Творчество от искусства отличается, главным образом, идейным наполнением созидаемого. Творчество – это основной способ самовыражения, поиска эмоциональной и психологической разрядки, объяснения перед самим собой. Творчество не регламентировано, оно не нуждается в правилах, равно как и в оценке зрителем. Творчество не несет в себе цели, кроме вышеупомянутой. Творец не стремится изменить внешний мир, или добиться социального одобрения. Творчество существует вне законов и времени, оно может приобретать любые формы и черты в зависимости от желания творца. Искусство же подвержено канонам и, главным образом, разрешает проблему коммуникации между людьми. Кинематограф, театр, живопись, архитектура – все это базируется на неких правилах, присущих каждому виду искусства и несет в себе задачу рассказать о мыслях артиста. Он вкладывает свою идею, трансформирует ее на некий, понятный другим язык, и ставит перед собой цель эту идею донести до зрителя. За любым предметом искусства, за любым перформансом стоит манифест. Именно он отличает творчество от искусства.
Манифест должен быть достаточно прост, для того, чтобы зритель мог его понять и достаточно сложен, чтобы быть уникальным. Искусство создает не только артист, но и зритель. Искусство – это совместная работа общества, целью которой стоит самопознание, влекущее за собой метаморфозы, необходимые ему. Искусство не может существовать без зрителя, поскольку иначе, оно теряет свою основную задачу. Манифест, стоящий за ним не обязательно должен быть очевидной общественной проблемой, он не обязательно должен быть предметом первостепенной важности для зрителя. Однако, он должен быть таковым для артиста. Только в случае, если созидаемое является душевным порывом артиста, оно может быть самобытно и бесценно.
Второй задачей артиста, которая есть путь достижения первой – является вызов эмоции. Созданное артистом должно находить отклик в зрителе, зритель должен захотеть понять манифест. Простого наблюдателя никогда нельзя убедить искать смыслы и разбираться в идеях автора. Его нельзя убедить в необходимости искать манифест. Он должен захотеть. Та эмоция, которая возникает в голове зрителя, должна заставить его стать внимательным и осторожным. Он должен посчитать важным поиск манифеста. Причем зритель не обязательно его найдет. Суть искусства именно в поиске смысла, а не его нахождении. Артист не может просчитать, как именно его работы повлияют на общество и какую силу обретут, однако, если те изменения, которые он сможет создать в умах зрителей обретут направления движения, тогда работу артиста можно считать выполненной.
Артист не должен быть психологом, политиком или философом. Он должен быть всем сразу. Он должен с тонкостью врача оперировать сознанием зрителя, с лаконичностью политика говорить о терзающих его проблемах и по-философски относиться к своему пути. Артист не должен искать выгоды в своих работах, кроме взаимодействия с обществом и самим собой. Я не говорю о том, что искусство должно быть бесплатным, но артист в первую очередь ищет связь со зрителем, а тот, в свою очередь, назначает цену. Артист не может знать, какую важность имеет его труд, до момента его оценки зрителем, соответственно, не может и ее оценить. Артист видит красоту и наполненность созданного им, но не может перевести это в денежный эквивалент. Разве можно оценить свои страдания, печали, проблемы и радости? Искусство – это мираж, обретающий физическую оболочку только на последнем этапе своего создания – на моменте его оценки зрителем.
Первая цена за работу должна быть рассчитана из цены материалов на нее потраченных, поскольку это единственная объективная цена. Далее, зритель сам поднимет цену до той, которая будет соответствовать его уровню понимания произведения. Если же пойти другим путем, и самому назначать стоимость, то зритель будет ожидать оправдания вложенных средств и, вполне возможно, останется разочарованным. Тогда смысл создания произведения потеряется, и оно никогда не станет предметом искусства, поскольку не достигнет своей цели и ни о чем не расскажет зрителю. Чтобы он оставался заинтересованным и увлеченным, стоит дать ему самому решить, сколько он готов заплатить уже после осмысления работы. Сложность оценки искусства заключается ещё в том, что в редких случаях нам удается его классифицировать и выставить в порядке значимости. Приходя за новыми башмаками, или плащом, вы можете заранее предположить их стоимость, стрижка, или удаление зуба так же имеют относительно устойчивые цены, но какой отклик найдет в зрителе ваша работа – предугадать невозможно. Точно так же, нельзя сказать, почему картина художника из соседнего дома стоит в десятки раз больше вашей. Поэтому, в каждом артисте должна быть заложена доля альтруизма, причем задолго до того, как он начнет продавать свои первые работы.
