Как сохранить яркость масляных красок

Фрагмент картины, написанной на заказ.

Каждый раз удивляюсь, когда слышу критику в адрес масляных красок - они, мол, темнеют и жухнут, и вообще, давно устаревшая тема.

Друзья, надо просто уметь их готовить!

Альбрехт Дюрер давал на свои картины гарантию в пятьсот лет - и не соврал:

Альбрехт Дюрер, портрет Освальда Креля, 1499 год.

Братья ван Эйки, как принято считать, первые стали писать маслом и вообще изобрели масляную живопись - но на их картинах краски всё так же свежи, как и прежде:

У ангела с "Благовещения" Яна ван Эйка даже радужные крылышки не померкли.

Ян ван Эйк, "Мадонна канцлера Ролена", ещё один шедевр, поражающий детализацией и чистотой цвета.

Может быть, у них имелись какие-то особые краски, не чета теперешним?

Как раз-таки наоборот. Выбор красок был гораздо более скудным, большую часть художникам приходилось готовить самим - из чего уж придётся. Будущие достижения химической промышленности оставались далеко впереди, поэтому в качестве пигментов использовалось что попало - от драгоценного лазурита (ультрамарин, приготовленный из лазурита являлся очень дорогой краской и его количество, нужное для работы, специально уточнялось при заключении договора с заказчиком) - до выпаренной мочи слонов (когда-то индийская жёлтая производилась именно так). Всё это измельчалось и растиралось с маслом вручную - причём удобные и привычные нам тюбики появились сравнительно поздно, ближе к двадцатому веку. То есть краски были кустарные, дорогие, зачастую ядовитые (например, знаменитые свинцовые белила) - однако искусство живописи развивалась и процветало.

В чём же секрет?

Разумеется, в магии. Волшебство называется "техника живописи" - и, к сожалению, многие приёмы старых мастеров до нас не дошли. Но основные принципы известны. Почему-то о них не всегда можно узнать, обучаясь на факультетах ИЗО и в художественных училищах - но пытливый ум всегда способен найти все ответы в книгах. Или прочитать эту статью. В конце концов, магия никогда не была общедоступным знанием.

Итак, на что нужно обратить внимание:

1. Основа под живопись.

Традиционно, под масляную живопись используется холст на подрамнике. Холст проклеивается и покрывается грунтом. Грунты бывают разные - сейчас самым распространённым является акриловый - но свойства у загрунтованных холстов могут отличаться. И если степень гладкости или зернистости - дело вкуса художника - то свойство в большей или меньшей степени впитывать масло из масляных красок напрямую связано с качеством живописи.

Практически все знакомые мне фабричные холсты слишком сильно тянут масло - исключение, пожалуй, только холсты под торговой маркой "Чёрная речка" и самые дешёвые холстики из "Ашана". На тянущем грунте краска теряет блеск и яркость, "проседает". Иногда это сильно действует на нервы и тормозит работу. На примере своей картины я показывала это явление здесь:

Если художник грунтует холсты сам - всегда есть возможность добавить в верхний слой грунта побольше клея - и проблема будет решена. Покупной холст тоже можно покрыть таким дополнительным слоем. Некоторые знакомые художники используют для этого акриловую "краску для радиаторов" из строительных магазинов. Поверхность, действительно, получается очень гладкой и приятной.

Совсем исключить впитывание масла, однако, нельзя - краска просто не будет держаться. Грунт должен обеспечить адгезию, сцепление слоёв картины. Если адгезии нет, происходят большие неприятности.

Например, многострадальная картина Репина "Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года", пережившая не одно покушение людей с неустойчивой психикой, была написана на гладком масляном грунте - он тогда только входил в моду и художники ещё не знали всех его свойств:

Красочный слой, к ужасу реставраторов, осыпался не только на месте порезов, но и там, где картину просто задели рукой.

После покушения 2018 года можно увидеть похожую проблему.

Дело в том, что масляный грунт - это просто слой белой масляной краски. А ещё один важный секрет масляной живописи заключается в том, что нельзя просто так положить один слой масляной краски на другой. Требуется такая вещь, как:

2. Межслойная обработка.

Это очень важная штука для всех, кто пишет маслом, кроме любителей техники "алла прима" - работы в один слой. Если слоёв больше одного, вам понадобится ретушный лак:

Тот флакон, что справа) Но бывают в баллонах в виде аэрозоля, очень удобно, когда есть не очень просохшие участки.

Помимо того, что ретушный лак улучшает адгезию, он помогает бороться с прожуханиями.

