Творчество Сергея Теплякова уже несколько лет с восторгом принимается просвещенным обществом в США и в странах Европы.
Сергей создаёт произведения в разных жанрах: от концептуальных натюрмортов, портретов, реалистических пейзажей до богатых натюрмортов в стиле великих итальянских мастеров. Для каждой своей картины художник выбирает технику, необходимую для того, чтобы сделать изображение наиболее выразительным, и стремится достичь элегантной эстетики в каждом предмете.
Его работы оценили знатоки и профессионалы, почитатели и коллекционеры, критики и искусствоведы. Кроме того, мастерство художника отмечено специалистами Ватикана. Картины Сергея Теплякова находятся в частных коллекциях Вены, Венеции, Марбельи, Милана, Москвы, Нью-Йорка. Его работы активно экспонируются в Австрии, Великобритании, Италии, России и в США (выставки ART Fair Innsbruck, ART Expo New York, Swiss ART Expo, ART Miami).
Расскажите, как вы начали писать картины?
Я родился в Москве, в семье, где к искусству было особое отношение. Мой дедушка, Михаил Тараев, был видным деятелем искусств, народным художником СССР, секретарем союза художников СССР, лауреатом Репинской премии, он был отмечен и другими государственными наградами.
Я с детства любил бывать в его мастерской и наблюдать за его работой и творческим процессом. В нашем доме бывали многие именитые художники, имеющие мировую известность. Такое общество неизбежно повлияло на формирование и моего творческого вкуса, и художественного восприятия в целом.
Мы слышали не раз, как художники выходцы из России с нежностью вспоминают советскую художественную школу, в которой они учились. Нужна ли такая академическая школа рисунка, живописи и скульптуры в настоящее время? (Почему?)
Да, это – правда! Вспоминаем художественное образование, если не с нежностью, то с большим уважением и благодарностью.
Я считаю, что академическая школа в искусстве просто необходима, для яркого примера, у нас очень жесткая академическая школа балета и результатом образования мы гордимся уже второе столетие. А наша академическая школа рисунка и живописи намного старше балетной. Не принимая во внимание иконописные школы и другие варианты при монастырях (хотя безусловно, русская школа иконописи – это бесспорный лидер), созданная еще при Екатерине II Шуваловым и Ломоносовым Российская академия художеств, где одним из первых педагогов портретной живописи был Рокотов Ф.С., многие великие русские художники, преподавая изобразительное искусство в РАХ, сформировали русскую классическую школу рисунка и живописи.
И кто-то действительно имеет смелость заявлять о ненужности такой школы? Хочу напомнить, в нашей истории уже были подобные ошибки после Великой октябрьской революции 1917 года. Мы уже пережили отрицание во всем искусстве, не исключая изобразительное. Так все разбазарили, что к концу 30-х годов прошлого века еле собрали по крупицам. Не будем сохранять традиции и школу – потеряем себя. Мы можем не исключать некие иные формы обучения, хотя если так пойдет дальше, то скоро рисунок будет преподавать шимпанзе, а живопись – слон.
История сама поможет нам сделать правильный выбор. И с удовольствием замечу, что история почему-то сохраняет высокое искусство и отбрасывает многие авангардные начинания и течения.
Мое мнение такое –
ни в коем случае нельзя лишать людей высокого искусства,
а все остальное пускай существует параллельно, и давайте это не соединять, а то у нас получится нонсенс. Я предлагаю дожить до того момента, когда Шекспир или Рембо будут читать рэп, я лично не хочу этого видеть.
В последнее время критики ждут от художников сложных концептуальных идей. Зачастую молодые художники экспериментируют “на грани”. Есть какое-то рациональное объяснение, что можно считать настоящим искусством?
Критики ждут сложных концептуальных идей?
Концептуальные идеи – это дизайн. Это — синтезирование формы, пространства и света. А художники, в традиционном определении этого слова, работают только с одной формой в пространстве — с плоскостью. В понимании критиков – концептуальная идея – это какое-то новое изобретение формы.
