Уоркман родился в 1959 году в штате Юта. Со временем он перебрался из гористой местности, где провел юные годы, в центральную часть штата, но пейзажи Юты продолжают оставаться для него источником вдохновения. Он по-прежнему живет там в местечке под названием Спринг Сити со своей женой и детьми.
Интересный момент в биографии — обучаясь в Университете Юты, Уоркман зарабатывал созданием иллюстраций с изображениями архитектуры, и это, как говорит художник, приучило его относиться к занятиям живописью как к повседневной обязанности.
Рассел Чатам
Быть может, ему было судьбой предначертано работать в жанре архитектурного пейзажа – но нет, он посвятил себя в основном изображению природы. Она предстает на его картинах очень упорядоченной, ритмично организованной. Никакого хаоса. Строгость и чистота линий. Он тяготел к горизонтальному членению своих композиций, организовывал их похоже на то, как это делает Уоркман. Но он еще и подчеркивал протяженность пространства, царящий в этом пространстве покой. Кажется, что его картины — это отдельные кадры, вырезанные из бесконечной ленты неба, воды, лесов и полей.
Рассел Чатам был прежде всего выдающимся графиком. Все приведенные в следующей галерее картины - это литографии. Цвет в его работах ещё более сдержан, чем у других тоналистов, но вот проработке деталей художник явно уделял больше внимания.
Рассел Чатам родился в 1939 году в Монтане, много лет провел в Калифорнии. Его дедом был художник-тоналист Готтардо Пьяццони, также упомянутый в прошлой публикации. В искусстве Чатам был до известной степени самоучкой, однако к работе подходил очень серьезно. Свои литографии он печатал в 30 — 40 слоёв разными цветами, причем достаточно яркими, и те, кто видел их в процессе работы, бывали удивлены крайне сдержанной, изысканной и нежной цветовой гаммой готовых листов. За пятьдесят лет своей художественной практики художник провел около 400 выставок. Скончался он в 2019 году, так что мы вполне можем считать его своим современником.
Чатам был и очень тонким, интересным живописцем - вот несколько его работ маслом.
Из интересных фактов биографии. Помимо работы художника, Чатам еще и занимался литературным творчеством. Его сборник рассказов «Тёмные воды» достаточно хорошо известен у него на родине. Среди почитателей таланта художника и постоянных покупателей его работ значится известный американский актёр Джек Николсон.
Бретт Эмори
У этого художника манера исполнения находится в полном соответствии с сюжетом. Городские сцены, чаще всего с минимальным количеством действующих лиц. Люди в этих картинах - не главное, они - такие же объекты городской среды, как здания, витрины, уличные огни. Просто необходимые элементы, дополнения - поэтому я и поместил этого художника к пейзажистам.
Бретт Эмори родился в 1975 году. В настоящее время живёт в Окленде. Конечно, он - абсолютно современный художник. Множество углов, фрагментарность композиционных решений, и текстуры, текстуры... Но в следующей галерее он предстаёт именно как мастер создания настроений - отчужденных, немного депрессивных и, я бы сказал, чуть-чуть загадочных. Такое состояние порой испытываешь поздним вечером или ночью в незнакомом городе. Налицо и крайняя обобщенность форм, и сдержанная, ограниченная цветовая гамма - все основные признаки тонализма.
У Бретта Эмори помимо таких вот работ, действительно имеющих очень много общего с тонализмом, есть и совсем другие, отражающие всю пестроту современной жизни. Ниже можно увидеть две из них. Но надо помнить, что последовательных тоналистов очень немного, а художников, которые время от времени обращаются к этой стилистике - полным-полно.
Ну, и чтобы закончить разговор о тоналистах-пейзажистах, ещё одна, и достаточно неожиданная фигура в списке – скорее всего, хорошо вам знакомый художник -
Тибор Надь
У него немало тоналистских работ, хотя манера исполнения у него достаточно далека от лаконизма и умиротворенности классиков.
Часто складывается впечатление, что Надь не кладет краску на холст, а кидает её — резко, порывисто, стараясь максимально выявить не только текстуру изображаемых объектов, но и текстуру самой краски. Такие мазки хочется назвать «рваными». Глядя на эту живописную поверхность нельзя не вспомнить нашего Фешина — тот тоже придавал текстуре краски самостоятельное значение, сознательно ее усложнял.
При этом Надь очень точно передает настроение изображаемых сцен. И часто изображает «пограничные» состояния природы. Это первое, что роднит его с тоналистами. А второе - это то, что колористические решения он часто сводит к двум-трем основным цветам, которые, правда, у него проникают друг в друга, то переплетаются, то сливаются, то резко контрастируют.
Тибор Надь (не Наги, как его иногда называют в сети, венгерская фамилия Nagy, означающая "большой" - одна из самых распространенных), по национальности, как уже ясно, венгр, но родился в Словакии, в 1963 году. Он пробовал себя и в чисто натуралистической манере, и в сюрреализме, и в абстракции, но в конце концов выработал манеру изображения, позволяющую увидеть необычные пластические ходы в довольно заурядной натуре. Он берет достаточно простой мотив и наполняет его собственным пониманием того, как там все устроено. Поэтому его картины сильно отличаются от того, какими мы привыкли видеть вещи и явления. Он тоналист по колориту и настроениям, и вместе с тем он ломает свойственный тоналистам подход к изображаемому как к чему-то достаточно спокойно существующему. У него все движется, ползёт, даже взрывается. Вода не течет, а бурлит, облака в небе бешено клубятся, а штукатурка на стенах вибрирует и готова осыпаться. Ну что ж, такое настроение тоже имеет право на существование. И уж во всяком случае, к тонализму Надь имеет не меньше отношения, чем к импрессионизму, последователем которого его порой называют.
На этом рассказ о тонализме можно было бы и закончить, но мне хотелось бы ещё раз подчеркнуть три важных момента: 1) термин "тонализм" в ходу только за рубежом, в первую очередь - в США, у нас он не принят; 2) исторически тонализм локализован во второй половине XIX - начале XX века, как направление, параллельное импрессионизму, причём само слово появилось гораздо позже, в 1970-е, а ранее художники, работавшие в данной манере, именовали себя "люминистами"; 3) отдельные художники современности продолжают причислять себя к "тоналистам" или "люминистам" сами, или предоставляют делать это дотошным исследователям их творчества, и в том и в другом случае ответственность за это лежит на них самих. С основными характерными чертами живописи тоналистов можно ознакомиться в первой публикации на эту же тему.
Хотелось бы также спросить, как вам вообще такой формат публикаций, когда несколько художников объединяются единой темой? Не слишком ли это объемно? Быть может, стоило сделать пять маленьких публикаций вместо одной большой? Я буду признателен всем, кто выскажет своё мнение по этому вопросу. В основном на Дзене можно найти рассказы, посвященные одному какому-то мастеру, или даже одной картине. Но, по мне, такой вид публикаций рано или поздно начинает казаться немного однообразным.
Вы можете прочитать другие мои публикации о художниках:
И, как всегда, я буду признателен за комментарии, лайки и подписки.