Артист должен быть человеком умным и талантливым. Поскольку форма искусства не менее важна, чем его наполненность. Гениальные смыслы теряются за безвкусным стилем и небрежным исполнением, равно как и бессмысленная красота остается лишь аксессуаром или предметом декора, но не влечет за собой изменений. Суждение же о том, что искусство не обязательно должно влиять на общество – ошибочны в корне. Так или иначе, любой поступок человека, или взаимодействие между ними, накладывают свой отпечаток на картину мира. Никогда нельзя знать наверняка, к чему приведет то или иное действие, как и представить силу Эффекта Бабочки. Когда же происходит взаимодействие между артистом и зрителем (который, зачастую, представлен в множественном числе), зритель меняется сильнее и качественнее, чем артист. Ведь он стоит в начале того пути, о котором хочет ему рассказать артист. Он впервые его проживает, испытывая квинтэссенцию заложенных эмоций и мыслей. Таким образом, влияние артиста на зрителя заметно сильнее, чем влияние обратное, что и провоцирует, порой глобальные, изменения в последнем. Из чего следует, что артист, так или иначе, меняет общество, если находит своего зрителя, вне зависимости от заложенных идей. Тогда мы можем утверждать, что, по правде говоря, артист несет ответственность за свои мысли, выставленные на всеобщее обозрение и должен осознавать возможные последствия, следовательно, быть к ним готовым. Так что, если речь идет о социальной работе, одним из основных принципов, которыми руководствуется артист становится «Принцип привлечения внимания». То есть освещение проблемы с объективностью присущей грамотным журналистам, и избегание манипуляции зрителем. Однако, как мы уже говорили ранее, являясь творческим и эмоциональным человеком, очень сложно сохранить холодную голову, при трансляции своих идей.
В заключение темы взаимодействий в обществе, посредством искусства, стоит поговорить о цензуре и вытекающей из нее самоцензуре (которая, по моему мнению, является одним из главных препятствий в работе артиста). Осознавая силу влияния артистов на общественное мнение, государство, всегда стремилось подчинить их или ограничить их деятельность. В разных народах существовали и существуют по сей день тему (табу), поднимать которые не принято. Долгие годы эти темы обрастали символами, которые были гласно или негласно запрещены. Например, в классическом французском театре, кровь на сцене не демонстрировалась, а все убийства происходили за кулисами. Таким образом зритель мог только догадываться о происходящем посредством звукового сопровождения. Однако основными запретными темами, почти всегда являлась критика власти, религии, инцест (не в Древней Греции) и тому подобное. Сегодня, когда страны разделены на левый и правый лагеря, на тоталитаризм и демократию, цензура, в том или ином виде, существует в каждой из них. Критика борьбы с расизмом, гендерного равенства, реабилитация нацизма или подрывание престижа государства – все это относится к цензуре, то есть к прямому или непрямому запрету автору на выражение своих мыслей и идей таким образом, каким он того делает под страхом последствий – запрета произведений, общественного порицания и т.д.
Причем цензура, зачастую, работает превентивно. Темы, которые «нельзя» обсуждать или способы их осмысления, равно как и страх наказания прочно укоренились в умах как зрителя, так и артиста. Так что артист, в поиске способа самовыражения осознанно или неосознанно избегает касаться таких тем. Он подвергает себя самоцензуре, самостоятельно запрещает себе поднимать тот или иной вопрос. Есть откровенно жестокие идеи, которые будут вредны обществу, однако мы все равно не можем о них не говорить. Поскольку очень важно иметь возможность сравнивать взгляды и убеждения. В сравнении постигается истинная ценность идеи. Кроме того, артист всегда может самоустраниться от ответственности за последствия, не агитируя за определенные ценности, ограничиваясь только их демонстрацией. Важно указывать на различные проблемы и аспекты общественной жизни, чтобы зритель сам мог принимать решение, как относиться к этому. Так, артист может придать, в основном, субъективному искусству свободу, сделать его более понятным и глубоким. Поиск способов объективизации своих идей – достаточно важная и сложная работа, которой артист должен заниматься постоянно.
