1095–1300
I. ЭСТЕТИЧЕСКОЕ ПРОБУЖДЕНИЕ
ПОЧЕМУ Западная Европа в двенадцатом и тринадцатом веках достигла апогея искусства, сравнимого с Афинами Перикла и Римом Августа?
Набеги норвежцев и сарацин были отбиты, мадьяры приручены. Крестовые походы пробудили лихорадку творческой энергии и вернули в Европу тысячи идей и форм искусства с византийского и мусульманского Востока. Открытие Средиземного моря и открытие Атлантики для христианской торговли, безопасность и организация торговли вдоль рек Франции и Германии и на северных морях, а также расширение промышленности и финансов породили богатство, неизвестное со времен Константина, новые классы, способные предоставлять искусство, и процветающие коммуны, каждая из которых решила построить более прекрасный собор, чем предыдущая. Сундуки аббатов, епископов и пап наполнялись десятиной народа, дарами купцов, пожалованиями знати и королей. Иконоборцы потерпели поражение; искусство больше не было заклейменно как идолопоклонство; Церковь, которая когда-то боялась его, теперь нашла в нем благоприятную среду для привития своей веры и идеалов среди людей без букв и для побуждения душ к преданности, которая поднимала шпили, как молитвенные литании, к небу. И новая религия Марии, спонтанно возникшая в сердцах людей, излила свою любовь и доверие Божественной Матери в великолепные храмы, где тысячи ее детей могли бы собраться одновременно, чтобы воздать ей почести и попросить ее о помощи. Все эти и многие другие влияния объединились, чтобы затопить половину континента обильными потоками беспрецедентного искусства.
Древние методы то здесь, то там пережили варварское опустошение и муниципальный упадок. В Восточной империи старые навыки никогда не терялись; и прежде всего с Греческого Востока и Византийской Италии художники и художественные темы теперь вошли в жизнь возрожденного Запада. Карл Великий привлек к себе на службу греческих художников, спасавшихся от византийских иконоборцев; поэтому искусство Ахена сочетало византийскую деликатность и мистицизм с немецкой основательностью и приземленностью. Монахи-художники из Клюни, открывшие в десятом веке новую эру в Западная архитектура и украшения начинались с копирования византийских образцов. Школа монашеского искусства, созданная в Монте-Кассино аббатом Дезидериусом (1072), преподавалась греческими учителями по византийскому образцу. Когда Гонорий III (1218) пожелал украсить Сан-Паоло фуори-ле-мура, он послал в Венецию за мозаичистами, и те, кто пришел, были погружены в византийские традиции. Колонии византийских художников можно было найти в десятках западных городов; и именно их стиль живописи сформировал Дуччо, Симабуэ и самого раннего Джотто. Византийские или восточные мотивы—пальметты, листья аканта, животные в медальонах—пришли на Запад на текстиле и слоновой кости, а также в иллюстрированных рукописях и жили сотни лет в романском орнаменте. Сирийские, анатолийские, персидские формы архитектуры—свод, купол, фасад с башнями, композитная колонна, окна, сгруппированные по два или три под переплетающейся аркой,—снова появились в архитектуре Запада. История не делает скачков, и ничто не потеряно.
Подобно тому, как развитие жизни требует вариаций, а также наследственности, а развитие общества нуждается в экспериментальных инновациях, а также в стабилизирующих обычаях, так и развитие искусства в Западной Европе включало не только преемственность традиции в навыках и формах и стимулирование византийских и мусульманских примеров, но и неоднократный поворот художника от школы к природе, от идей к вещам, от прошлого к настоящему, от подражания моделям к самовыражению. В нем было что-то мрачное и неподвижное Византийское искусство, хрупкая и женственная элегантность в арабском орнаменте, которое никогда не могло бы олицетворять динамичную и мужественную жизненную силу возрожденного и возрожденного Запада. Народы, выходившие из Темных веков к полудню тринадцатого века, предпочитали благородную грацию женщин Джотто строгим Теодорам византийских мозаик; и, смеясь над семитским ужасом образов, они превратили простое украшение в улыбающегося ангела Реймсского собора и Золотую Деву Амьенскую. Радость жизни победила страх смерти в готическом искусстве.
