Кто-то из известных музыкантов сказал, что написать хорошую трёхминутную песню куда сложнее, чем продолжительный музыкальный эпос. Возможно это и так, к тому же невольно возникают ассоциации со схожим доводом из литературной среды (написать рассказ куда сложнее чем роман). Но вряд ли многие считают склонность музыкантов к созданию продолжительных композиций некой композиторской несостоятельностью.
Многие слушатели любят длинные треки, они позволяют максимально погрузиться в музыку, раствориться в ней, совершить путешествие в другой мир. Но главное в создании подобных произведений – не затянуть. Ведь аудитория может просто заскучать из-за постоянного повторения одного и того же мелодического хода на протяжении 20 минут, даже если этот ход хорош.
Размышляя над этим, я решил переслушать несколько десятков продолжительных композиций и выбрать из них самый, на мой взгляд, интересные. Касаемо хронометража, то я руководствовался только одним критерием – не короче 15 минут. В остальном же было сложнее.
Есть множество композиций, которые под этот критерий попадают, но их сложно назвать цельными произведениями. Зачастую подобные эпосы состоят из разрозненных песен объединённы от группы Dream Theater смысловой концепцией в одно большое произведение (к примеру Six Degrees Of Inner Turbulence, длящаяся 42:04, альбом-песня The Whirlwind группы Transatlantic длительностью 78 минут или одно из моих любимых произведений Crimson от Edge of Sanity продолжительностью в 40 минут), поэтому я постарался не включать в этот список композиции, построенные по данному принципу.
А что касается порядка, то давайте начнём с малого.
Porcupine Tree – «Anesthetize»
Часть концептуального произведения Fear of a Blank Planet и далеко не чемпион по хронометражу в дискографии Porcupine Tree (посмотрите на хронометраж The Incident), Anesthetize заслуживает быть услышанной не только любителями прогрессивной музыки.
Композиция начинается с партий баса и перкуссии под аккомпанемент которых начинает петь Стивен. Такой быстрый переход к вокальным партиям нехарактерен для множества продолжительных произведений, отдающих до 10-и процентов хронометража под вступление. И подобный шаг композитора наводит на мысль, что почти 18 минутная сюита будет составлена из нескольких композиций, связанных идейно, но не музыкально.
В конце третьей минуты в аккомпанемент вторгается гитара, поначалу играя роль аранжировочного элемента, но уже через минуту начинает развивать мелодию. Развитие размеренное, сопровождаемое гитарной мелодией, а после риффами, но пока в нём не виднеется финальная точка. Вновь вступает Стивен и тут на 07:50 мелодия инструментов скрашивается великолепным припевом, очень простым, но цепляющим.
Из припева возникает сольная гитарная партия, за ней вступают фоновые клавиши, а после скоростной отрывок, построенный на партии гитары и ударных. Композиция замирает, но не заканчивается на тринадцатой минуте, остаются только фоновый звук, к которому начинают добавляться инструменты, а Стивен на их фоне поёт третий куплет, после которого композиция подходит к коде.
Прошло почти 18 минут, заданная в первые секунды мелодия пронесла нас через всю композицию, показав, что этот трек именно единое полотно, из которого невозможно исключить какую-либо составляющую не нанеся вред целому. Эти восемнадцать минут звука так умело собраны в одно полотно, что демонстрируют композиторское мастерство Стивена Уилсона во всей красе.
Iron Maiden – «Empire of the Clouds»
Никогда не позиционировавшие себя как progressive группа Iron Maiden тем не менее не чурались сочинять продолжительные композиции. Апофеозом на данный момент является изданная в 2015 году композиция Empire of the Clouds, написанная фронтменом группы Брюсом Дикинсоном. Вокалист работал над ней около месяца без привлечения остальных участников группы, а в качестве основного инструмента использовал рояль. Композиция во многом необычна для Iron Maiden. В ней впервые роль ведущего инструмента заняли клавиши, на которых, опять же впервые в истории группы, играл Брюс Дикинсон.