Работа зрителя важна не менее, чем работа артиста. Быть внимательным и беспристрастным наблюдателем – талант не меньший, чем талант живописи или актерского мастерства. Равно как и артистом, зрителем может стать каждый, однако это большая, тяжелая и, на первый взгляд, неблагодарная работа. Важно помнить, что как зритель, так и артист становится им в первую очередь для себя, потом уже друг для друга, и наконец – для общества. Зритель не может существовать без артиста и наоборот, а искусство не обретет смысла без желания изменить себя. И только при соблюдении этих двух условий оно может изменить мир.
Искусство – это влечение души рассказать о самой себе. Это нечто большее, чем форма самовыражения. Это необходимость, это жажда. Жизнь артиста – вечный спектакль. Артисту необходимо научиться принимать свои поражения с такой же легкостью, как и победы и наоборот, чтобы оставаться самим собой. Он может никогда не узнать, насколько великим человеком является, однако это не мешает ему им быть.
Искусство прошлого.
Преобладающим течением в искусстве, социальной жизни и науке двадцатого века стал модернизм. Он пришел одновременно с авангардизмом, но преследовал качественно другие цели. Для модернистов главным проводником в жизни становился поиск нового. Искусство для них было неотъемлемо связано с научным прогрессом. И хотя они превозносили нигилизм, прошлое не настолько отрицалось, сколько переосмыслялось. Художники и писатели искали новые приемы, создавали новые формы слога. И хотя они относили себя к разным группам: футуристам, акмеистам, символистам и так далее, по сути, они все преследовали одну и ту же цель. Знаменитая лесенка Маяковского, символизм блока, образы Есенина, все это приносило разнообразие в искусство. Во многом, именно революция 17-го года позволила раскрыть сотни новых талантов, которые в свою очередь принесли революцию в мир искусства. 20-е годы прошлого века стали началом новой эпохи в Восточной Европе и ближней Азии. Еще не разочаровавшиеся в реалиях СССР артисты, превозносили коммунизм, создавая новое искусство. Соцреализм стал одним из ярчайших его проявлений. Политика влияла на искусство как никогда раньше, задавая стиль и темп письма. Пропаганда расцветала, писатели из народа получали признание, новые таланты росли и множились. Однако, уже к середине 20-го века, в послевоенные годы, начал назревать кризис в литературе и в искусстве в целом. Государство доминировало над артистами, пропаганда цвела пышным цветом, цензура не давала дышать. Создавать стало страшно, искусство стало одним из инструментов управления обществом.
В таком виде оно просуществовало вплоть до 80-х годов, постепенно ветшая и разваливаясь вместе с государственным аппаратом. Научный прогресс уже никого особенно не удивлял и то, что было ново в начале века, переставало быть таковым. Государство же не было в состоянии предложить новый путь развития и продолжало держаться за старые слоганы, за Маяковского, Горького и Островского. Модернизм себя исчерпал, поскольку более не мог предложить ничего нового.
В конце 80-х годов заговорили о необходимости значительных перемен в искусстве и его видении обществом. На смену модернизму, существовавшему более полувека, приходит постмодернизм. Он характеризуется гротескным высмеиванием своего предшественника и закладывает новые идеи в мировое искусство. Постмодернизм дает начало целой вехе художников, писателей, поэтов и режиссёров. Как на западе, так и в уже постсоветском пространстве. Постмодернисты над классическим и модернистским искусством, применяя более философский подход к своему делу. В создании нового, они сильно переосмысляют искусство как таковое, показывая его обреченность и однотипность. Своей целью постмодернисты видят решение этой проблемы не путем создания принципиально нового, а скорее деструкцией старого. Они считают, что, то. искусство, каким оно являлось до конца двадцатого века не может более существовать, поскольку не приносит ничего нового. Новых идей, нового знания, нового способа мышления. Это бесконечная эксплуатация одних и тех же принципов создания, одних и тех же клише с небольшими колебаниями и отклонениями, однако, одного и того же направления мысли. Постмодернисты же, еще более усугубив нигилизм модернистов, стремились вывернуть наизнанку искусство старой системы ценностей и сделать его непривлекательным ни для зрителя, ни для артиста. Это сильно напоминает Тургеневский конфликт поколений, с тем лишь различием, что постмодернисты были намного лучше адаптированы к современным реалиям и исход спора стал очевидным.