Именно монахи, сохраняя классическую литературу, поддерживали и распространяли методы римского, греческого и восточного искусства. Стремясь к самообеспечению, монастыри обучали своих обитателей как декоративным, так и практическим ремеслам. Церкви аббатства требовалась мебель для алтарей и алтарей, чаши и жертвенники, реликварии и святыни, миссал, канделябры, возможно, мозаики, фрески и иконы, чтобы информировать и вдохновлять благочестие; это монахи по большей части делали своими руками; действительно, сам монастырь во многих случаях был спроектирован и построен ими, как Монте-Кассино поднимается сегодня трудом бенедиктинцев. В большинстве монастырей имелись просторные мастерские; например, в Шартре Бернар де Тирон основал религиозный дом и собрал в нем, как нам говорят,“мастеров как по дереву, так и по железу, резчиков и ювелиров, художников и каменщиков ... и других, искусных во всех видах искусной работы”1. Иллюстрированные рукописи Средневековья были почти полностью работой монахов; лучшие ткани производились монахами и монахинями; архитекторами соборов в раннем романском стиле были монахи;2 в одиннадцатом и шестнадцатом веках В начале двенадцатого века аббатство Клюни предоставило большинство архитекторов для Западной Европы, а также многих художников и скульпторов3;а в тринадцатом веке аббатство Сен-Дени было процветающим центром разнообразных искусств. Даже цистерцианские монастыри, которые во времена бдительного Бернарда закрыли свои двери для украшения, вскоре поддались соблазну формы и восторгу цвета и начали строить аббатства, столь же богато украшенные, как Клюни или Сен-Дени. Поскольку английские соборы обычно были монастырскими соборами, регулярное или монашеское духовенство продолжало до конца XIII века доминировать в церковной архитектуре в Англии.
[Картинка: _23.jpg]
РИС. 16—Чимабуэ: Мадонна с ангелами и Собор Святого Франциска Ассизского
[Картинка: _24.jpg]
РИС. 17—Портрет святой Келльской книги
[Картинка: _25.jpg]
Рис. 18—Картина из Стекла, Шартрский собор 12 Века
[Картинка: _26.jpg]
Рис. 19—Розовое окно Страсбургского собора
[Картинка: _27.jpg]
инжир. 20—Нотр-Дам Париж
[Картинка: _28.jpg]
РИС. 21—Горгулья Нотр-Дам, Париж
[Картинка: _29.jpg]
РИС. 22—Горгулья Нотр-Дам, Париж
[Картинка: _30.jpg]
Рис. 23—Собор, Шартр с видом на Запад
[Картинка: _31.jpg]
РИС. 24—Северный трансепт“Скромности”, Шартрский собор
[Картинка: _32.jpg]
РИС. 25—Северный трансепт“его посещения”, Шартрский собор
Но монастырь, каким бы прекрасным он ни был в качестве школы и убежища для духа, своим уединением обречен быть хранилищем традиций, а не театром живых экспериментов; он лучше приспособлен для сохранения, чем для создания. Только после того, как возросшие потребности более богатых мирян подпитали светских художников, средневековая жизнь обрела пышное выражение в нетривиальных формах, которые привели готическое искусство к полноте. Сначала в Италии, большей частью во Франции, меньше всего в Англии, эмансипированные и специализированные миряне двенадцатого века, сгруппированные в гильдии, взяли искусство из рук монастырских учителей и рук и построили великие соборы.
II. УКРАШЕНИЕ ЖИЗНИ
Тем не менее именно монах написал наиболее полное и показательное изложение средневекового искусства и ремесел. Феофил—“боголюбец” из монастыря Хельмерсхаузен близ Падерборна—написал около 1190 года aSchedula diversarum artium:
Феофил, смиренный священник... обращается со своими словами ко всем, кто желает практическим трудом своих рук и приятным размышлением о том, что нового, отложить в сторону … вся лень ума и блуждание духа.… [Здесь такие люди найдут] все, чем обладает Греция в плане разнообразных цветов и смесей; все, что знает Тоскана о работе с эмалями … все, что Аравия показать произведений ковкий, легкоплавкий, или чеканное; все многочисленные вазы и скульптурные драгоценных камней и слоновой кости, что Италия украшает золотом; все, что Франция дорогостоящие призы в разных окнах; все, что превозносится в золото, серебро, медь, или железо, или в тонкой обработки древесины или камня.4
Здесь, в абзаце, мы видим другую сторону Эпохи Веры—мужчин и женщин, и не в последнюю очередь монахов и монахинь, стремящихся удовлетворить импульс к самовыражению, наслаждающихся пропорциями, гармонией и формой и стремящихся сделать полезное красивым. Средневековая сцена, как бы она ни была пропитана религией, прежде всего представляет собой картину работающих мужчин и женщин. И первая и основная цель их искусства-украшение их работы, их тел и их домов. Тысячи столяров использовали нож, дрель, долото, долото и полировальные материалы для вырезания столов, стульев, скамеек, сундуков, шкатулок, шкафов, лестничные столбы, деревянные панели, кровати, шкафы, буфеты, иконы, алтари, хоры… с невероятным разнообразием форм и тем в высоком или низком рельефе, и часто с озорным юмором, который не признавал никакого барьера между священным и мирским. На скупых записях можно было найти фигуры скряг, обжор, сплетников, гротескных зверей и птиц с человеческими головами. В Венеции резчики по дереву иногда делали рамы более красивыми и дорогими, чем вложенные в них картины. Немцы начали в двенадцатом веке ту замечательную деревянную скульптуру, которая станет основным искусством в шестнадцатом.*
Рабочие по металлу соперничали с рабочими по дереву. Из железа были изготовлены элегантные решетки для окон, внутренних дворов и ворот; для мощных петель, которые покрывали массивные двери в различных цветочных узорах (как в Нотр-Дам в Париже); для решеток хоров собора,“прочных, как железо” и изящных, как кружево. Железо, бронза или медь были расплавлены или выкованы в красивые вазы, кубки, котлы, кувшины, канделябры, кадила, шкатулки и лампы; и бронзовые пластины покрывали многие двери собора. Оружейникам нравилось украшать мечи и ножны, шлемы, нагрудники и щиты. Великолепная бронзовая люстра, подаренная Аахенскому собору Фридрихом Барбароссой, свидетельствовала о способностях немецких мастеров по металлу, а большой бронзовый подсвечник из Глостера (около 1100 года), который сейчас находится в Музее Виктории и Альберта, также свидетельствует об умении английского языка. Средневековая любовь к искусству изготовления простейших предметов проявляется в украшении засовов, замков и ключей. Даже флюгеры были тщательно украшены орнаментом, который мог разглядеть только в телескоп.