Начавшаяся с одинокого рояля мелодия постепенно насыщается партиями других инструментов. Появляются ударные, оркестр, а вскоре и вокал Брюса Дикинсона. Гитарам на протяжении большей части композиции отведена второстепенная роль (они слабо звучат на фоне рояля и ударных) и только с шестой минуты звук усиливается. Мелодический рисунок и ритм меняются с восьмой минут, когда клавиши отступают и гитаристы Maiden поочерёдно играют сольные партии, а Нико МакБрейн добавляет звук гонга. В исполнительском плане композиция не сложна, но основная мелодия и пение Дикинсона не дают заскучать, и к окончанию сольных партий слушатель не забывает основной мотив, который возвращается на шестнадцатой минуте, придавая композиции циклический характер. Вряд ли это прогрессив, но раздача ярлыков это дело десятое, главное, что это великолепная композиция и одно из высших достижений Брюса Дикинсона как автора.
Opeth – «Black Rose Immortal»
Как и многие музыканты жанра death metal Михаэль Акерфельдт прячет (прятал) в глубине души романтическую натуру, которая обогащала его сыгранные на гитарах с пониженным строем композиции, превращая их из достаточно стандартных наборов жанровых клише в интересные произведения.
Black Rose Immortal трек со второго альбома шведской группы Opeth и самая продолжительная на данный момент композиция коллектива. Весь трек строится на чередовании акустических и электрических элементов. Последних в композиции куда больше, а первые служат скорее связками не всегда умело встроенными в музыкальное полотно Музыкантам явно хочется внести больше разнообразия в свои номера, но видимо ещё не хватает элементарного композиторского опыта (Михаэлю на момент записи было 22 года, а его соавтору Питеру Лингрену 21, а сочинять Black rose innmortal ребята начали ещё несколькими годами ранее).
Песня преображается после шестой минуты, отдельные части выстраиваются в единое целое и отрезок с 06:00 до 16:40 великолепен от и до. Тревога то нарастает, то затухает и так несколько раз пока в конце семнадцатой минуты музыка не берёт очередной разгон, чтобы ….. закончить его резким переходом в акустику, повторив ту же ошибку, что и на первых 5 минутах трека. Концовка получилась немного куцей и возможно ещё минута-другая музыки вытянула бы её. Но не смотря на композиционные огрехи в Black Rose Immortal есть чувства и эмоции, а это с лихвой компенсируют мелкие недостатки. Великолепное творение ранних Opeth, которое до сих пор слушается с интересом.
Pink Floyd – «Echoes»
Размеренная пульсация с эффектом эхо, вкрадчивый звук гитары – так начинается одна из самых любимых поклонниками композиция Pink Floyd. Она появлялась из студийных набросков, спонтанных джемов и зарисовок, которые после были собраны в единое 23-х минутное полотно.
Pink Floyd никогда не стремились наполнить композицию наибольшим количеством нот, предпочитая размеренное повествование. Мелодия словно окутывает вас лёгкой дымкой, погружая в себя. Только на четвёртой минуте вступает вокал Дэвида Гилмора, а уже на шестой музыканты уходят в инструментал, базирующуюся в основном на гитаре Гилмора и повторяющихся бас-партиях Роджера Уотерса.
Инструментальная часть продолжается 5 минут, и, не смотря на отсутствие цепкой мелодии, Флойд «держат» слушателя атмосферой и общим звуковым потоком. Казалось бы такое музыкальное путешествие можно растянуть на десятки минут, но уже на 12-й настроение бесконечного джема меняется, инструменты затихают и слушатель погружается в какофонию из тревожных звуков. Вой ветра, крик птиц, гул, напоминающий «озвученную» пустоту космоса – всё это выбивает из полутрансового состояния.