Если рассматривать конфликт с психологической точки зрения, то он является по сути рефлексией распада большой страны, вытекает из длительного застоя в искусстве. Постмодернизм же обусловлен обыкновенным юношеским протестом и тягой к разрушению. Схожие настроения существовали и ранее, просто не оформляли себя в отдельные течения и все-таки придерживались некоторых законов внутри себя. В итоге оставались незамеченными. Главное же отличие именно постмодернизма от своих предшественников заключается в осознании своей обреченности. В момент своего зарождения, постмодернисты знали, что они тут ненадолго. Проблемой было то, что они не предлагали такого способа выражения идей, который мог бы существовать достаточно долго, чтобы превратиться в эпоху. Они знали, что их единственной целью является разрушение старого порядка. Человек, посвятивший себя деструкции искусства не способен создать свое. Он опирается на существующие каноны, насмехается над ними и над собой, однако не может эксплуатировать такой принцип вечно. Он не умеет создавать. По правде, ему это и не нужно. Постмодернисты не выиграли и не проиграли, они просто выполнили необходимую работу. Расчистили поле для тех, кто придет после них.
Искусство – это основа цивилизации и культуры общества. Культурное наследие заключается в совокупности всех предметов искусства, созданных им. Оно служит для передачи информации будущим поколениям, позволяет социуму развиваться.
Метамодерн. Первый принцип.
Мы немного поговорили об истории, предшествующей появлению Метамодерна и об искусстве в целом. Давайте теперь поговорим о нем самом. Как нам известно, невозможно создать новое из ничего. Нельзя просто взять и придумать новый язык и заставить на нем говорить миллионы. Придумать новые звуки, ноты, рифмы и новые мазки кисти. Все уже придумано, изобретено и успешно используется столетиями. Как в нашей речи, вследствие прогресса, уходят одни слова и возникают другие, так же и в искусстве, одно течение сменяет другое. Часто это довольно длительный процесс, который растягивается на десятки лет и проходит незаметно для современников. В наш век стремительного развития, век интернета, век мгновенного обмена информацией и век ее массового потребления, мы больше не можем придерживаться старых принципов создания и осмысления искусства. Нам нужно новое орудие, навык и смысл. Никого не удивляют копии картин ренессанса, греческие колонны и мозаики. Искусство становится менее интересным с точки зрения оригинальности. Единственным, как нам видится, способом не только успеть за нашим временем, но и надолго определить вектор его развития - является эклектизм. Смешение жанров и направлений, стилей и видов искусства. С помощью простой математической комбинаторики, за небольшой отрезок времени, представляется возможным создать сотни новых стилей и жанров. Простым примером является Лампасовская каллиграфия. Несложное по исполнению и форме искусство, которое обретает уникальность за счет комбинации каллиграфии и изобразительных техник. На западе художники становятся музыкантами, писатели – дизайнерами одежды, все идет к тому, что в ближайшие годы возникнут сотни новых вариаций на уже существующее искусство. Одним из препятствий этому является то, что двигатель искусства в наше время – это его монетизация. Авторы стремятся дать зрителю привычный товар в новой обертке, который самобытным не является. Таким образом, неискушенный зритель сможет удовлетворить свою потребность в новизне. Однако в погоне за успехом, артист чаще всего не рискует уходить в крайности и создавать действительно уникальный продукт. Таким образом, не становясь артистом в полном смысле этого слова. Сегодня мы стоим в начале пути сращения всевозможных жанров, стилей и техник, и в последствии их распада на огромное количество новых, молодых вариаций. И первым принципом Метамодерна становится эклектизм. Эмпирический эксперимент. Превращение, доселе самодостаточного, вида искусства в одну из составляющих нового творения. Это необходимость, которая сможет удовлетворить желание зрителя изумляться увиденному.