Искусство драгоценных металлов и камней процветало в условиях всеобщей нищеты. У королей Меровингов была золотая посуда, и Карл Великий собрал в Ахене сокровища работы золотых дел мастеров. Церковь простительно сочла, что если золото и серебро украшают столы баронов и банкиров, их также следует использовать на службе Царю царей. Некоторые алтари были из чеканного серебра, некоторые из чеканного золота, как в церкви Святого Амвросия в Милане и соборах Пистойи и Базеля. Золото было обычным для собора или пиршества, в котором находилось посвященное Воинство, для чудовище, в котором оно было выставлено на всеобщее почитание верующими, за чашу, в которой хранилось священное вино, и за реликвии, в которых хранились святые мощи; эти сосуды во многих случаях были более красиво обработаны, чем самые дорогие призовые кубки современности. В Испании ювелиры изготовили великолепные кущи, чтобы нести Воинство во время процессий по улицам; в Париже ювелир Боннар (1212) использовал 1544 унции серебра и 60 унций золота, чтобы сделать святилище для костей святой Женевьевы. О масштабах ювелирного искусства мы можем судить по семидесяти девяти главам ему посвятил ее Феофил. Там мы обнаруживаем, что каждый средневековый ювелир должен был быть Челлини—одновременно плавильщиком, скульптором, эмальером, ювелиром и инкрустатором. В Париже в тринадцатом веке существовала могущественная гильдия ювелиров и ювелиров, а парижские огранщики уже имели репутацию производителей искусственных драгоценных камней.5 Печати, которыми богатые люди запечатывали воском свои письма или конверты, были тщательно разработаны и вырезаны. У каждого прелата было официальное кольцо, и каждый настоящий или притворный джентльмен щеголял по крайней мере одним кольцом на своих руках. Те, кто потакает человеческому тщеславию, редко голодают.
Камеи—небольшие рельефы на драгоценном материале—были популярны среди богатых. У Генриха III Английского была “великая камея” стоимостью 200 фунтов стерлингов (40 000 долларов); Болдуин II привез еще более знаменитую камею из Константинополя, чтобы разместить ее в Париже в Сент-Шапель. Слоновая кость была тщательно вырезана на протяжении всего средневековья: гребни, шкатулки, ручки, рожки для питья, иконы, обложки книг, диптихи и триптихи, епископские посохи и посохи, реликвии, святыни ... Поразительно близка к совершенству группа из слоновой кости тринадцатого века в Лувре, изображающая Спуск с Креста. К концу того века романтика и юмор возобладали над благочестием, и на зеркальных витринах и туалетных ящиках появились изящные рисунки, изображающие иногда очень нежные сцены, предназначенные для дам, которые не могли быть набожными все время.
Слоновая кость была одним из многих материалов, используемых для инкрустации, которые итальянцы называли интарсией (от латинского Interserere-вставка), а французы называли маркетри (маркер, для обозначения). Саму древесину можно было бы использовать в качестве инкрустации в других породах дерева: рисунок был вырезан в деревянном блоке, а другие породы дерева были прижаты и вклеены в дизайн. Одним из наиболее сложных средневековых искусств был ниэлло (латинигелл, черный)—инкрустация надрезанной металлической поверхности черной пастой, состоящей из серебра, меди, серы и свинца; когда инкрустация затвердела, поверхность подшивали, пока серебро в смеси не засияло. Исходя из этой техники, в пятнадцатом веке Финигуэрра разработал гравировку на медной пластине.