Через несколько минут путешествия вновь возникает пульсация, словно маяк, ведущая слушателя за собой из звукового океана. Начинают возникать новые звуки, мы возвращаемся из мира снов, чтобы услышать окончание. Вновь появляется вокал Гилмора и мелодия бас-гитары, композиция переходит к тому мелодическому отрывку, который завершился на 12 минуте и постепенно затухает.
Dream Theater – «In The Presence of Enemies»
У группы Dream Theater произведений, подходящих под установленные в начале статьи критерии, множество, выбирать есть из чего. Очевидным кандидатом является Octavarium, хотя найдутся и те, кто поратует за сорокаминутную Six Degrees of Inner Turbulence. Но я остановлюсь на In The Presence of Enemies - произведении Джона Петруччи несправедливо (на мой взгляд) разделённом на альбоме Systematic Chaos на две части, но на концертах исполняемое как единое целое. Поэтому для разбора трека я решил взять его концертное воплощение, реализованное на альбоме Chaos in Motion (благо театралы в этом вопросе пуристы, поэтому концертное исполнение копирует студийную запись нота в ноту).
Первые две минуты музыканты словно разминаются, показывая мастерство владения инструментами, и вот на 02:20 вступает основная мелодия, протяжный гитарный пассаж из нескольких нот, сразу же врезающийся в память и вызывающий у меня ассоциации с Дэвидом Гилмором.
Думаю, что Джон Петруччи мог бы 20 минут обыгрывать этот пассаж, придавая ему всё новые оттенки, но это было бы слишком просто. В конце пятой минуты вступление заканчивается, и композиция переходит к основной части. Вступает Джеймс ЛаБри, чей голос любим далеко не всеми поклонниками группы. В данном случае к Джеймсу тоже можно предъявить претензии, но я считаю, что его вокальная линия в этой композиции отлично вписываются в музыкальную. Первая часть композиции завершается на девятой минуте обрывающимся соло Петруччи, это та самая граница разделившая композицию на две части на студийном альбоме. И лично мне не хватает здесь нескольких дополнительных нот, которые бы связали обрывающееся соло с партией Рудесса, чей инструмент и вокал Джеймса на пару остаются единственными в звуковой палитре композиции. Напряжение вновь возрастает на тринадцатой минуте, вперёд вновь выходит вокал Джеймса. На шестнадцатой минуте музыка набирает скорость и становится агрессивней, готовя слушателя к кульминации, которая стартует на девятнадцатой минуте. Спустя почти четыре минуты из инструментальной вакханалии вырывается основная мелодия, за ней последний куплет от ЛаБри и завершение.
X-Japan – «Art of Life»
Масштабное произведения авторства Йошики Хайаши (правильно всё же Йосики Хайаси) записанное и исполненное группой X-Japan. Композиция начинается с акустического вступления и переходит в мягкую балладу с эмоциональным исполнением Тоши. Остальные участники и оркестр подключаются на четвертой минуте, и вскоре Пата выводит вперёд скоростную гитарную партию, переводя композицию в симфо-металл. Соло-гитарист Хиде добавляет гитарные партии между куплетами, а на седьмой минуте выходит вперёд с великолепным соло. Композиция исполняется в симфо-металлическом ключе до четырнадцатой минуты, после Тоши исполняет очередной куплет по звук оркестра. На отметке в 15:10 вступает Йошики, сменивший ударную установку на рояль. Музыка строится только на его партиях, переходящих в импровизацию. Создаётся практически композиция в композиции. Вся партия Йошики длится около восьми минут, а к двадцать пятой минуте композиция вновь взрывается мощными симфо-гитарным безумием и вокалом Тоши. Близится завершение. На последних секундах остаётся только Тоши вытягивающий в абсолютной тишине: It’s my life.
Композиция была настолько обособленна от всего предыдущего творчества группы, что было решено издать её отдельно без каких-либо дополнительных песен. Один диск – одна песня. И это правильный ход. «Art of life» настолько самодостаточна, что никаких дополнение ненужно.