Метамодерн. Второй принцип.
Гегелевская философия, или вещь в себе. Искусство ради искусства. Последние века, искусство было рефлексией общества. Отражением его социальной и политической жизни. Искусство поднимало фундаментальные проблемы, привлекая к ним внимание. Искусство, как таковое, не являлось самодостаточным, ему необходимо было иметь в себе социально-идеологический манифест. Ровно это мы наблюдаем сегодня по всему миру. Оскар дают не за качество работы, не за стиль ленты, или ее уникальность, а за смысловую наполненность, за правильные идеи, заложенные в ней. Всевозможные премии получают не за те работы, которые заставляют зрителя трепетать и поражаться, а те, что несут в себе идеологически верный посыл. Таким образом, сами авторы стремятся сделать их такими для одобрения зрителя. Но артиста это волновать не должно. Он должен говорить то, что хочет сказать, а не то, что ожидает зритель. Тогда он сможет сплотить вокруг себя настоящих единомышленников и создать что-то по-настоящему великое. Искусство ради искусства – второй принцип Метамодерна.
Метамодерн. Первый аспект.
Командная работа. Этот аспект Метамодерна нельзя отнести к принципам, поскольку он не является обязательным, но качественно улучшает ваше произведение. Век одиночек уходит. Сегодня крайне трудно создать уникальный продукт одному. Поскольку для этого придется одинаково хорошо разбираться в многих жанрах и видах искусства. Придется в равной степени иметь и музыкальный и художественный вкус, снимать и монтировать, рисовать и сочинять стихи. Поэтому, мы считаем необходимым создание творческих объединений музыкантов и художников, актеров и режиссеров, работающих как вместе, так и по-отдельности. История имеет некоторое количество успешных примеров, которые были загублены из-за бездарной организации или преобладания чего бы то ни было над искусством. Политической мысли, желания обогатиться. Главным примером из новейшей истории являются всевозможные союзы советских писателей и поэтов. Где артисты могли создавать вместе, обмениваться опытом и критикой, устраивать совместные обсуждения произведений до момента их выхода в свет. Командная работа не является обязательной, но сильно упрощает процесс создания нового и позволяет больше и качественнее экспериментировать.
Метамодерн. Третий принцип.
Форма искусства должна соответствовать его смысловой наполненности.
Зачастую мы можем наблюдать, как примитивные образы воплощают гениальные идеи и как за превосходным исполнением стоят базовые мысли. Таким образом зритель оказывается либо разочарован, либо обманут. Если обертка не отражает внутреннего содержания, сложность осмысления работы увеличивается, а задача теряется. Существование искусства ради красоты уходит в прошлое, поскольку сегодня зритель хочет, одновременно с восприятием формы, поглощать и усваивать новую информацию. Задачей же артиста является дать ему такую возможность. Поскольку время вокруг течет все быстрее, артист боится не успеть рассказать, а зритель – не успеть выслушать. Книги уходят в прошлое, читатель больше не хочет тратить десятки часов на «Войну и Мир», Он хочет потреблять быстро. Ему нужны короткие ролики и брошюры. Задача же артиста – предоставить ему возможность не только потреблять быстро и качественно, но и дать ему необходимый по мнению автора багаж информации, которую зритель будет обрабатывать после. Таким образом, форма искусства должна соответствовать, по мнению автора, его смысловой наполненности.
Четвертый, пятый, шестой и сто тридцать девятый принцип Метамодерна мы предлагаем выбрать вам самим. В конце концов, искусство нового мира – это эксперимент, в котором никто не прав, и никто не ошибается. Это смесь идей и смыслов, форм и вариаций и только от вас зависит, каким оно будет через десять, двадцать, или сотню лет. Метамодерн – это не готовый паттерн для создания искусства, это способ его осмысления и оценки артистом и зрителем. Метамодерн – это возможность хоть немного упорядочить и структурировать хаос, который ждет нас в скором времени. Это начало новой эпохи, в которой каждому найдется место.
Манифест посвящается всем артистам и зрителям нового поколения.
Отдельная благодарность Павлу Николаевичу Ивлеву за его вклад в искусство нового мира.
29/08/2021