Замечали, что больше всего экспериментируют молодые художники, тогда им приписывают смелость, новаторство, творчество в поиске нового видения или выражения. А с возрастом, и я бы сказал, с опытом, приходит осознание профессии, гармонии, понимание того, что все, что необходимо, уже придумала сама природа. И главное предназначение художника – это донести эту гармонию до зрителя, найти то, на что обычный глаз не обращает внимание, дать акцент на цвет на форму. Ведь наше сознание начинает замечать то или иное природное явление, только используя так называемый принцип Гулливера, т.е. увеличить сверхмалое или уменьшить сверхбольшое.
На мой взгляд, концепт в изображении состоит в том, чтобы дать определенный ракурс и освещение вполне обыденным, привычным нам предметам. Ведь стоит изменить освещение простых предметов, и они предстанут в неожиданных для нас ситуациях.
Для ответа на вечный вопрос, что можно считать настоящим искусством, предлагаю вспомнить наиболее известные определения искусства. В основном все эти определения указывают на духовность, духовную деятельность. А при более углубленном поиске мы наталкиваемся на такое: что искусство есть результат творчества субъекта. Вот тут и есть тот парадокс, который стал впоследствии общественной ошибкой.
Парадокс, что всякое искусство есть творчество, но не всякое творчество есть искусство! Я склонен к такому определению: искусство – это высшая форма выражения (передачи) гармонии, постоянно стремящаяся к совершенству (истине), так как совершенство есть истина в последней инстанции.
Как появилась появилась серия портретов …??
Серия портретов появилась так же, как и все другие серии — сначала было несколько заказов, а позднее портрет вызвал особый интерес своей многогранностью. Портрет очень ярко отражает задачу, поставленную художником. Я бы назвал три основные критерия — похожесть, состояние и характер. Я в каждом портрете ставлю себе задачу добиться определенного состояния, передать энергетику человека.
Вообще, портрет имеет какие-то “магические” свойства. Они неоднократно описаны во многих литературных произведениях. Многие в желании иметь портрет преследуют именно эти цели.
Где Вы черпаете вдохновение, как рождаются идеи новых работ? Возможно ли «творить» по расписанию? и как проходит ваш рабочий день?
Вдохновение?!! Попробуем как-то определить это очень многогранное понятие. Это и потребность в творчестве, и желание передать красоту и гармонию зрителю, и увиденная красота природы, и красивые люди, и …. — это можно продолжать еще долго!! Я бы объединил все эти грани и назвал бы их духовным наполнением.
Состояние духовного наполнения, данное нам свыше, присуще только человеку. Это и есть то, что сподвигает художника делиться с миром этим духовным наполнением, духовным смыслом, выражая это в картинах, музыке или других формах искусства.
Идеи работ рождаются, конечно, не каждый день. Можно сказать так — сначала появляется тема. Постепенно в голове тема обретает некие очертания картины. После этого начинается сборка кадра, то есть композиционное решение. Затем формируется размер картины, и работа над сомасштабностью объектов. И последнее — это цветовое решение и количество света. Вот приблизительно последовательность процедуры создания произведения. Этот подготовительный процесс почти всегда намного дольше, чем непосредственно само написание картины.
Творчество само по себе процесс непрерывный и, я бы сказал, не контролируемый, не зависящий от внешних обстоятельств.
Рабочий день во многом зависит от соблюдения определенного, только мной установленного графика. В среднем, мой рабочий день 6-7 часов и в будни, и в выходные. Но может быть и больше, если этого требует необходимость. Обычно 6-7 часов — это оптимально высокая эффективность, но в течение дня есть еще много технических работ.
Почему-то многие ошибочно полагают, что работа художника — это вдохновенно сделать 20-30 мазков. Нет, это ежедневная скрупулезная работа, требующая большой сосредоточенности, концентрации и больших энергозатрат.
Поделитесь самой интересной выставкой в которой Вы принимали участие.
Самая интересная выставка, я надеюсь, это та, которая у меня ещё будет, а самая резонансная, на мой взгляд, была в 2017 году в Риме, на via Margutta. Именно после этой персональной выставки ко мне обратились представители Ватикана и отобрали несколько моих натюрмортов для экспозиции в Канцелярии Ватикана. Безусловно я рассматриваю этот факт, как определенное признание своего мастерства.
Какие у Вас планы на ближайшее будущее? Возможно, готовится необычный интересный арт проект с Вашим участием?