Что такое прожухание красок? Все, наверное, видели камушки на морском берегу - красивые и яркие, когда их намочила волна - и тускнеющие после высыхания? Так и частицы пигмента в красках тускнеют, когда теряют связующее вещество, масло. Масло - это не разбавитель, как пинен или вода в акварели. Разбавители улетучиваются при высыхании - тогда как мало должно оставаться на месте. У него совершенно другие свойства - при высыхании масло полимеризуется, его молекулы переходят в другую форму. Процесс этот длительный и неравномерный - и начинается с образования тонкой плёночки на поверхности красочного слоя. И вот эта плёночка обладает свойствами мембраны, вытягивающей масло из положенного сверху свежего слоя краски. Ретушный лак растворяет плёнку - и верхний слой краски сохраняет яркость и цвет.

Кроме того, по свежему ретушному лаку просто приятно писать - кисть скользит, краски пластичны, можно делать сколь угодно плавные переходы из тона в тон.

Кроме того, чтобы картина маслом сохраняла яркость, нужно обратить внимание на:

3. Выбор красок.

Есть известный мемасик из Интернета - фото тюбиков красок с ценниками и подпись - мол, отдайте ребёнка учиться живописи, и у него никогда не будет денег на наркотики.

Однако есть вещи, экономия на которых всегда выйдет боком.

Никогда не используйте краски с имитациями пигментов. Мои любимые жёлтые, красные и оранжевые кадмии обязательно должны быть только натуральными. Если на этикетке после названия пигмента добавлена буква "А", или пометка "имитация", или слово "цвет" на каком-нибудь иностранном языке - лучше такую краску не покупать.

Мой основной набор красок. Правильно подобранный необходимый минимум обойдётся не так уж дорого - а хватит его надолго.

На палитре имитации действительно выглядят похоже на то, что имитируют - но сразу теряют насыщенность в смесях - тогда как даже небольшое количество настоящего кадмия продолжает излучать свет даже через другие краски.

Плюс нормальные краски долго сохраняют цвет и после завершения работы - а с непонятной химией ещё неизвестно, что приключится.

3. Разбавитель.

Про это есть подробная отдельная статья:

Основная мысль в которой - не надо разбавлять масляную краску маслом. Это распространённая практика и распространённое заблуждение, которое часто приводит к разочарованиям в результатах труда.

4. Чистые кисточки.

У некоторых моих преподавателей в институте была в ходу поговорка: "больше грязи - больше связи". Однако красочная грязь - не единственный способ достичь в работе колористического единства. И если на картине нужен чистый и свежий цвет - лучше взять чистую кисточку. В отличие от акварели, в масляной живописи нельзя ополоснуть кисточку в воде, приходится вытирать об тряпку. Но сколько её не вытирай - после тёмных красок нельзя взять чистые белила, а после разбелённых оттенков - глубокие тёмные тона. Поэтому кисточек должно быть много.

И надо ещё учесть чистые кисточки, которыми растушёвываются и смягчаются касания и границы между цветовыми пятнами.

5. Последовательность работы.

Ещё в эпоху Возрождения был сформулирован один из основных принципов работы маслом - писать надо "жирным по тощему". Причём понимать это можно сразу в обоих смыслах - чем более глубоко расположен живописный слой, тем он должен быть тоньше - и тем меньше масла должны содержать его краски.

Посмотрим, как это может выглядеть на практике на примере такого розового букета:

Первый слой - подмалёвок - помогает найти основные цветовые и тоновые отношения

Разбавленная краска наносится очень тонко, разгоняется кистью на всю площадь цветового пятна. Белила используются по минимуму, на этом этапе лучше вместо белил использовать белый цвет грунта - так же, как в акварели используют просвечивание белой бумаги. Поэтому краски лучше брать прозрачные и полупрозрачные - помимо прочего, они ещё, как правило, быстро высыхают. Чем быстрее подсохнет подмалёвок - тем быстрее продолжится работа.

Дальше идёт основной этап работы - подмалёвок покрывается ретушным лаком и писать можно в полную силу, более сочно и плотно.

И в самом финале проставляются блики и наносятся самые энергичные и рельефные мазки краски.

Старые мастера в качестве последнего слоя использовали лессировки на масле - но сейчас так мало кто пишет.

Среди публикаций моего канала довольно много подробных "раскладушек" с этапами работы над картинами и пояснениями - если кому интересно, можно смотреть тут:

И так далее, там ещё немало)

6. Живописные лаки.

Для любителей экспериментов есть возможность добавить в краски специальные живописные лаки - например, даммарный. Они придают краскам вязкость и стеклянный блеск, ускоряют их высыхание и улучшают сохранность работ. Яркость тоже помогают сохранить.

7. И последнее, что можно сделать для сохранения яркости и блеска масляной живописи - покрыть работу после высыхания покрывным картинным лаком. Однако с этим делом лучше не торопиться, особенно если слой краски достаточно толстый - картина может сохнуть полгода, а то и год.