Ну, мои планы, как наверное, и планы всего мира очень сильно скорректировали новые реалии жизни, и предстоящие проекты временно отложены на другие, более поздние даты. Но я верю, что мы все постараемся, и у нас состоятся те мероприятия, которые мы планировали и готовили, а именно: экспозиция серии моих работ в Дворике Браманте в Риме, в Италии; и участие в выставке в Музее современного искусства (MOMA) в Нью-Йорке.
Картина «Вино, стекающее в бокал» стала лауреатом международной выставки ART EXPO Zurich, 2019, и отмечена на выставке ART Miami, 2019.
По Вашему мнению, насколько в современном мире важно художнику уметь коммерциализировать свое искусство?
Да, важно! Особенно, если работа художника — это его средство к существованию. В идеальном понимании художник живет за счет заказов портретов, пейзажей и др. Хотя, откровенно говоря, очень богатых художников история знает не много. Но в нашем мире художнику очень тяжело, закрыты все возможности и потребности в изображениях.
Теперь художник из социальной группы эстетов-одиночек переместился в группу социального потребления — шоу бизнес. В настоящее время изобразительное искусство живет по законам попсы — эпатаж, скандалы, сплетни и тд. Редко, когда художника знают за его профессионализм. Общество с большей радостью ждет и потребляет скандальные новости и ситуации, а высокое и классическое искусство остается без должного внимания. Однако, справедливости ради, что такое положение вещей обостряет социальный конфликт высокого классического искусства и, я бы сказал, суррогата, в баталиях за внимание зрителей и коммерческий эффект.
Классическое изобразительное искусство имеет заметно меньшую аудиторию приверженцев и поклонников. Поп культура, к сожалению, всегда будет в массе более коммерческой, потому что не требует хорошего образования и специальных знаний. По моему мнению, высокое искусство — это духовная ценность, а поп культура — это правильный коммерческий подход.
Заканчивая ответ на этот вопрос, скажу так —
бесспорно для любого художника важно уметь правильно подать и продать свои произведения, потому как в любом случае художник творит для людей.
Какой совет вы бы дали людям, которые хотят купить произведения искусства? На какой жанр стоит обращать внимание и вкладываться (если нет глубоких познаний в искусстве, но хочется начать коллекционировать)?
Что посоветовать? У меня есть один универсальный совет — никого не слушайте, кроме своей души и своего сердца. Покупайте только то, что вам действительно нравится. Вы же не планируете прятать купленное произведение в темном чулане! Вы разместите его в своем доме, и оно будет создавать вам то настроение, которое вы от него ждете. Приобретайте то, что приятно вашему глазу, вашей душе. Произведения и создаются для влияния на ваше духовное состояние. Конечно, очень неплохо было бы собрать какую-то информацию о принципиальных аспектах вашей коллекции.
Для тех, кто хочет начать коллекционировать, могу дать несколько простых и объективных рекомендаций.
Для коллекционера (начинающего) надо определить цели и критерии своего будущего собрания. Сперва хорошо бы понять базовые параметры, которые нравятся только вам: будут это акварели, или масляная живопись, или, например, пастель. После этого, посоветовавшись с собой (и ни с кем более) , поставить коллекционную задачу — что конкретно вы намерены собирать? Это могут быть портреты, пейзажи на тему, корабли, города — да все что угодно!! И еще немаловажно каких художников вы хотите иметь в коллекции, они могут определяться манерой, стилем, временем творчества и тд. Но повторю еще раз — вам все это должно нравиться, вы должны это очень любить.
На счет вложений, разберем формирование оценки на примере филателии. Чем более полная коллекция тем она дороже. Еще цену добавляет полные линейные наборы (серии), у художников тоже есть такое. Значительно увеличивает ценность — когда собрана одна страна, ну и далее — это наличие редкостей и раритетов. В коллекционировании искусства все очень похоже. Хорошо, когда коллекция собирает одну или две темы. Здесь могу дать ориентир — художники обычно пишут несколько линейных тем, которые им больше нравятся. Например — пейзажи Италии, или портреты футболистов, или балерины, или собаки и тд.
В завершении хочу сказать — коллекционируйте как можно больше!!! Своим интересом и коллекционированием, вы даете возможность художникам понимать насколько их творчество востребовано, и сподвигнете их работать с еще большим желанием и вдохновением!!
Контакты художника: @teplyakov_artstudio